RESEÑA: Shakespeare in Music Festival, varios lugares, 20-23 de abril
Por Peter Buckroyd
El Shakespeare in Music Festival se ha consolidado rápidamente como el evento musical del año en Stratford. Consistió en siete conciertos diurnos (uno de los cuales fue cancelado debido a una enfermedad), otros cuatro eventos diurnos y cuatro eventos nocturnos celebrados en la Iglesia de la Santísima Trinidad.
Asistí a seis de los conciertos diurnos, cinco de ellos en la Iglesia Reformada Unida y el otro en la Guild Chapel.
Me acordé de que cuando ibas al teatro en la época de Shakespeare no decías que habías visto una obra como lo hacemos ahora, sino que habías oído una obra. No fuiste a buscar información sobre la historia, pero en la gran mayoría de los casos estabas familiarizado con la trama, pero fuiste a escuchar qué había hecho este escritor en particular con ella. Este festival ofreció la posibilidad de hacer algo similar con la música porque escuchamos varias interpretaciones diferentes de lo mismo, interpretadas por diferentes artistas. Por ejemplo, escuché cuatro interpretaciones de ‘O Mistress Mine’ de Thomas Morley. El contratenor Benjamin Irvine-Capel hizo una interpretación espléndida y sencilla de la canción, bellamente redactada y con un sonido puro y encantador. Los Arcadian Singers de Oxford abrieron su concierto con una versión coral a capella. El Bloomsbury Barroco Ensemble nos obsequió con una deliciosa versión para viola baja, violín renacentista, flauta renacentista, clavecín y soprano. The Painted Fall nos brindó una versión instrumental de 1599 para arpa y viola. La misma melodía. Versiones muy diferentes.
Cada uno de los grupos también tenía su propio enfoque específico. Songs for Countertenor de Benjamin Irvine-Capel (la estrella del festival para mí) fue un recital enteramente de canciones de época, la mayoría de ellas con letra de Shakespeare hábilmente acompañadas por Kristiina Watt en el laúd. Tiene un sonido puro encantador y actuaciones bellamente expresadas. Me llamó especialmente la atención el ritmo suave, las espléndidas variaciones de tempo y el rallentando gradual que contribuyen a una sorprendente variedad de emociones en ‘Full Fathom Five’ de Robert Johnson. Fue interesante saber que Johnson era el único compositor conocido que había compuesto para la compañía de Shakespeare, The King’s Men. Irvine-Chapel nos transportó a la corte isabelina donde claramente la naturaleza tranquila, calmada y reflexiva de la música debe haber sido un notable contraste y un respiro de la agitación a menudo tempestuosa de sus maniobras políticas.
La ejecución del programa de Dowland Factory difícilmente podría haber sido más diferente. En su programa Facetas del Tiempo. Daniel Thomson cantó en voz baja pero pintó cada palabra y frase. En su interpretación de ‘Clear or Cloudy’ de Dowland, por ejemplo, puso gran énfasis en las síncopas, creando una serie de oleadas. Fue desafortunado que sus interpretaciones y las de Sami Brown de los cinco sonetos y el extracto de Macbeth fueran tan silenciosas que resultaran insondables. Sin embargo, fue una idea encantadora tocar suavemente el laúd mientras llegaba el público.
El programa de Música de Shakespeare del Bloomsbury Barroco Ensemble para ‘Broken Consort’ fue una delicia de principio a fin. La soprano cristalina de Philippa Hyde funcionó perfectamente con la flauta renacentista de William Summers, el violín bajo de Ibrahim Aziz, el violín renacentista de Diane Moore y el clavecín de Yeo Yat-Soon. Las presentaciones de Yat-Soon a las piezas fueron informativas e inusualmente audibles. Este grupo de músicos perfectamente equilibrado fue capaz, en ‘O Mistress Mine’, por ejemplo, de crear un quinteto en lugar de una voz con acompañamiento. También fue un placer escuchar cómo varias de las canciones presentaban un dúo de voz y flauta, cada una de ellas perfectamente equilibrada. Hubo una enorme variedad de efectos musicales en este programa, ninguno más sorprendente que la espléndida apertura vocal en staccato de ‘Hark, hark the lark’ de Robert Johnson con el clavicémbalo. Voz e instrumentos en perfecta armonía.
No sentí lo mismo con el programa de The Painted Fall. Me resultó difícil aclimatarme a la combinación desconocida para mí de arpa, viola y dos voces. Su programa, Canciones de Shakespeare, antiguas y modernas, fue interesante y estaba compilado de manera imaginativa y me presentó a la compositora del siglo XX Madeleine Dring, cuya obra no había conocido antes. Su ‘Come Away Death’ fue escrita en 1949 para voz elegíaca y arpa y ‘Take O Take Esos Lips Away’ tenía un tono igualmente lastimero, tanto elegíaco como lírico. Las dos voces cantando en armonía fueron particularmente efectivas en ‘Love Story’ de Taylor Swift. Fue estimulante que el programa terminara con dos versiones del Soneto 29 escritas con ciento cincuenta años de diferencia, una por Hubert Parry y la otra por Rufus Wainwright.
El sonido más emocionante del festival provino de los madrigales isabelinos y jacobeos de Arcadian Singers a capella de Oxford, hábilmente dirigidos por Gerard Lim. Le llevó un tiempo al oído sintonizarse con el número de partes de cada canción, porque éstas variaban. Este coro de trece voces produjo un sonido logrado y una considerable variedad de ritmo, entonación y forma. Pronto quedó claro que se escuchaban atentamente entre sí, tanto entre partes como dentro de ellas. Me encantó la variación de volumen en ‘Sing We and Chant It’ de Thomas Morley, la profundidad del sonido creado por los bajos en ‘L’innamorato’ de Gastoldi, las líneas sostenidas, las discordancias colocadas y equilibradas y el hermoso canto pianissimo en ‘Shall I Compare Thee’ de Lindberg, el ritmo perfecto y el movimiento desde el coqueteo hasta la pasión más profunda en ‘Come Again’ y la forma elegante en que la metáfora religiosa/sexual y Se mostró ambigüedad en ‘Never Weather-beaten Sail’ de Campion. El conjunto se complementó con dos espléndidos solistas: un tenor y una soprano.
El último de los conciertos que me interesó especialmente fue All Fancy Sick I Am From Love, un segundo recital del Bloomsbury Barroco Ensemble, que muestra lo que ocurrió un siglo después de las composiciones isabelinas y jacobeas. Fue fascinante escuchar lo que pasó con la variación rítmica, las tonalidades, la interacción entre voz e instrumentos, las repeticiones, las decoraciones, las armonías y las disonancias ocasionales de la época anterior. Disfruté especialmente los extractos de Las hadas de John Christopher Smith, el copista de música, nos dijeron, para Handel cuando se quedó ciego y los de Píramo y Tisbe, una ópera simulada de John Frederick Lampe. No sabía nada de Thomas Chilcot, que vivía en Bath a mediados del siglo XVIII. Su ‘Orfeo con su laúd’ presentaba la flauta de William Summers con cuerdas pizzicato y la soprano de Philippa Hyde mientras la flauta hacía eco de sus melodías. Únicamente en este concierto no hubo clavicémbalo, lo que tal vez apunte hacia la siguiente época en la que el clavicémbalo se usaría cada vez menos.
En definitiva, fue una serie de acontecimientos maravillosos. Una hora era la duración perfecta para este tipo de recital. Los miembros del público recibieron programas gratuitos de gran valor y la idea de que los artistas presentaran sus números fue excelente. La Iglesia Reformada Unida y la Capilla Guild son excelentes lugares para escuchar música de este tipo, pero su acústica bastante cavernosa es muy desagradable para la voz hablada. Quizás en años futuros se amplíe el discurso.
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