El Canciones de conciencia, sonidos de libertad La exhibición se inauguró el 15 de enero en el Museo GRAMMY de Los Ángeles y es una visita obligada e inspiradora para los amantes de la música de todas las edades. Cubriendo más de 250 años de activismo musical estadounidense, la exhibición muestra a compositores e intérpretes, incluidos muchos héroes desconocidos, que impulsaron la cultura y la justicia social a través de la música.
Canciones de conciencia, sonidos de libertad fue la exposición debut en el entonces nuevo GRAMMY Museum en 2008. La edición de 2022 ofrece una nueva sección que celebra los himnos LGBTQIA+ y Black Lives Matter, junto con una exploración ampliada de The Sounds of Los Angeles, una mirada en profundidad a la el activismo musical de la ciudad desde los años 60 hasta hoy.
La exhibición actual presenta una plétora de emocionantes recuerdos que incluyen letras escritas a mano, guitarras y carteles de conciertos. Hay una cantidad considerable de presentaciones en video a la vista en el Teatro Clive Davis, incluidas ocho presentaciones conmovedoras de GRAMMY de canciones socialmente conmovedoras. Mientras examina la exhibición, escuchará una estridente lista de reproducción de canciones que aparecen en la exhibición, de ELLA y NWA a Bob Dylan.
Siga leyendo para tener una idea de lo que aprenderá en esta importante y oportuna exhibición:
Los himnos socialmente conscientes comenzaron antes de la fundación del país
Antes de que se establecieran los Estados Unidos de América en 1776, los compositores estadounidenses escribieron y cantaron canciones contra el dominio colonial británico. Usando melodías tradicionales de marchas militares, folclóricas y de bebida, estas canciones cambiaron letras conocidas por declaraciones políticas. La gente común del pueblo también tomó la pluma en este fervor musical anti-británico, escribiendo e imprimiendo sus propias letras, conocidas como “bandas anchas”, y vendiéndolas en las esquinas de las calles. La canción más antigua citada en la exhibición, “American Taxation” del maestro Peter St. John, protestaba contra la Ley del Timbre de 1765 y se cantaba con la melodía de la canción de marcha inglesa “The British Grenadiers”.
La música contra la guerra y abolicionista tuvo una influencia de gran alcance
Después de la Revolución Americana, la música de protesta por la Guerra Civil, así como las canciones contra la esclavitud de compositores abolicionistas, fueron populares en todo el país. Una parte vital de la historia musical estadounidense son los espirituales cantados por los pueblos esclavizados, que fueron codificados con mensajes de libertad y liberación. Estas canciones se convirtieron en las raíces de muchas canciones de blues, que luego influyeron en el R&B y el rock ‘n’ roll.
La conocida canción “Swing Low, Sweet Chariot” es un espiritual negro que a menudo se atribuye a Wallace Willis, un esclavo liberado nacido en Mississippi. Grabado por primera vez por el Jubilee Quartet de la Universidad de Fisk (un Nashville HBCU) en 1909, la canción inspiró a los conjuntos corales negros de todo el país e internacionalmente a realizar interpretaciones de espirituales. El poder perdurable de estos espirituales sería utilizado un siglo más tarde durante el Movimiento de Derechos Civiles por artistas del evangelio como mahalia jackson.
El vestido de Mickey Guyton. Foto: Josh Giroux / Museo GRAMMY
Odetta fue la reina de la música folclórica estadounidense
Odetta, una mujer negra nacida en Birmingham, Alabama, en 1930, inspiró a innumerables compañeros cantantes de folk, incluidos Joan Baez y Bob Dylan, así como Janis Joplin y Tracy Chapman. Era conocida como la “voz del movimiento por los derechos civiles” y, como Martin Luther King hijo. la llamó, la “reina de la música folclórica estadounidense”. Actuó en innumerables eventos de derechos civiles, incluida la Marcha en Washington en 1963.
Cuando el impulso del movimiento por los derechos civiles se desaceleró tras el asesinato de King, el centro de atención también se alejó de Odetta. Sin embargo, nunca dejó de actuar y de usar su música para luchar contra la opresión y generar cambios. Odetta permaneció activa hasta su fallecimiento en 2008 y su guitarra, “Baby”, (así como su estuche con pegatinas de unicornio) se exhibe en la exhibición.
La guitarra eléctrica de Stevie Van Zandt. Foto: Josh Giroux / Museo GRAMMY
Un supergrupo se enfrentó al apartheid a través de la canción
En 1985, miembro de E Street Band steven van zandt reunió a un elenco estelar de músicos de rock, rap, country y pop para grabar “Sun City” como Artistas Unidos contra el Apartheid. En exhibición están las letras escritas a mano de Melle Mel de su verso “Sun City” y la guitarra eléctrica de Van Zandt, junto a un video musical visualmente cautivador.
La canción pegadiza y sintetizada denunció la injusticia del gobierno del apartheid de Sudáfrica y fue una promesa de los artistas, que también incluía bono, Bruce Springsteen, bonnie raitt, Ejecutar-DMC, Pat Benatar y pedro gabriel — no actuar en el lujoso resort Sun City en Sudáfrica, que atraía a superestrellas mundiales con altas tarifas a pesar del boicot cultural.
Para celebrar el 40 aniversario de la Declaración Universal de Derechos Humanos de la ONU, tres años después, algunos de estos mismos artistas participaron en giras por varios continentes para fomentar el apoyo continuo a los derechos humanos.
Un primer plano de un concierto de rock chicano en Los Ángeles. Foto: Josh Giroux / Museo GRAMMY
El padre del rap chicano, Frost, firmó con Ruthless Records de Eazy-E
Cuando pensamos en los principales movimientos en la historia musical de Los Ángeles, el rap de la costa oeste de los años 80 y 90 de NWA, Snoop-Dog, 2pac y otros inmediatamente vienen a la mente. Sin embargo, a solo millas de distancia de los poderosos letristas callejeros de South Central, había un grupo de raperos latinos en el este de Los Ángeles creando himnos chicanos.
Frost (anteriormente Kid Frost, nacido Arturo Molina Jr.) es conocido como el padre del rap chicano, creando barras impactantes en español e inglés. Su primer sencillo en solitario, “Rough Cut” de 1984, fue producido por DJ Yella de NWA, y luego se convertiría en el primer artista latino en firmar con Ruthless Records.
En 1990, Frost lanzó su álbum debut, Hispano Causando Pánico, que incluyó el exitoso sencillo “La Raza”. Esa canción esencial se cita como una de las primeras canciones de hip-hop latino en convertirse en la corriente principal y muestra la canción de 1970 de El Chicano “Viva Tirado”, que hace un guiño directo al movimiento de rock chicano anterior. Siempre dispuesto a construir puentes, Frost creó Latin Alliance en 1989, un colectivo con raperos y productores latinos del este de Los Ángeles, Cuba, Nueva York, Puerto Rico y más allá.
Los Ángeles siempre ha sido un semillero de música política
La imagen pública de Los Ángeles a menudo se limita a sus kilómetros de playas, calles bordeadas de palmeras, autopistas llenas de gente y el brillo de neón de Hollywood. Pero la realidad de la vida en la Ciudad de los Ángeles a menudo está lejos de ser un sueño VIP playero, y muchos artistas de Los Ángeles han ofrecido un vistazo de esa realidad.
Así como vimos la conexión entre los raperos de South Central y Eastside, y los movimientos chicanos de rock y rap, la exhibición detalla el activismo contemporáneo y continuo de artistas de color. Estos artistas abordan la opresión sistémica en sus vecindarios y más allá, escribiendo canciones que reflejan momentos históricos como la Rebelión de Watts de 1965 y el Levantamiento de Los Ángeles en 1992.
“Si miras la historia de nuestra comunidad, ha habido tantos eventos históricos que han provocado e inspirado la formación de música socialmente consciente. Es por eso que realmente queríamos agregar la sección Sounds Of LA”, dijo a GRAMMY.com Nicholas Vega, curador y director de exhibiciones del Museo GRAMMY.
Ejemplificando esta intersección están los vaqueros de compton, que dirige uno de los pocos ranchos de propiedad negra que quedan en Estados Unidos. El sencillo debut del vaquero Randy Savvy, “daltónicosfue mezclado por la leyenda de Compton Dr. Dre y lanzado en 2020. Al abordar la violencia y el trauma en la comunidad de Savvy, “COLORBLIND” se convirtió en un himno durante las protestas de Black Lives Matter, a las que asistieron los vaqueros a caballo.
“Observamos eventos específicos, desde los disturbios/levantamiento de Watts hasta el movimiento chicano y los disturbios/levantamiento de 1992, pero también analizamos estos problemas continuos que durante décadas han afectado a nuestra ciudad; violencia de pandillas, brutalidad policial, disparidad económica y pobreza”, continuó Vega. “Así que encajaba perfectamente traer esta exposición de regreso a Los Ángeles y realmente resaltar la música y el arte”.
Canciones de Conciencia, Sonidos de Libertad corre hasta el 8 de mayo en el Museo GRAMMY. Otro exhibiciones especiales actualmente en exhibición son Para Siempre: Marco Antonio Solis hasta la primavera de 2022), Banda de Dave Matthews: por dentro y por fuera (hasta el 31 de enero) y Rey Nat Cole (cerrando pronto). Visita museogrammy.org para comprar entradas anticipadas para visitar el Museo GRAMMY y conocer sus medidas de protocolo de seguridad COVID-19.
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