A arte da canção pop fictícia

Por outro lado, uma canção de ficção especialmente boa pode parecer mais real do que sua história de origem. O hino pop-punk da traição de Lustra, “Scotty Doesn’t Know”, se separou da atrevida comédia adolescente “EuroTrip” (2004) e ganhou vida própria, assim como a impossivelmente contagiante canção-título de “That Thing You Do!” (1996). Tal destino parece apropriado para dois filmes que são em grande parte sobre as qualidades gêmeas da música pop de iterabilidade infinita (“Scotty Doesn’t Know” se torna um fenômeno mundial e segue a pobre seiva sobre a qual foi escrita em todos os lugares) e singularidade absoluta (“That Thing You Do!” é o único hit da banda fictícia dos anos 60 apropriadamente chamada The Wonders). Às vezes, o puro carisma de uma performance é suficiente para trazer o trabalho de um artista fictício para o cânone do mundo real, como no cover de “I Will Always Love You” de Whitney Houston em “The Bodyguard” (1992) ou, em menor grau, a performance vocal de Lady Gaga em “Shallow” no remake de 2018 de “Nasce uma estrela”, o que quase faz você esquecer o barulho da música e o melodrama do filme. Talvez apenas com “The Harder They Come” (1972) um filme e a música real de seu protagonista, cantada com requintado desafio por Jimmy Cliff, ascenderam ao firmamento cultural de mãos dadas.

“Mother Mary” retém a sua canção central, mas dá-nos muitas outras músicas originais. A personagem de Hathaway é uma superestrela do pop alternativo no estilo Gaga e Lana Del Rey, com uma pitada de Lorde. Este é um arquétipo que existe há tempo suficiente para que pudesse facilmente ser objeto de paródia ou pastiche, sem dúvida os modos padrão para o filme de música pop de ficção como gênero. A auto-seriedade túrgida de uma estrela pop que insiste que o que ela está fazendo é arte erudita, que cala os fãs cantores nos shows, que transforma a briga das redes sociais em letras: há material mais do que suficiente aqui até mesmo para o parodista mais preguiçoso. Mas teremos que esperar um pouco mais por um pop alternativo”.Isto é punção lombar”, ou pelo menos ficar satisfeito por enquanto com “O momento”, o falso documentário de Charli XCX que foi lançado no início deste ano. “Mother Mary” faz algo mais radical: recruta os músicos e produtores que moldaram o som do pop progressivo na década de 1920 para criar sua música fictícia, cantada pela própria Hathaway. Nas mãos de Charli XCX, Jack Antonoff e Galhos FKAjunto com colaboradores como George Daniel de 1975 e o prolífico compositor Tobias Jesso Jr., as canções originais de Mother Mary são mais do que confiáveis. Eles são simplesmente reais, embora não estejam no mesmo nível do maior trabalho desses artistas. Ouvi-los é uma experiência estranha, como se você estivesse desenterrando uma memória reprimida de algo que ouviu em uma playlist anos atrás ou descobrindo uma tendência viral que de alguma forma passou por você.

Mãe Maria é uma escolha adequada de alter ego. O pop alternativo dos últimos quinze anos encantou-se com personagens exagerados e com a construção de mundo. A personagem de Hathaway, cujo nome de governo nunca aprendemos, está constantemente tecendo novas mitologias para si mesma. Ela aparece sem avisar na propriedade de Sam, no interior da Inglaterra, exigindo que seu ex-colaborador lhe faça um vestido para uma apresentação especial de retorno após um longo hiato. À medida que as duas mulheres analisam a história que partilham, aprendemos que Mother Mary, tal como Taylor Swift, divide a sua carreira em épocas, cada uma com um visual e um som distintos. (A única constante visual são os cocares em forma de auréola, vindos diretamente de uma Madonna do Quattrocento.) Cada época parece residir em uma peça de roupa, algumas das quais Sam ainda tem em mãos. Tudo volta para nós através de flashbacks: alguém escova um acessório antigo e de repente estamos de volta, assistindo a uma versão antiga de Mãe Maria se apresentar. Aqui ela está cantando “Cut Ties”, um número galopante cuja introdução falada – que Hathaway aborda com sua melhor impressão de Lana em seu modo de narração noir – se transforma em um refrão no estilo Gaga, antes de atingir uma cacofonia de vozes distorcidas. Aqui está ela em “My Mouth Is Lonely for You”, uma música escrita por FKA Twigs cheia de arpejos de sintetizador borbulhantes, encontrando corajosamente aquelas notas altas e ofegantes.

Estas performances parecem surgir do outro lado de um véu; eles não parecem totalmente contíguos ao aqui e agora do filme. Isto se deve parcialmente à natureza das performances pop multimídia de hoje, que tendem a se apresentar como um mundo à parte, autocontido e abrangente. Mas esta sensação de desconexão é também precisamente o problema que Mãe Maria está a tentar resolver. Ela está fora do tempo, entre épocas. Ela precisa de novos mitos. Para criá-los, ela terá que se livrar dos antigos: “todos os velhos vocês” devem ser eliminados, como diz Sam. E como ela diz em outro lugar, de forma mais ameaçadora: “Ponto por ponto, você está se destruindo”. Maria está disposta a ser aniquilada e refeita. Na verdade, na primeira metade do filme, entendemos que a fonte de seu poder estelar não é tanto seu carisma, mas sim sua impassividade vazia e inquieta. Ela é um ícone justamente porque é maleável. “Eu deixei você fazer algo por mim”, ela diz a Sam com naturalidade.