‘Entretenimento é muitas vezes violência envolta em um disfarce divertido’: Marianna Simnett sobre sentir cócegas por horas e ter Botox injetado em sua garganta – The Art Newspaper

A artista multidisciplinar croata britânica Marianna Simnett é mais conhecida por filmes que exploram os recantos do desejo, da dor, da violência e do poder, nos quais o seu corpo é frequentemente um local de exploração e transformação. Ela explora a história pessoal e cultural, incluindo o folclore da terra natal da sua mãe nos Balcãs e a história do conflito naquela região, para expor as arestas irregulares da memória reprimida, da ansiedade silenciosa e do trauma geracional em obras hipnóticas, perturbadoras e empáticas que abrangem performance, escultura, desenho e pintura.

Simnett muitas vezes trabalha criando tensão entre estados aparentemente opostos. Em A Agulha e a Laringe (2016), a fronteira entre cuidado e violência fica confusa, à medida que os espectadores assistem à garganta do artista sendo injetada com Botox, procedimento geralmente reservado a jovens que desejam abaixar a voz. O horror e a repulsa figuram fortemente no seu trabalho, mas também há momentos de alegria, humor e surpresa: no seu novo espetáculo no Secession, em Viena, as luzes brilhantes e a exuberância do circo tornam a escuridão das sombras ainda mais perturbadora. A artista também criou um livro para a mostra, Margarina Dodôescrito por Camilla Grudova e ilustrado por Simnett. É uma mistura inesperadamente reconfortante de ficção, humor e atmosfera, contendo dicas dos temas do programa.

The Art Newspaper: Sua nova exposição se chama Circo. Você poderia definir o cenário?

Mariana Simnett: É espetacular, mas também extremamente mínimo. A Secessão me deu o porão, e nós nos tornamos totalmente góticos – teto, pisos, paredes pretos, tudo é escuro como breu. Sou mais conhecido pelas minhas videoinstalações, então quis mudar a narrativa e apresentar uma exposição de luz, som e escultura. Roda Catarina (2026), a primeira obra, refere-se a um fogo de artifício muito emocionante – eu adorava quando era criança – mas também a um método de tortura e execução. Há algo no ímpeto, na ferocidade, na mudança da violência para a excitação, o deleite e a emoção que me interessa. Você encontra uma saia refletiva giratória azul, que alude à tenda de um circo ou à vestimenta de uma mulher. É um trabalho hipnótico e perturbador, [accompanied by] o som de mim sendo agradado por um período de quatro horas.

Como você escolheu seu ticker?

Fui muito específico sobre quem contratei para me fazer cócegas: um amigo meu chamado Tim Dahl – Tickler Tim. Ele é um músico prolífico e toca baixo para Lydia Lunch, entre outros. Ele é forte, punk e não se importa de levar um soco na cara. Ele também não é um canalha, um critério vital. E depois há a sua imensa experiência com som; ele foi capaz de me tocar como um instrumento, induzindo uma enorme gama dinâmica, desde grasnidos e gargalhadas até falar em línguas. Ele estava pingando de suor, estava absolutamente exausto [during the performance].

O circo é um lugar de extremos e transgressões; é uma maneira estranha de entreter as crianças.

Procuro não moralizar no meu trabalho mas sim revelar que ninguém está isento de ter prazeres perversos. O ato de olhar é inerentemente um tipo de violência. E o entretenimento é muitas vezes violência envolta num disfarce divertido, tal como o nosso mundo de cores vivas, capitalismo, alegria e oportunidades. A desejabilidade muitas vezes esconde verdades sombrias.

Na sua instalação de som e luz Desmaiar com luz (2016), barras de luz sobem e descem ao som de uma trilha sonora em que você hiperventila e desmaia quatro vezes, a ponto de ter um ataque. É inspirado em parte pela surpreendente história do seu avô, que escapou da morte durante o Holocausto ao desmaiar quando estava prestes a ser baleado.

O desmaio é historicamente problemático. O livro da filósofa francesa Catherine Clément Síncope: A Filosofia do Arrebatamento foi uma fonte vital para mim na reformulação do ato de desmaiar. Ela fala sobre isso como uma espécie de êxtase, sair do mundo para fazer uma pausa por um momento e depois voltar novamente.

A história por trás do desmaio é a sobrevivência do meu avô. Estou consciente de não usar o Holocausto para sustentar o meu trabalho artístico, e esta não é uma peça sobre isso, mas foi o meu ímpeto para fazê-lo, sabendo que nunca poderia chegar perto da experiência de outra pessoa, especialmente quando contém tanto horror. Minha abordagem para a peça foi emular o gesto sem a narrativa e sem representar meu corpo. E como sou cineasta, observei todas as mulheres desmaiadas no início do cinema – as décadas de 1920 e 30 estavam cheias de mulheres desmaiadas. E então há [the psychoanalyst Sigmund] Freud e seus seis sintomas de histeria, um dos quais era o desmaio.

Como sua abordagem de desempenho se compara à de outras pessoas na área?

Os artistas de performance corporal da década de 1970 gostavam muito de arriscar o corpo vivo no palco – é precisamente essa tensão que mantém o público na ponta da cadeira. Embora certamente tenham aberto o caminho para o meu trabalho, não quero causar medo ao corpo do artista. É deliberadamente uma gravação e não um show ao vivo; o perigo sempre já aconteceu. E, claro, são empreendimentos arriscados, fazer cócegas, desmaiar ou induzir convulsões, mas não é para você se preocupar como espectador.

Na verdade, não vemos seu corpo neste show, não é?

Quero que meu corpo desapareça. Você pode perguntar por que faço isso comigo mesmo; você poderia voltar a como nasci, como cresci. Mas mais conceitualmente – a resposta fria – é que não se trata de mim. Eu não quero pena. Quero criar um espaço dinâmico para que as experiências de outras pessoas inundem o trabalho. É difícil criar o que chamo de “arte do vazio”, porque parece uma desculpa, mas trata-se de criar a quantidade perfeita de abertura para que outros também se abram, expondo os nossos estados mais frágeis através do envolvimento empático.

E ainda assim é um show muito corporal.

Acho que desmaios, cócegas e mijo se juntaram em um ato cristalizado. Senti que era o momento certo para voltar aos estados brutos do corpo. As cócegas são o exemplo perfeito da colisão entre desejo, satisfação, repulsa e angústia. Isso desmonta completamente essas justificativas claras do que deveríamos sentir.

Fonte (2026) é o néon de uma mulher urinando. Isso me faz pensar nos sinais dos bordéis – estamos muito longe de ver os corpos das mulheres como poderosos de uma forma não sexual.

Usei um desenho preparatório daquele néon na promoção do show, e Meta [owner of Facebook and Instagram] tirei e depois coloquei uma placa de censura na vagina, e eles tiraram de novo. Eu pensei: “O que há de tão ofensivo em uma mulher fazer xixi?” É um indicativo dos preconceitos que nos controlam e suprimem, sejam máquinas ou humanos. E há esse uso da linguagem industrial para descrever um ato aparentemente privado, certo? Há uma grosseria nos materiais. eu queria Circo ter uma qualidade crua e brutal – não há delicadeza exceto no tecido da saia. E representar líquido com luz foi algo desafiador de se fazer.

A origem disso é um conto popular dos Balcãs, onde uma mulher que urina afasta o diabo e os espíritos malignos. Também na mitologia grega, há Baubo, que usava o levantamento da saia como um truque para fazer Deméter rir, o que abriu sua capacidade de comer e beber e de produzir alimento e fertilidade para a terra. O termo grego para levantar a saia para expor as nádegas ou a genitália é anasyrma– há uma palavra para o gesto em si. É fascinante, realmente é profundo. Trata-se de coragem, resistência, retaliação e recusa em muitas culturas diferentes.

Eu penso nisso como um trabalho muito alegre. Eu estava experimentando agachar ou ficar em pé. Mas agachar-se é tão ridiculamente mesquinho que eu queria que parecesse um gesto muito liberado.

Qual a importância da música e do som no seu trabalho?

Eu luto com isso. O som está presente em todo o meu trabalho, mesmo que a ênfase seja no silêncio. É um dos meios mais poderosos com os quais você pode trabalhar. Penetra, é inevitável, permanece no seu cérebro. Eu componho e toco músicas, muitas vezes fazendo trilhas sonoras para meus próprios filmes. É algo com que cresci desde os cinco anos. Sinto-me muito confortável e familiarizado com isso, mas também sinto uma resistência ao autoritarismo da formação clássica. E eu realmente não consigo me livrar disso, porque faz parte da minha educação.

• Marianna Simnett: Circo, Secessão, Viena, até 31 de maio