Uma luz amarela opaca espreita através de um céu taciturno que paira sobre as colinas ondulantes do sul da Califórnia. A pintura a óleo “Approaching Storm” captura o tipo de cena pitoresca que faria com que o artista plástico Paul Grimm trabalhasse no início de Hollywood. Conhecido por suas paisagens ao ar livre e representações magistrais de nuvens, ele recorreu ao trabalho de estúdio para ganhar dinheiro durante a Grande Depressão.
Ele é um dos muitos artistas em exibição em uma nova exposição do Museu de Arte do Condado de Orange da UC Irvine Langson sobre pintores de cenários cujo trabalho não seria creditado ou seria esquecido.
“Eles não ganhavam a vida vendendo suas pinturas, mas ganhando a vida trabalhando para os estúdios”, disse a diretora do museu, Kathryn Kanjo. “O artista perderia o crédito e o reconhecimento individual, para ficar a serviço do que o estúdio precisava.”
Em outra parte da exposição “Staging California in Early Hollywood”, há um fundo pintado de 18 por 25 pés para “The Sound of Music” (1965), um projeto liderado pelo então diretor de arte do departamento de efeitos especiais da 20th Century Pictures, Emil J. Kosa Jr.
“Em geral, nos estúdios, eles sistematizaram o design de produção, para que fosse rápido”, disse Kanjo, descrevendo o processo rígido como militarista. “Cinco artistas por vez trabalham dia após dia para realizar essas coisas.”
É a primeira exposição do museu desde UC Irvine adquirido o Orange County Museum of Art em setembro passado, construindo uma coleção de 9.000 peças que remonta ao século XIX.
A exposição, com cerca de 50 peças, é a primeira desde a nomeação de Kanjo em dezembro. É uma carta de amor aos artistas anônimos e pouco conhecidos da indústria cinematográfica, cujas obras foram vitais para o cinema.
A exposição abre com Untitled, de Paul Grimm, 1974, à esquerda, e “Approaching Storm”, 1974, à direita, que capturam a essência da paisagem do sul da Califórnia.
(Allen J. Schaben/Los Angeles Times)
Tomemos como exemplo dois dos cenógrafos mais prolíficos de meados do século XX: Warren Newcombe e George Gibson. Newcombe era um artista bem educado, nascido em Massachusetts, que começou a trabalhar em cenários já em 1920. Ele acabaria ingressando no departamento de arte da MGM, onde aperfeiçoou uma técnica de efeitos visuais chamada “pintura fosca”. Por um tempo, foi simplesmente chamado de “tiro de Newcombe”.
Gibson também estava na MGM na mesma época. Quando o estúdio contratou o artista escocês pela primeira vez, ele costumava perder turnos para pintar ao ar livre no sul da Califórnia. Ele e Newcombe ajudariam a criar “O Mágico de Oz” (1939), mas quando os créditos rolaram, os nomes de ambos desapareceram.
Newcombe e Gibson seriam reconhecidos e celebrados por seu trabalho. Cerca de uma década depois de “O Mágico de Oz”, Newcombe ganhou dois Oscars de efeitos especiais, por “Trinta Segundos Sobre Tóquio” (1944) e “Green Dolphin Street” (1947).
“Ele foi realmente fundamental na profissionalização dos artistas da MGM”, disse a curadora assistente Michaëla Mohrmann sobre Gibson. “Sua insistência na saturação de cores é algo que realmente informa seu trabalho em ‘O Mágico de Oz’, e é realmente esse filme que consolida sua reputação como um dos mestres da arte cênica.”
Enquanto isso, artistas como Arthur Beaumont dificilmente recebiam o que mereciam. Criado por uma família de militares na Inglaterra, o transplante da Califórnia foi particularmente cativado por navios de guerra. Em 1933, ele pintou arte marítima para a maior parte da frota naval dos EUA. Como resultado de seu trabalho, foi comissionado como tenente da Marinha dos EUA e reconhecido como o artista oficial da frota.
Ele também começou a produzir materiais promocionais e storyboards para filmes navais da Paramount Studios já em 1935, primeiro para um filme intitulado “Motim na Recompensa”. Em 1942, ele faria o mesmo com “Wake Island” em plena Segunda Guerra Mundial. Seu trabalho foi posteriormente gravado em placas de metal e usado para produzir impressões publicitárias em massa.
A diretora do museu, Kathryn Kanjo, está entre “Ortega Highway” (1974), de Arthur Grover Rider, à esquerda, e “How Marvelous Thy Works” (1928), de Emil J. Kosa Jr.
(Allen J. Schaben/Los Angeles Times)
“Eles estavam participando [in the military and war] em diferentes funções e nem sempre creditado por esse tipo de trabalho”, disse Mohrmann. “Acho que houve um ato de generosidade [during wartime] em geral – todos eram realmente patrióticos.”
A exposição também apresenta um filme mudo intitulado “A Vida e a Morte de 9413: um Extra de Hollywood”, um curta de 1928 que destaca a situação de um ator secundário conhecido como “9413”.
“Encenando a Califórnia no início de Hollywood”
Onde: Museu de Arte UCI Langson Orange County
Quando: Sexta-feira a 4 de outubro de 2026
Custo: Livre
Informações: langson.uci.edu
“É como se ele fosse escavado e subestimado e nem sequer recebesse um nome, certo?” Kanjo disse. “Todo mundo achou engraçado porque era uma espécie de meta, mas apontava problemas reais.”
Além de dar crédito a quem merece, a exposição visa elevar a arte de fundo.
“Naquela época, assim como agora, as pessoas questionam os méritos artísticos dessas obras porque foram feitas para filmes com fins lucrativos”, disse Mohrmann. “Quando na realidade havia muito talento, talento artístico e pensamento crítico.”
Quincy Bowie Jr. contribuiu para este relatório.
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‘Alguns detalhes deste artigo foram extraídos da seguinte fonte www.latimes.com’
‘ O artigo anterior foi obtido e traduzido do site internacional da celebrity.land ’ Source Link
