8 peças esplêndidas que imploram por uma produção em Los Angeles o mais rápido possível

Para aqueles ansiosos por acompanhar o que há de melhor no drama contemporâneo, tenho boas notícias: um ótimo trabalho está chegando.

As duas melhores peças que vi no ano passado, de Bess Wohl “Libertação” e Branden Jacobs-Jenkins “Propósito,” vencedores consecutivos do Prêmio Pulitzer de drama, fazem parte da temporada imperdível do Geffen Playhouse na próxima temporada. E o Center Theatre Group anunciou que “John Proctor é o vilão”, A fascinante resposta moderna de Kimberly Belflower ao livro de Arthur Miller, The Crucible”, tem lugar no Mark Taper Forum na próxima primavera.

Esta temporada apresentou vários dramas recentes vencedores do Prêmio Pulitzer, incluindo Jackie Sibblies Drury’s “Fairview” (em uma produção do Rogue Machine Theatre no Matrix), Sanaz Toossi’s “Inglês” (no Wallis) e Eboni Booth’s “Confiança Primária” (no Fórum Mark Taper).

Numa época em que o drama passou a depender de celebridades e do entusiasmo comercial, essa abundância de excelência discreta é animadora. Mas também me deixou com fome de mais.

Sempre em busca de novas peças, compilei uma lista de obras que li para receber prêmios ou vi em outros lugares no ano passado que merecem produções de Los Angeles. Recomendo esses roteiros para diretores artísticos e gestores literários que ainda lutam pelo bom combate. Inteligentes, divertidos e surpreendentes, eles oferecem a garantia de que a dramaturgia aventureira não está apenas viva e bem, mas também se ramifica em território desconhecido.

‘Tínhamos um mundo’, de Joshua Harmon

Os conflitos familiares estão no centro do drama pessoal de Harmon, um retrato de um artista quando era um jovem neto. A avó em destaque, uma nova-iorquina fervorosa chamada Renee, expõe Joshua às alegrias da cidade grande quando ele vem dos subúrbios. Ela é como uma tia Mame, só que sua versão de extravagância são sundaes de manteiga de amendoim no Serendipity 3, um curso no Metropolitan Museum of Art e ingressos para ver Diana Rigg na Broadway em “Medea”.

Joshua está no céu, mas se vê envolvido em uma rivalidade de longa data entre sua mãe, Ellen, e sua avó, cujo problema com a bebida ressurgiu. Um jogo de memória de complexidade silenciosa, “We Had a World” é uma meditação comovente sobre o desafio de valorizar nossos entes queridos imperfeitos, mas insubstituíveis, no tempo que está disponível.

Autor de “Judeus Maus”, “Outro significativo” e “Oração pela República Francesa”, Harmon escreveu uma obra que pode parecer atipicamente modesta em termos de alcance. Mas o drama, que teve sua estreia mundial fora da Broadway no NY City Center Stage II do Manhattan Theatre Club, é extremamente flexível em sua construção. E o cerne emocional da história mapeia preocupações maiores, como a forma de lamentar adequadamente um mundo que está desaparecendo rapidamente devido às depredações das mudanças climáticas, uma causa apaixonante para Joshua, cujo amor elegíaco por sua avó aumentou seu senso da natureza transitória da existência.

John McCrea como Príncipe George; Mihir Kumar como Dev Chatterjee em “Príncipe Faggot”.

(Marc J.Franklin)

‘Príncipe Fagot’ de Jordan Tannahill

Um audacioso conto de fadas sobre um príncipe que é o primeiro herdeiro assumidamente gay ao trono na história britânica, a peça levou um elenco de artistas queer e trans de Nova York a um vertiginoso passeio metateatral, convidando-os a imaginar uma versão fictícia do Príncipe George de Gales em 2032 como um jovem sexualmente liberado. Tannahill não faz rodeios; nem a produção emocionante, que pulsava com a energia febril de um clube noturno sob a direção do notável dramaturgo Shayok Misha Chowdhury (“Obscenidades Públicas”, “Reologia”). Um conjunto brilhante, que incluía a eminência do centro da cidade David Greenspan, injetou na família real uma arrogância radical.

Embora meticulosamente elaborado, “Prince Faggot” não é para os fracos de coração. Mas há recompensas incomuns para uma empresa intrépida disposta a testar os limites da moralidade política e artística.

Oghenero Gbaje, à esquerda, e Essence Lotus em “Bowl EP” de Nazareth Hassan no Vineyard Theatre em Manhattan.

(Carol Rosegg)

‘Practice’ e ‘Bowl EP’ de Nazareth Hassan

Às vezes surge um talento que torna obsoletos velhos paradigmas. Hassan é um grande talento. Ao ler estas duas novas peças este ano, fiquei impressionado com o vigor estilístico e a fluidez estrutural. A dramaturgia para Hassan é uma nova forma de jazz.

Fiz parte do júri do Pulitzer que escolheu “Bowl EP” como um dos finalistas do prêmio de drama deste ano (ganho por “Liberation”). A peça, que estreou fora da Broadway no Vineyard Theatre, é uma história de amor livre, ambientada em uma pista de skate no meio de um deserto urbano. Dois rappers, um trans e outro bissexual, trocam letras em sua busca frenética por um som indescritível e autêntico que possa libertá-los da vergonha de um mundo que oferece tão pouco espaço para suas identidades.

Ronald Peet em “Practice” de Nazareth Hassan na Playwrights Horizons.

(Alexander Mejía, Bergamota)

“Practice”, que estreou no Playwrights Horizons, é uma obra mais épica que acompanha de perto a perversa dinâmica de poder de uma trupe de teatro de vanguarda. Determinada a ampliar as possibilidades da performance contemporânea, a companhia ultrapassa os limites do processo aceitável em uma “comédia psicopata” desequilibrada. A arte não é fácil, como disse Sondheim, mas será que deve ser tão culta e autopunível?

Ainda não vi produções de nenhuma dessas peças e me pergunto quem em Los Angeles teria a ousadia de enfrentá-las. Mas Hassan, um dramaturgo insurgente com uma voz lírica como nenhuma outra, está a abalar esta forma de arte de uma forma que não pode ser ignorada.

Will Brill, a partir da esquerda, Tamara Sevunts, Andrea Martin, Raffi Barsoumian e Nael Nacer em “Meet the Cartozians” de Talene Monahon.

(Julieta Cervantes)

‘Conheça os Cartozianos’ por Talene Monahon

Outro finalista do Prémio Pulitzer de drama deste ano, “Meet the Cartozians”, uma peça em dois actos com 100 anos de diferença, analisa a política racial do nosso sistema de imigração através do exemplo arménio-americano. A primeira metade, que se passa em 1923-24, gira em torno de Tatos Cartozian, um próspero comerciante de tapetes que vive com sua família em Portland, Oregon. Depois que sua cidadania é revogada, ele é recrutado para fazer parte de um desafio legal que alega que os armênios são “pessoas brancas livres” e, portanto, elegíveis para naturalização, dada a lei existente. Tatos e sua família são treinados para interpretar a “identidade branca” em uma comédia que seria escandalosamente hilária se não fosse inspirada em eventos históricos.

O segundo ato acontece em 2024 em Glendale, onde membros da comunidade se reuniram para fazer parte da aceitação pública de sua herança por uma estrela de reality show. A luminária em questão não é uma Kardashian, mas poderia muito bem ser. O que começa como uma peça histórica transforma-se numa sátira perspicaz sobre o custo da assimilação numa sociedade onde o dinheiro, o poder e o privilégio dos brancos permanecem teimosamente interligados.

Alana Raquel Bowers, a partir da esquerda, Andy Lucien e Crystal Finn na produção de 2026 de “Cold War Choir Practice” de Ro Reddick.

(Maria Baranova)

‘Prática do Coro da Guerra Fria’ por Ro Reddick

Esta peça de mudança de forma, acompanhada de música, se passa dentro e ao redor de uma discoteca em Syracuse, Nova York. O ano é 1987, a Guerra Fria está em alta e a Reaganomics está deixando para trás as comunidades mais pobres. Meek, uma menina negra de 10 anos, está lutando contra seus medos de um Armagedom nuclear à medida que preocupações domésticas mais prosaicas ganham força. Seu tio direitista e poderoso em Washington, uma figura de Clarence Thomas, reacende velhas disputas quando traz sua esposa branca e doente para cuidar durante as férias. Reddick carrega seu conto confuso de gênero com intrigas bizarras envolvendo espiões soviéticos, um culto capitalista e um coro itinerante que também funciona como um coro grego. A peça, que ganhou o Prêmio Susan Smith Blackburn este ano, atrai na página apesar de parecer exagerada e curiosamente descentralizada. Mas foi útil ver Knud Adams produção ágil após ser transferida para o MCC Theatre – uma introdução ideal para um dramaturgo surpreendentemente original no início de uma carreira inovadora.

David Greenspan em “Presumo que você conhece David Greenspan”, de Mona Pirnot.

(Ahron R. Foster)

‘Presumo que você conheça David Greenspan’, de Mona Pirnot

Um espetáculo individual que o próprio Greenspan apresentou na Atlantic Theatre Company, esta peça excêntrica foi uma das obras mais inesperadamente encantadoras que li durante todo o ano. Inspirada pela sensibilidade de um escritor-intérprete tentadoramente idiossincrático, a peça ofereceu a Greenspan a oportunidade de estrelar uma obra ao estilo de Greenspan que não era de sua autoria. Pirnot presta homenagem a um dissidente queer que manteve uma distância segura do mainstream. Mas ela também está examinando a precária situação econômica dos artistas que também buscam seus próprios caminhos alternativos no teatro americano. Sem medo de estar muito dentro do beisebol, ela chama a atenção para as realidades dos bastidores de uma cena cultural ameaçada que, apenas pela evidência desta peça, é maravilhosa demais para ser abandonada.

Laurie Metcalf e Micah Stock em “Little Bear Bridge Road”, de Samuel D. Hunter.

(Julieta Cervantes)

‘Little Bear Ridge Road’ por Samuel D. Hunter

Depois de ver “Little Bear Ridge Road” na Broadway no outono, solicitei imediatamente uma cópia do roteiro, querendo passar mais tempo com os personagens assustadoramente não resolvidos. As lacunas na história são tão convincentes quanto os detalhes pessoais.

Ethan (interpretado por um excelente Micah Stock), um homem gay fugitivo de seu passado, chegou à casa de sua tia, Sarah (que ganhou vida em uma performance vintage de Laurie Metcalf), uma enfermeira excêntrica e isolada na zona rural de Idaho, para resolver os assuntos de seu falecido pai. Há muito trauma familiar para tornar esta reunião sentimental. Mas forçados a assistir juntos hora após hora de televisão escapista durante os dias sombrios da COVID, eles não podem deixar de cuidar de velhas feridas, ao mesmo tempo que abrem novas. Metcalf, encontrando a emoção oculta na vida interior esgotada de Sarah, fez um tour de force despojado. Como Ethan, Stock era tão perversamente alienante quanto pungentemente alienado. Duvido que esta produção, impecavelmente dirigida por Joe Mantellopoderia ser igualado. Mas estas duas figuras, criadas por um dos nossos escritores mais atentos, merecem ser interpretadas de novo. O drama de Hunter, eleito a melhor peça deste ano pelo New York Drama Critics’ Circle, marca uma adição importante ao volumoso corpo de trabalho do dramaturgo, que inclui “A Baleia,” “Grangeville” e (chegando ao indispensável Máquina desonesta em setembro) “Um Caso para a Existência de Deus”.