¿Qué es la música americana? Tres álbumes clásicos ofrecen respuestas.

¿Qué es exactamente la música clásica estadounidense? Al elaborar sus respuestas, los programadores han elegido históricamente uno de dos enfoques: esfuerzos cautelosos y fragmentados o una fusión arriesgada y todo en uno.

La estrategia fragmentada podría conceder que los elementos de compositores de jazz como Duke Ellington debían estar en la mezcla, pero como un concierto o álbum separado, en lugar de las obras de Gershwin o Bernstein totalmente anotadas e interpretadas regularmente. El enfoque de fusión se ha escuchado con mucha menos frecuencia. Pero existió. En 1976, el pianista estadounidense Frederic Rzewski ofreció a los oyentes una ingeniosa mezcla de dos piezas para piano escritas por el saxofonista y el improvisador. antonio braxton — más una sonata del compositor nacido en Alemania Hanns Eisler y su propia “No Place to Go but Around” — en un vertiginoso recital.

Este concepto, una vez experimental, ahora es uno que la corriente clásica de vez en cuando llega a adoptar, como en un álbum reciente del violinista Daniel Hope, “America”. Los experimentalistas todavía hacen fusión también, como en el nuevo lanzamiento del cuarteto de cuerdas PUBLIQuartet, “What Is American”. Una tercera ruta, la de encargar música completamente nueva, se demuestra en otra grabación, el extenso disco de tres discos del violinista Johnny Gandelsman, “This Is America”, que se estrenará el 1 de julio.

El álbum de Hope es evidencia de que el enfoque de la fusión no es necesariamente fácil. En su grabación, lanzada a principios de este año en el sello Deutsche Grammophon, intenta valientemente “A Change Is Gonna Come” de Sam Cooke y “Come Sunday”, de “Black, Brown and Beige” de Ellington. (Los pilares de un repertorio estadounidense más limitado, como las obras de Bernstein y Copland, también están en el programa).

En Cooke, el tono de Hope es lo suficientemente agradable, aunque un toque demasiado pálido para igualar la conmovedora voz de Joy Denalane. Pero el extracto de Ellington es una oportunidad perdida, con una apertura demasiado rápida.

Compare esta lectura con una grabación de Ellington de 1958 en la que el violinista Ray Nance se deleita con el mismo material melódico durante 10 segundos adicionales, después de su entrada. Hay una razón por la que no avanza rápidamente a través de las frases; los segundos adicionales pueden significar todo.

En el álbum de Hope, las mejores actuaciones llegan temprano, cuando interpreta un puñado de melodías de Gershwin. Aquí, invita a un trío dirigido por el pianista Marcus Roberts para ayudar con las improvisaciones y el swing del idioma estadounidense. Su participación inspira un toque enérgico de Hope, cuyo tono baila alegremente durante “Fascinating Rhythm”. (También toca dobles paradas de blues sobre los ritmos del baterista Jason Marsalis hacia el final de “Summertime”).

Sin embargo, la colaboración entre Hope, la Orquesta de Cámara de Zúrich y el Trío Roberts sigue siendo sumamente cortés, y este último se muestra notablemente acorralado. Está muy lejos de la energía de una actuación de la Filarmónica de Berlín de 2003 dirigida por Seiji Ozawa, transmisión en la sala de conciertos digital de ese conjuntoen el que el Trío de Roberts participó en una atrevida lectura del Concierto en F. de Gerswhin.

“América” parece ser consciente de que esto podría ser un problema. En la portada, se ve a Hope con chaleco y esmoquin, y apoyada en un automóvil antiguo estacionado frente a un edificio cuyas ventanas están decoradas con retratos de grandes músicos estadounidenses. Pero los artistas photoshopeados en esos marcos de ventana no siguen el ritmo del sonido del álbum. No hay un solo pasaje que tenga la cualidad explosiva del saxofonista y clarinetista bajo Eric Dolphy en la rayuela exultante entre registros y timbres. Entonces, ¿qué está haciendo en la carátula del álbum?

Más allá de su propia música, Dolphy apareció como solista clave en los ensayos musicales de la era de los Derechos Civiles del bajista y compositor Charles Mingus, particularmente en “Fábulas originales de Faubus” y “Meditaciones sobre la Integración”. Sin embargo, la poesía de protesta de Dolphy y de John Coltrane, otro artista que aparece en la portada de “America”, no está presente aquí más allá del título de la canción pop de Cooke que promete cambios.

Como resultado, el álbum de Hope no enfrenta musicalmente el estado turbulento de la unión, ni reconoce las revoluciones pasadas dentro de la tradición del jazz en constante evolución de este país. La música ardiente que tocaron Coltrane y Dolphy en 1961 fue criticada en ese momento por ser “anti-jazz” en algunos sectores, una versión que no ha envejecido bien. Pero aunque Hope parece ansioso por citar el fuego del ingenio estadounidense en la portada de un álbum, no quiere que lo chamusquen en la práctica.

Lo contrario es válido para largos tramos de Gandelsman. “Esta es America” proyecto, un conjunto ambicioso que intenta tomar la temperatura nacional al solicitar nuevas obras en solitario de un grupo de un par de docenas de compositores. En sus notas de portada del álbum, el violinista cita una serie de temas como inspiración para su impulso de encargar estas piezas: la pandemia; la violencia policial y las muertes de Ahmaud Arbery, George Floyd y Breonna Taylor; los más de cuatro millones de acres de bosques de California perdidos por incendios forestales en 2020; desempleo; “retórica del ciclo vicioso de las elecciones”.

Muchos de los compositores respondieron a la sugerencia de Gandelsman con una sensación similar de pavor y tristeza abrumadores. Me parece bien. Pero como experiencia auditiva, el programa de casi cuatro horas podría haber usado más obras como “Sahra be Wyckoff”, del clarinetista y compositor nacido en Siria Kinan Azmeh. Escrito para una época en la que era difícil reunirse para amigos y colaboradores artísticos, recuerda un pasado más alegre de jam sessions en Brooklyn. La actuación embriagadora de Gandelsman me envió de regreso al impresionante álbum de 2021 de Azmeh, “Flow”, grabado con NDR Bigband, de Alemania. Ese conjunto es otro ejemplo de la capacidad de mutabilidad de las energías estadounidenses, con la orquestación ellingtoniana fusionándose con modos melódicos del Medio Oriente.

De lo contrario, las piezas que Gandelsman recibió tendieron hacia temas y estados de ánimo más sombríos, incluido un monumento a un amigo muerto y múltiples meditaciones sobre conflictos cívicos. Y algunas piezas reflejan las preocupaciones arraigadas de los compositores. Entonces, cuando Tyshawn Sorey ofrece la contemplativa (y a veces feroz) “For Courtney Bryan”, la miniatura puede servir como una pequeña pero importante adición al catálogo en rápida expansión del compositor. homenajes prismáticos a sus contemporáneos musicales. Pero “For Courtney Bryan” está solo ligeramente comprometido con la esperanza declarada de Gandelsman de que las comisiones “reflejen de alguna manera el tiempo que todos estábamos viviendo”. (Para conocer los pensamientos más específicos de Sorey sobre nuestro momento, puede recurrir a su abrasador “Salva a los chicos” del año pasado.)

Aún así, todo se juega con precisión; Gandelsman está en sintonía con la naturaleza precisa de cada artista y adapta su sonido a cada uno. El segundo disco ofrece una ráfaga de contraste compositivo y esfuerzo interpretativo. Allí, encontrarás la oda soñadora de Angélica Negrón a la infancia mirando las estrellas (“A Través del Manto Luminoso”), donde el sonido directo y aflautado de Gandelsman se fusiona idealmente con la pista electrónica de fondo.

Los sombríos pero misteriosos “Reflejos” de Ebun Oguntola impulsan a Gandelsman hacia los contrastes de la presión del arco, lo que sugiere giros impredecibles de la mente de un individuo. En “Rhapsody”, la entonces virtuosa canción de Tomeka Reid, sus cambios dinámicos son de naturaleza más fluida y silenciosamente impresionantes. Y Gandelsman aporta una cualidad encantadora y de libre asociación a su interpretación del episódico “Barbary Coast 1955” de Terry Riley.

La invención caleidoscópica en esos cursos de obras a lo largo de PUBLIQuartet “¿Qué es americano”, mi álbum clásico favorito del año hasta ahora. Contiene arreglos ganadores de Dvorak, así como de “Café negro” de Tina Turner y las melodías de Ornette Coleman “Law Years” y “Street Woman”. Asiente con la cabeza el cuarteto de cuerdas de Vijay Iyer “Excavar el decir” (inspirado en sí mismo por James Brown).

Y hay un cuarteto de cuerda recién comisionado, “CARDS 11.11.20”, de Roscoe Mitchell, el compositor y saxofonista que saltó a la fama en la década de 1960, junto con Braxton y otros miembros de la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos. Me gusta otras obras de la serie “Cartas” de Mitchell, este esfuerzo de composición completa invita a la improvisación (a los músicos se les permite barajar fragmentos de la partitura, en un momento de la interpretación); los músicos del PUBLIQuartet suenan como en casa dentro de este peculiar desafío americano.

Serpenteando entre esas y otras obras se encuentran las recitaciones fracturadas del cuarteto del oscuro quinto verso de Oliver Wendell Holmes Sr. de “The Star-Spangled Banner”. En medio de la Guerra Civil, este poeta, y padre del juez de la Corte Suprema Oliver Wendell Holmes Jr., criticó a “la traidora que se atreve a profanar / ¡La bandera de sus estrellas y la página de su historia!” (Piense en eso en el contexto del alborotador del 6 de enero que llevó la bandera confederada dentro del edificio del Capitolio de los EE. convicto de un delito grave y cuatro delitos menores).

Nunca sobrecargado, “What Is American” contiene diversión, eclecticismo y compromiso cívico en la duración de un solo CD. La capacidad del álbum para entretejer múltiples tradiciones alcanza un pico temprano en su adaptación radical pero reconocible del Cuarteto de Cuerdas No. 12 de Dvorak, apodado el “Americano” en parte debido a su afecto e inspiración por músicos afroamericanos como Harry Burleigh (como así como la melodía indígena americana).

Tenemos docenas de interpretaciones prístinas y precisas de puntuación de este caballo de guerra; los jugadores de PUBLIQuartet han intuido acertadamente que aguanta un poco de reinvención. Su actuación representa, señalan, “improvisaciones” sobre la obra. Prácticamente dibujan y descuartizan el primer y segundo tema del movimiento de apertura, introduciéndolos o elaborándolos con acentos rasposos y toscos.

Antes de la recapitulación final del movimiento sobre esos temas, los intérpretes nos brindan un momento escalofriante. Habiendo completado su versión del desarrollo, ejecutan un cambio de tempo antes de improvisar colectivamente en un modo de blues con un amplio atractivo.

Segundos después, cuando el grupo vuelve al sonido de inspiración estadounidense de Dvorak, hay una idea fresca ausente en otros álbumes con aspiraciones similares: una sugerencia de que las dinámicas grupales, tanto como las interpretaciones individuales, son esenciales para la música estadounidense. No resolverá los problemas del país, pero según las definiciones del espíritu estadounidense contemporáneo, es la grabación que tocaré para mis seres queridos el 4 de julio.