‘Shogun’ es el espectáculo de samuráis que estaba esperando

TOKIO — “Shōgun” de FX cautivó a una amplia audiencia cuando se estrenó esta primavera, incluidos espectadores en Japón, como yo.

El miércoles, la serie de FX demostró que también había captado la atención de la Academia de Televisión, con 25 nominaciones al Emmyincluyendo Mejor Serie Dramática, Actor Protagónico y Actriz Protagónica. La favorita para los Emmy había presentado 40 nominaciones en las categorías de drama e hizo historia como la segunda serie de televisión no inglesa en ser reconocida en la principal categoría de drama.

Para ser sincero, me sorprendió que me enamorara de “Shōgun”. Tengo una relación de amor-odio con las películas y programas de televisión occidentales ambientados en Japón. Es bueno que Hollywood se interese tanto por una cultura extranjera, con presupuestos lo suficientemente cuantiosos como para atraer a actores de primera línea. Sin embargo, ¿qué pasa con esta obsesión de meter personajes blancos en las historias de samuráis? Piense en la legendaria estrella de acción Tom Cruise en “El último samurái”, que incluye una trama muy obvia de “salvador blanco”. Yo diría que “47 Ronin” tampoco está tan lejos: para hacer una película sobre un grupo de samuráis sin señor de la vida real en el siglo XVIII, Hollywood agregó un personaje ficticio que es mitad blanco para dar cabida a la estrella de éxito de taquilla Keanu Reeves.

Rápidamente me di cuenta de que estas películas fueron mi razón inicial para dudar en ver “Shōgun”. Sin embargo, justo cuando estaba a punto de ignorar la serie, los avances y los videos de las redes sociales me convencieron de verla. Los anuncios enfatizaban lo diferente que sería la serie de las producciones anteriores de Hollywood ambientadas en Asia.

La serie ha hecho un trabajo estelar evitando esos obstáculos, y sus esfuerzos por mostrar complejidad son lo que la hace tan buena. Aborda de manera crítica la típica trama de “choque de dos culturas” trascendiendo la dicotomía simplista del “yo” versus el “otro”. Esta dinámica hace que la serie sea mucho más emocionante.

El éxito del programa ha vuelto a abrir el debate sobre la importancia de la autenticidad. “Shōgun” fue una adaptación de la novela histórica homónima de James Clavell de 1975. El libro se basó en hechos históricos y John Blackthorne (Cosmo Jarvis) se inspiró en un piloto real del siglo XVI, William Adams. Clavell publicó el libro original como parte de la serie Asian Saga, para contar “la historia de los anglosajones en Asia”.

Este marco facilita el apoyo a los tropos orientalistas (la presentación de historias orientales a través de una estrecha lente occidental). Puede ser una narrativa difícil de evitar para los directores de Hollywood, porque es inevitablemente más fácil para el público occidental generar simpatía por personajes occidentales que tienen un punto de vista más familiar.

La icónica película “Lost in Translation” cae en esta trampa, ya que nos muestra la exótica, incomprensible y desconcertante cultura y gente de Japón a través de la lente de dos estadounidenses. El telón de fondo de Tokio ayuda a aislar a los personajes principales del entorno que los rodea y permite que el público sienta la soledad y lo surrealista de una tierra extranjera.

Este truco es práctico, eficaz y, a menudo, entretenido: sirve para dar “energía de personaje principal” a los protagonistas y, al mismo tiempo, ayuda a navegar por un entorno extranjero desde un punto de vista familiar. Pero también se usa en exceso, especialmente en lugares como Japón.

Una de las mayores diferencias entre la versión de 2024 de “Shōgun” y la miniserie de televisión de 1980 (además de su calidad visual general) es que hay subtítulos para los diálogos en japonés. Mantener el japonés ininteligible para (la mayoría) de los espectadores de la serie de los años 80 fue una decisión consciente; la historia está contada desde la perspectiva de Blackthorne y es fiel a la novela original. Lo que Blackthorne no entiende, el público tampoco debería entenderlo.

La película de Wes Anderson “Isle of Dogs” empleó una técnica similar. En la película de 2018, ambientada en la ciudad ficticia de Megasaki, los perros hablaban inglés y los residentes hablaban japonés. La película no ofrece subtítulos traducidos para la mayoría del japonés, lo que ayudó a enfatizar la dicotomía de dos mundos y aseguró que el público simpatizara naturalmente con los perros, ya que los “villanos” hablan en un idioma ininteligible. El héroe es un estudiante de intercambio de habla inglesa de los EE. UU., lo que también agrega una trama de salvador blanco a una película que ya usaba un truco de lenguaje orientalista.

Por otra parte, “Shōgun” tiene una gran cantidad de diálogos en japonés, con subtítulos, que contribuyen significativamente a la narrativa general. Si bien Blackthorne sigue siendo la figura central que guía la narrativa, las perspectivas están representadas de manera más intrincada que en la novela original o la adaptación anterior.

La complejidad del panorama de género también se retrata bien en “Shōgun”. El siglo XVII no fue una gran época para las mujeres en todo el mundo, y especialmente no en la sociedad feudal y patriarcal de Japón en medio del caos militar. Sin embargo, la misoginia y la participación (o no participación) femenina en la sociedad no funcionan ni se ven de la misma manera en todo el mundo. En ciertos momentos, las mujeres de la clase samurái parecen muy poderosas, pero de alguna manera también oprimidas; se espera que sean sumisas a sus maridos, pero también pueden tener roles más dominantes. En lugar de retratarlas como mujeres pasivas e impotentes, la serie las visualizó con más matices y complejidad.

En una escena memorable del episodio 6, Lady Mariko (Anna Sawai) y Fuji (Moeka Hoshi) negocian el precio de un servicio de cortesana, un regalo para Blackthorne, con la exitosa mujer de negocios Gin (Yuko Miyamoto). Tres mujeres hablando de dinero con tanta elocuencia en una reunión tensa (o bebiendo té con la mirada perdida) no es algo que se vea a diario en el mundo del siglo XVII, pero sirve como recordatorio de la constante mirada masculina y la mercantilización de los cuerpos femeninos.

Sawai, en particular, encarnó la complejidad de la vida y la feminidad con su increíble actuación a lo largo de todo el espectáculo. Su representación de sus emociones conflictivas, así como la posición contradictoria de ser poderosa e impotente, agregaron profundidad al espectáculo y contribuyeron a la representación general del panorama de género en ese momento y lugar.

Fue refrescante ver que la trama se centra casi exclusivamente en la política samurái. Si bien la química entre Lady Mariko y Blackthorne se mostró sin tapujos, el romance nunca se robó el protagonismo. Los programas históricos occidentales tienden a centrarse en el romance de los personajes principales con más frecuencia, en comparación con los jidaigeki tradicionales (dramas de época japoneses).

Por supuesto, el “shōgun” no ignoró la presencia de la sexualidad o el parentesco. La gran presencia de cortesanas (trabajadoras sexuales con clientes adinerados), el matrimonio estratégico de Ishido y Lady Ochiba y la representación de Fuji, a quien se le ordenó ser la consorte de Blackthorne y construyó una respetuosa “amistad” con él, fueron esenciales para la trama.

En esta era del Japón, el concepto de “amor”, o falta de él, difiere significativamente del del Occidente moderno.

De hecho, se dice que la palabra “ai” (愛), que se utiliza como equivalente de la palabra inglesa “love” en japonés moderno, no se utilizaría en ese sentido hasta un par de cientos de años, no hasta el período Meiji. Las distinciones entre amor, lujuria, sensualidad o deseo sexual son arbitrarias, especialmente con poca o ninguna influencia del cristianismo. En lugar de forzar el tropo de un hermoso romance entre los personajes, el programa navega sutilmente por la diferencia histórica y cultural mientras espesa la trama política.

En el episodio 3, un médico sugiere que Blackthorne, que estaba herido, sea “almohadado”, ya que parecía estresado, lo que también ayuda a mostrar cómo veían los japoneses el acto sexual.

—¿Preferirías un compañero masculino? —pregunta Mariko, después de ver a Blackthorne dudar.

A lo largo de la historia, en Japón, el deseo sexual entre hombres se ha normalizado hasta cierto punto y ha coexistido con el deseo heterosexual. Esta línea, que no es un presagio ni se profundiza más en ella, se suma sutilmente a ese contexto. Muchos dramas de época japoneses ignoran este dato bastante importante, y este momento distingue a “Shōgun” por su precisión histórica rica en detalles.

Los detalles culturales e históricos son complejos, y precisamente por eso son difíciles de captar, pero se notan cuando no se hacen correctamente. FX, en su promoción de la serie, hizo hincapié en sus esfuerzos por garantizar la autenticidad, contratando a numerosos profesionales que han trabajado con películas japonesas de época.

Esta autenticidad no debería ser simplemente un valor añadido a la hora de contar una historia. Si las tramas o los detalles de los personajes no son auténticos, nos distraen de la historia principal. Aunque las películas y series de televisión de ficción no son la vida real, para vender la historia y sumergir al público, debe ser convincente.

“Si algo está mal, la gente no puede concentrarse en el drama”, dijo la estrella y productor de “Shōgun” Hiroyuki Sanada en Una entrevista con USA Today“No quieren ver ese tipo de espectáculo. Necesitábamos ser auténticos”.

Para aquellos interesados ​​en ver obras de samuráis occidentales, “Shōgun” brinda una atención al detalle que otras obras del género nunca han logrado igualar. Para los fanáticos de los dramas de época hechos en Japón, la serie llena el vacío en su escala y construcción de mundos.

Claro, está basada en otra historia de samuráis blancos, pero al menos entendió la tarea. “Shōgun” nos ha mostrado el potencial de las obras de Hollywood ambientadas en culturas extranjeras, así como de las películas de época japonesas. Cuando el presupuesto es adecuado, se contratan profesionales para garantizar la autenticidad cultural y se abordan narrativas complejas de frente, puede suceder algo verdaderamente innovador.