Sin embargo, la nostalgia no es una virtud de Ojai y los compositores más jóvenes mantuvieron las cosas actualizadas. La conciencia natural de Messiaen encontró una contraparte en “Anthozoa” de Gabriella Smith, para violín, violonchelo, piano y percusión, que evocaba el bullicio microscópico de los arrecifes de coral, con clics y susurros dando paso a acordes de himnarios oceánicos. “Ró” (“tranquilidad”, en islandés) de Anna Thorvaldsdottir desplegó un paisaje sonoro no muy diferente de zarcillos orgánicos que crecían a partir de drones sostenidos. Mientras tanto, el pianista Conor Hanick interpretó dos nuevas piezas de John Adams, el más juvenil de los casi octogenarios; uno de ellos, “canción sin palabras”, ofrecía un ejemplo paralizante de melodía interminable adamsiana, a la vez radiante y agridulce.
De la media docena de festivales de Ojai a los que he asistido, éste fue quizás el mejor ejecutado. La excelencia de la programación y la creación musical atestigua no solo el magnetismo de Salonen sino también la destreza detrás de escena del veterano administrador artístico Ara Guzelimian, quien ha estado asociado con Ojai durante décadas y ha dirigido sus operaciones desde 2020. La ovación que estalló cuando Guzelimian salió para presentar el concierto de clausura del festival fue un reconocimiento apropiado de que los conciertos de la época dorada no suceden por sí solos.
Ese concierto final, con la participación de la orquesta estudiantil de la Escuela Colburn, en Los Ángeles, ejemplificó al mismo tiempo el espíritu de Ojai y sacudió su atmósfera relajada. Salonen encabezó un alegre y voluble homenaje por su nonagésimo cumpleaños que escribió para el fallecido Frank O. Gehry, titulado “Fog”. También presentó el ballet irónico-bucólico “Pulcinella” de Stravinsky, un vigorizante preludio al verano. En el medio llegó el imponente y terrorífico Concierto para violín de Ligeti, escrito entre 1989 y 1993. Leila Josefowicz, para quien tanto Salonen como Adams escribieron conciertos, ensayó la parte solista por primera vez en su carrera, y la interpretó con una furia tan sublime que después el habitualmente reservado Salonen hizo algo bastante inusual: se golpeó la frente con la palma y le hizo un gesto feliz a Josefowicz. incredulidad.
Había estado esperando más de treinta años para escuchar este concierto interpretado con tanta intensidad. En 1993, cuando era un crítico neófito, fui a Boston para informar sobre un festival de Ligeti en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. El compositor estuvo presente, dando conferencias y debates, mientras su mente arácnida tejía redes a lo largo de la historia de la música. En un momento, dio una disquisición virtuosa sobre motivos de lamento, citando a Gesualdo, Monteverdi, Bach, Schubert y Purcell (cantó una versión insoportable de “Dido’s Lament”), sin mencionar el flamenco, la música romaní y las canciones fúnebres que había escuchado en Transilvania cuando era niño. También habló del Concierto para violín, que todavía estaba revisando. Relacionó la pieza con su intento de desarrollar un nuevo tipo de tonalidad, una que absorbiera la tradición sin quedar atrapado por ella. Dijo: “Estoy en una prisión: un muro es la vanguardia, el otro es el pasado y quiero escapar”. Sólo Ligeti podría encontrarse en una prisión tipo Escher con sólo dos paredes.
El concierto dura menos de media hora, pero contiene un universo de posibilidades. Cancioneros folklóricos bailan a través de texturas fractales; la afinación estándar de temperamento igual se yuxtapone con la práctica arcaica de la entonación justa; los ritmos rebotan unos contra otros; se escuchan influencias de la música recolectora centroafricana y del gamelán indonesio; resuena el antiguo lamento. Debido a su extrema complejidad, la obra rara vez está programada y, cuando lo está, la realización puede no llegar a la concepción. En 2000 la escuché en el Carnegie Hall, con Christian Tetzlaff, Pierre Boulez y la Sinfónica de Londres. Las notas brillaban en su lugar, pero la pieza parecía más un diseño cerebral que un ser vivo.
Salonen ha profundizado más. Apreció a Ligeti desde temprana edad y trabajó estrechamente con el compositor desde los años ochenta en adelante. Cuando el sello Sony Classical lanzó un estudio grabado de la música de Ligeti, en los años noventa, se eligió a Salonen para supervisar el proyecto. Por desgracia, Ligeti demostró ser un colaborador extraordinariamente difícil, su perfeccionismo maníaco chocó con la realidad práctica y condujo a escenas desagradables. Un día, Salonen recibió un fax suyo que decía: “Prometo ser relativamente amable mañana”. Sin embargo, Salonen nunca dejó de admirar la música y tuvo en cuenta las presiones psíquicas que pesaban sobre el propio hombre. La serenidad mesiánica no estaba al alcance de Ligeti. Cuando hablé con Salonen en Ojai, me dijo: “Aquí estaba un hombre que perdió a casi toda su familia en el Holocausto y luego huyó de Hungría a Austria en 1956, en medio de la noche, con perros persiguiéndolo en la frontera. Cuando ese es el punto de partida, se crea una visión del mundo muy sombría”. Sin embargo, lo que fascina ahora a Salonen no es la oscuridad del arte de Ligeti sino su vitalidad y frescura: “La vitalidad de una pieza como el Concierto para violín me recuerda a la ‘Sinfonía fantástica’; siempre te sorprenderá”.
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