Aditya Prakash sobre música, identidade e sua última oferta, Room-I-Nation

O músico carnático residente em Los Angeles e Chennai, Aditya Prakash, continua a expandir os limites da música clássica através de uma narrativa profundamente pessoal e interdisciplinar. Seu mais recente projeto solo de teatro, Room-I-Nation, estreou no Mumbai Lit Fest em novembro de 2025 e no Mahindra Kabira Festival em Varanasi em dezembro. O trabalho será apresentado em seguida no Hubba no The Sabha, Bengaluru, em 16 de janeiro de 2026.

Co-escrito e dirigido pela aclamada dançarina e coreógrafa Mythili Prakash, Room-I-Nation baseia-se no álbum ISOLASHUN de Aditya de 2023, tecendo música carnática com narrativas de imigração, identidade e pertencimento asiáticos. O projeto reflete sobre o que significa existir entre culturas – procurar o lar não como um destino, mas como um espaço emocional em evolução. Tendo excursionado com Pandit Ravi Shankar aos 16 anos, Aditya desde então colaborou com artistas como Anoushka Shankar, Karsh Kale, Tigran Hamasyan, Mythili Prakash e Akram Khan.

Numa conversa calorosa com t2ONLINE, Aditya refletiu sobre o desconforto como combustível criativo, a política incorporada nas tradições clássicas e o processo ao longo da vida de encontrar um lar no meio-termo.

ROOM-i-Nation mistura música carnática com temas de identidade e imigração. O que despertou a ideia deste formato multidisciplinar e como o conceito evoluiu à medida que você o criou?

O ponto de partida foi Isolahsun, álbum que criei durante a pandemia. Foi um período de profunda introspecção, e o álbum tornou-se uma forma de questionar a minha própria posição dentro da sociedade – e dentro de sistemas que eu tinha em grande parte como garantidos até então. Durante a maior parte da minha formação em música clássica indiana, o foco estava no domínio da forma, do repertório e da disciplina, mas não na história sociológica da tradição.

Isso mudou quando li um livro do meu mentor, TM Krishna, que examina as histórias sociais e de castas incorporadas na música carnática. Ler isso foi perturbador. Comecei a sentir-me cúmplice – cúmplice como alguém que beneficia de privilégios dentro da tradição, e também como um indiano que cresceu na América, testemunhando aí desigualdades estruturais. Isolahsun emergiu dessa tensão: entre privilégio e marginalização, herança e desconforto, pertencimento e alienação.

O álbum em si é político, mas também profundamente pessoal. Não começa de uma forma musical convencional – começa com uma procura de identidade, tanto pessoal como sócio-política. Enquanto eu estava fazendo isso, percebi que a música era inerentemente orientada pela narrativa. Eu não queria simplesmente tocá-lo ao vivo como um concerto. Eu queria construir uma experiência de contar histórias em torno disso. Esse impulso levou naturalmente ao teatro e foi aí que a visão de Mythili se tornou crucial. Com sua formação tanto no teatro quanto na dança, o trabalho evoluiu para uma performance interdisciplinar totalmente encenada.

Você co-escreveu e desenvolveu o projeto com Mythili Prakash. Como sua parceria criativa moldou a linguagem narrativa da obra?

Mythili é minha irmã mais velha e temos colaborado durante a maior parte de nossas vidas. Compus músicas para muitas de suas produções de dança, e essa longa história criou uma profunda ligação criativa entre nós. Ao mesmo tempo, ela é incrivelmente rigorosa e exigente em seu processo. Ela questiona incansavelmente, percorre incontáveis ​​rascunhos e continua interrogando o trabalho até que cada elemento ganhe seu lugar.

Comecei este projeto escrevendo livremente – colocando tudo o que queria dizer em uma tela em branco, sem me preocupar com estrutura. O instinto de Mythili foi transformar essa matéria-prima em uma narrativa coloquial. Enquanto trabalhávamos, um fio central voltava: meu pai. Ele faleceu há dez anos, muito antes deste álbum ou projeto surgir, mas sua presença tornou-se inevitável. Ele foi fundamental na minha jornada artística

Ele é a razão de eu ser quem sou hoje. Ele abandonou a carreira de engenheiro para que minha mãe pudesse dirigir sua escola de dança, administrar o lado comercial de seu trabalho e nutrir minha jornada musical com imenso cuidado. A performance acabou se tornando um diálogo imaginado com ele – o que quero dizer a ele agora, como minha música mudou, se ele concordaria com minhas escolhas.

Através dessa conversa pessoal e imaginada, a obra abre questões muito maiores: imigração, identidade diaspórica, lutas de primeira geração, política de castas e os enquadramentos históricos da música carnática. A intimidade desse diálogo é inseparável da nossa relação entre irmãos – Mythili, dirigindo-me num trabalho que é ao mesmo tempo profundamente pessoal e artisticamente exigente, tornou essa honestidade possível.

A performance é inspirada em seu álbum de 2023, Isolashun. Como foi transformar os temas sonoros de isolamento e pertencimento do álbum em uma experiência teatral?

Foi emocionante e profundamente desconfortável. Primeiro sou músico – minha formação é cantar e tocar instrumentos. Atuar, apresentar monólogos, incorporar diferentes papéis no palco era um território desconhecido. Houve muitos momentos em que quis retirar-me para a segurança de um formato de concerto.

Mas Mythili foi firme. Ela manteve a visão e me empurrou para frente. Ela percebeu que o álbum exigia algo mais. Isolahsun não é estruturado como uma coleção típica de canções com versos e refrões – é orientado pela narrativa, não estruturado como canções convencionais. Para honrar isso, precisávamos de recursos visuais, um cenário, um senso de lugar e um contexto dramático.

Esse desconforto tornou-se produtivo. Forçou-me a abandonar velhos hábitos e a enfrentar novas questões artísticas. O teatro permitiu que a música existisse de forma diferente – não apenas como som, mas como parte de uma história vivida e em desenvolvimento. O desafio foi justamente o que deu vida ao trabalho. O desconforto é essencial para o crescimento.

ROOM-i-Nation estreou na Índia no Mumbai Lit Fest e obteve uma resposta esmagadora. Como as reações do público repercutiram em você, especialmente considerando os temas pessoais da obra?

O que aprendi ao longo do tempo é que quanto mais específico sou sobre a minha história, mais universal ela se torna. Este é o trabalho mais pessoal que já fiz – seja na relação pai-filho, nas divergências intergeracionais ou no peso emocional de ser um imigrante de primeira geração. As pessoas se viam nisso.

Quando apresentei o trabalho nos EUA e no Reino Unido, grande parte do público era diaspórico – pessoas nascidas lá, filhas de pais de outros lugares. Na Índia foi a primeira vez que a apresentei para um público em grande parte não-diaspórico, e eu não tinha certeza de como isso iria acontecer. Mas a resposta foi incrivelmente profunda. As pessoas se conectaram às relações emocionais que estão no cerne do trabalho e também saíram com uma maior consciência das histórias de imigração asiática.

Essa resposta dupla – emocional e intelectual – pareceu profundamente afirmativa.

Como artista residente em Los Angeles/Chennai, como é que as suas experiências biculturais influenciaram a sua compreensão de “casa” – uma ideia central no ROOM-i-Nation?

Encontrar casa tem sido um dos maiores desafios da minha vida. Sempre existi no meio. Ao crescer, muitas vezes senti que não pertencia totalmente aos EUA ou à Índia. Isolahsun – e por extensão Room-I-Nation – trata de criar um espaço próprio, em vez de tentar caber em caixas predefinidas.

LA, especialmente um verdadeiro caldeirão cultural, me moldou profundamente, e cresci cercado por artistas de tradições totalmente diferentes. Minha mãe trabalhou com dançarinos de hip hop, corais gospel, bailarinos; em casa, músicos de todas as origens vinham ensaiar. Lá fora, meus amigos eram músicos de jazz. Fui exposto a praticantes autênticos de todas as formas, de uma forma que talvez não tivesse experimentado se tivesse crescido exclusivamente na Índia.

Tudo isso, a diversidade, ampliou minha paleta artística. Quanto mais você conversa com pessoas diferentes de você, mais expansivo você se torna – não apenas como artista, mas como ser humano.

Você é considerado um dos principais jovens praticantes da música carnática. Como você equilibra a preservação da tradição e ao mesmo tempo ultrapassa os limites através da narrativa contemporânea?

Durante muito tempo, senti-me dividido entre identidades – músico carnático num espaço, artista contemporâneo noutro. Isso se tornou cansativo. Em algum momento me perguntei: quem sou eu realmente?

Agora, estou tentando reunir tudo em uma identidade integrada. Por que a música carnática não pode ser contemporânea? O que significa “contemporâneo”? Ainda não tenho respostas definitivas, mas sei que fazer essas perguntas me faz avançar.

Resisto a ser enquadrado em categorias. A música transcende os rótulos – seja tradicional, de fusão ou contemporânea. O meu mentor TM Krishna executa música carnática de uma forma intransigentemente tradicional, mas o seu trabalho parece profundamente contemporâneo devido ao que ele escolhe dizer através dele. Em última análise, é sempre uma questão da intenção do artista, não da gravadora.

Você estará em turnê pelos principais metrôs e festivais da Índia até janeiro de 2026. Como a apresentação do ROOM-i-Nation em diferentes cidades influencia a maneira como você entrega ou interpreta o trabalho?

O trabalho em si não muda, mas a energia sim. Cada cidade tem o seu ritmo, a sua temperatura emocional. Como artista, você responde instintivamente a essa energia no palco. Não importa o quanto você planeje, algo muda no momento — e é aí que a performance ao vivo ganha vida. O desempenho evolui no momento.

Fazer turnê com Pandit Ravi Shankar com apenas 16 anos é extraordinário. Que lições dessa experiência continuam a moldar sua jornada musical hoje?

Sua humildade e curiosidade deixaram uma impressão duradoura em mim. Mesmo no seu auge, ele permaneceu infinitamente curioso – fazendo perguntas, discutindo ragas, explorando semelhanças entre as tradições carnáticas e hindustani.

Passámos longos períodos em digressão juntos e ele fez um esforço para incluir alguém tão jovem como eu. Sua profunda compreensão de ritmo, ritmos cruzados, orquestração e seu uso da harmonia nas estruturas raga me moldaram profundamente como compositor. Acima de tudo, foi a sua abertura – a sensação de que a aprendizagem nunca acaba.

Você trabalhou com artistas como Anoushka Shankar, Karsh Kale, Tigran Hamasyan e Akram Khan. Como essas colaborações expandiram sua linguagem artística?

Cada colaboração expande seu vocabulário. Você absorve a linguagem de outro artista e ao mesmo tempo aprende a articular a sua com mais clareza. Explicar suas ideias força você a entendê-las mais profundamente.

Trabalhar com Akram Khan, em particular, transformou a minha relação com o desconforto na arte. Ele abrange todo o espectro das emoções humanas – raiva, fúria, desconforto – e acredita que essas emoções devem estar presentes na expressão artística. As tradições clássicas muitas vezes fogem do desconfortável, mas a humanidade não é organizada. Com artistas como Akram e TM Krishna, aprendi a permitir o desagradável no meu trabalho – e é aí que ele se torna mais honesto.

Com o ROOM-i-Nation ganhando impulso, que novas direções ou projetos você espera explorar em seu trabalho musical e teatral?

Atualmente estou trabalhando em um álbum altamente colaborativo envolvendo mais de 30 artistas de formação clássica, todos interessados ​​em ultrapassar os limites de suas formas. O projeto explora um amplo espectro emocional – da beleza ao desconforto – assim como ISOLASHUN.

Também compus uma seção musical para uma adaptação cinematográfica inglesa de Hamlet, com Riz Ahmed e dirigida por Aneil Karia. É a primeira vez que ouço a minha música numa tela de cinema e isso abre possibilidades emocionantes. Estou cada vez mais interessado em composição cinematográfica e isto parece o início de um novo capítulo.