Álbuns da semana: 6 a 13 de abril – The Blue Banner

Esta semana, tenho mais quatro álbuns para seus ouvidos atentos. Haverá três novos álbuns da semana passada (de segunda a segunda) e um álbum clássico do qual estamos comemorando o aniversário.

Se há um álbum que VOCÊ deseja ver e que perdemos (ou uma crítica da qual você discorda), escreva sua própria crítica e envie-a aqui mesmo!

Minha Nova Banda Acredite – Minha Nova Banda Acredite

8.1/10

Em meus anos de carreira (profissional e amadora) como crítico musical, sempre fui intensamente crítico da cena dos moinhos de vento. É responsável por algumas das melhores músicas da década de 2020, mas também gerou inúmeros imitadores vazios, além dos muitos artistas ruins que ele mesmo produziu. Embora seja uma cena, não um gênero, a música do pequeno clube londrino vem lentamente se canibalizando desde que o black midi se desfez e “Ants From Up There” do Black Country, New Road foi lançado.

Cameron Picton, ex-baixista do black midi, faz sua estreia com My New Band Believe. Não, não minha nova banda, sua nova banda: My New Band Believe. Quem é o primeiro de novo?

Os singles que antecederam esse disco foram aterrorizantes. Não no sentido musical, mas pelo que representavam. Embora “Numerologia” fosse divertida, “Aula 25” era exatamente o tipo de coisa do moinho de vento que eu temia que Picton pudesse ter lançado. Felizmente, esse não foi o caso, e “My New Band Believe” é uma jornada folk maravilhosa e progressiva, marcada pelo ódio através dos dentes cerrados e belos guitarristas.

“Target Practice” é a nossa abertura e imediatamente dá o tom. Os vocais de Picton são divertidos, mudam rapidamente e são teatrais. Ele tem um tom único, meio fino, um pouco cauteloso e inegavelmente britânico. Isso contrasta muito bem com as faixas acústicas mais suaves, apresentando guitarra suave e cordas quentes. A história também está contada para nós. Alguém matou o tio do orador e eles querem muito vingança. O refrão de “Não chore, você merece isso” é tão perfeito. Isso resume a tristeza de torturar alguém que fez mal a você. A voz de Picton às vezes beira o som medieval e funciona muito bem aqui.

A música aumenta daqui até as próximas faixas. A bateria está mais disposta a ficar selvagem, Picton fica mais irritado e a guitarra vai um pouco além dos acordes. “Heart of Darkness” tem um momento onde a guitarra arpeja de tal forma que dá flashes de Nick Drake. Isso, é claro, antes de se dissolver em uma peça ambiente espaçosa e folk livre para a segunda metade de sua duração de aproximadamente oito minutos.

Então é hora de “Love Story”. Agora é assim que você escreve uma música. Começamos com este piano sinistro que carrega o tom sombrio de “Heart of Darkness”, mas lentamente se move para o tom maior para fazer a transição para o motivo principal da música em um lindo cover de piano. “Você é o amor da minha vida, nada se compara a um minuto solitário com você”, diz Picton. São apenas ele e Piano no primeiro terço da música, antes de um movimento lento das cordas avançar e dar lugar ao resto do conjunto.

A melodia é tão, tão cativante. Cada linha termina com um simples dedilhar de guitarra. Apenas um acorde anexado ao final de um momento vocal, mas é tão lindo em sua simplicidade. Eu adoro isso e isso continua se repetindo ao longo da música. Após o verso inicial de Picton, a música começa a se expandir um pouco mais, e ficamos neste espaço barroco, flutuando entre saxofones suaves e cordas de uma beleza alucinante. Ele então volta, mas a energia da ponte instrumental continua.

Vou repetir: é assim que você escreve uma música. Você se cansa de cada uma das melhores partes da música, mas nada dura muito. Isto é enfatizado pelos vários segundos de silêncio no final da faixa; dá ao ouvinte tempo para sentar e apreciar o que acabou de ouvir.

Infelizmente, a qualidade do álbum piora a partir daqui, mas nunca se torna ruim. Apenas comparativamente pior. A história segue adiante e segue a jornada emocional e a turbulência que acontece ao longo da história. Embora seja muito mais espacial e fragmentado em comparação com a primeira metade, onde a história é muito clara.

Acho que com movimentos um pouco mais interessantes, uma história mais concisa (o que realmente me prende quando acontece) e alguma instrumentação mais ousada poderia ser uma peça melhor, mas do jeito que está agora é um ótimo disco. Dado que há muitos outros singles que não estão no disco, estou muito animado para ver onde My New Band Believe se moverá no futuro. Mas, falando sério: quem o deixou chamar assim?

Kurage – Mei Semones

6,6/10

Mei Semones estreou no ano passado com “Animaru”, uma divertida e fofa aventura pop de câmara com uma reconfortante influência de bossa nova e jazz pop. Embora tenha apenas três faixas, eu seria negligente em não cobrir outra grande apresentação do jovem artista.

A influência da bossa nova continua aqui, com a dispersão vocal feita em sintonia com a guitarra quente e vibrante. As cordas dedilhadas são todas fofas e conduzem a uma batida suave. A guitarra mais quente e as cordas profundas tocam bem com sua voz mais fria e de oitava alta.

Os riffs de guitarra em si são muito legais. Eles não são excessivamente complicados, mas existem alguns riffs legais e mais aventureiros que são bons para justapor os acordes de guitarra mais suaves e simples. A outra instrumentação ocasional também é super agradável. A faixa título, “Kurage”, tem um eufônio suave que soa simplesmente fenomenal com a guitarra.

Obviamente, em apenas três faixas (que são mais ou menos iguais) não há muito o que revisar, mas eu adoro o que está aqui. Esperamos que ela continue essa tendência positiva e que seu próximo LP seja igualmente bom.

Vol. II – Angina de Poirtine

6,3/10

Ah, cara.

Após uma apresentação semiviral na KEXP, a dupla quebequense Khn e Klek (junto com os produtores Tek e Glegg) explodiu e lançou recentemente seu segundo LP “Vol.II”. Está tudo bem.

Ao falar sobre rock matemático microtonal, você realmente tem que reconhecer a habilidade técnica e o conhecimento da teoria musical necessários para produzir tal disco. Eu me considero um nerd da música e já toquei em bandas com compassos estranhos e instrumentos bizarros. Porém, os microtons são algo que realmente não estou preparado para discutir fora de sua definição.

Embora existam apenas 8 notas definidas (sem contar as incidentais) em uma escala, cada nota realmente tem um número infinito de notas menores entre elas, menos de meio tom antes ou depois de uma determinada nota. Embora a música ainda seja coerente, para ouvidos destreinados pode soar como um carnaval em chamas.

Como eu disse, é extremamente impressionante tecnicamente. A combinação de baixo e guitarra de braço duplo é realmente incrível, e operar uma pedaleira descalço (girando os mostradores com os dedos dos pés) é incrivelmente impressionante. A bateria também é insana e muitas vezes as faixas apresentam saltos entre vários compassos, apesar das próprias linhas serem mais simples.

Eu gosto desse disco, gosto mesmo, mas é o tipo de disco que você não consegue repetir. Perde muito de seu valor depois que o primeiro par ouve, quando você aprende a aceitar a microtonalidade. A partir daí, torna-se nada mais do que um recorde matemático abaixo da média. Não odeio o tom, mas não é agradável o suficiente para ser o mesmo em todas as faixas.

A falta de vocais (ou melhor, a falta de vocais coerentes) também prejudica o disco. Muitas das músicas parecem obsoletas à medida que avançam (talvez um sintoma do tom bastante genérico da guitarra e do baixo) e no final do disco não estou realmente impressionado com os detalhes técnicos. Às vezes, os personagens fazem barulhos chorosos, tipo muppet, mas parecem presos em um meio-termo estranho, onde ambos estão tentando interpretar o truque alienígena de maneira totalmente direta, mas também querem reconhecer que é engraçado. Os dois se cancelam e os pequenos vocais que existem são desinteressantes apesar de não serem lexíveis.

Fé – A Cura

9,2/10

O trabalho anterior do The Cure é realmente interessante de se ver. Você pode vê-los claramente progredindo do som pós-punk para um som mais gótico. “Three Imaginary Boys”, embora distintamente diferente do resto de seus discos, ainda é ótimo por si só, e “Boys Don’t Cry” ainda é um de seus maiores sucessos (apesar de não estar no álbum original). A continuação mais gótica deles, “Seventeen Seconds”, também foi ótima. As pessoas conhecem o título “Seventeen Seconds” e claro “The Forest”.

A “fé”, entretanto, é aparentemente ignorada em maior escala. Não há hits e tem a infelicidade de ficar preso diante do comparativamente gigante “Pornografia”, o que o faz parecer muito menos significativo do que realmente é. A verdade muitas vezes ignorada é que este é um dos seus melhores discos e está repleto de clássicos.

Um dos melhores talentos do The Cure é sua habilidade de saltar entre o ritmo otimista e o forte, e as duas primeiras faixas deste disco “The Holy Hour” e “Primary” são exemplos perfeitos disso. A primeira peça é uma dança lenta e sombria extasiada por um baixo grosso e contorcido, guitarra fria e vocais deprimentes. No entanto, é seguido por “Primary”, que é uma aventura pós-punk otimista sobre como sua vida muda depois de se apaixonar. É totalmente diferente da primeira faixa, mas ambas são totalmente The Cure.

Apesar da qualidade do já citado “Primary” e de outros como “Doubt”, são os mais lentos que realmente se destacam. “All Cats Are Grey” é uma peça mais lenta com vocais ecoantes. Musicalmente, não há muita coisa acontecendo além da bateria ambiente e dos vocais deprimentes de Smith. Ele também não canta muito aqui, então você fica apenas com os sintetizadores sussurrantes e ao estilo do vento.

Enquanto esta peça te envolve e te afoga nos sussurros de uma música, ela é seguida por “The Funeral Party”, uma demonstração mais agressiva de miséria. Poderosas cordas de sintetizador conduzem a faixa enquanto Robert Smiths vai de um sussurro suave a um grito poderoso. É como se ele estivesse preso em uma tempestade e gritasse, esperando que alguém o ouvisse, mas sabendo que ninguém o ouviria. “Duas figuras pálidas sofrem em silêncio, atemporais no chão tranquilo, lado a lado na idade e na tristeza”, é a cena que Smith vê à sua frente.

É um ótimo disco. Embora às vezes possa ser um pouco vazio, ele se inclina mais para esse lado do gótico do que para a onda fria dançante que eles entrariam com “Pornografia”. É um registro importante para analisar quando se olha para The Cure. Embora geralmente seja ignorado (como eu disse), vale a pena ouvi-lo e se encaixa em um clima único que muitos de seus outros discos não conseguem encaixar. Embora “Disintegration” seja um candidato ao melhor álbum de todos os tempos, nunca vou parar de ouvir “Faith”.