A “arte” de Yasmina Reza alimenta nosso apetite por argumento como entretenimento

Ainda há algo do antigo conceito de debate? A prática do argumento de boa fé parece mais difícil e difícil de encontrar, mesmo quando o confronto de fé ruim prospera. Todo o processo de debate cívico agora parece trancado em uma pantomima de isca de raiva, seus resultados medidos não em pensamentos produtivos, mas em “métricas de engajamento” registradas por públicos furiosos separados.

O renascimento de “Art” de Yasmina Reza, de 1994 – dirigido na The Music Box por Scott Ellis em uma produção estrelada por James Corden, Neil Patrick Harris e Bobby Cannavale – oferece uma dica sobre como o discurso ficou tão fora de controle. Não acontece muito em “arte”: três amigos burguesos discordam de um gosto e, em vez de falar normalmente sobre isso com uma bebida, eles fazem ataques pessoais cada vez mais selvagens sempre que se encontrarem. Reza, um dramaturgo e romancista parisiense, ganhou um Tony por “Art” em 1998 e outro por seu slugfest ainda mais lento, “God of Carnage”, em 2009. Nessas influentes comedias de insultos, traduzidos da classe francesa By Christopher Hampton, reza satiriza a vapidez e a petição da classe superior-middle; Quanto mais seus personagens correm um para o outro, mais eles parecem fantoches em um show contemporâneo de soco e julgamento.

“Art” foi um marcador de quilômetros na marcha do último quarto de século em direção ao argumento de fé de má-fé como entretenimento popular, que é outra maneira de dizer-não posso rir disso agora. A configuração, pelo menos, é arrumada. Serge (Harris), um dermatologista superficial com bolsos profundos, paga trezentos mil dólares por uma pintura minimalista branca sobre branco. É por um artista, ele diz orgulhosamente, coletado pelo Centro Pompidou, mas quando ele mostra a tela para seu amigo de longa data, o engenheiro aeronáutico Marc (Cannavale), Marc diz que é “merda”. Os dois então texeram seu amigo Yvan (Corden) para sua opinião, talvez porque estejam cansados ​​de ouvi-lo reclamar de seu próximo casamento. Yvan, que recentemente chegou ao negócio de artigos de papelaria, chega ao palco enquanto entrega um monólogo de bravura sobre o drama de invitação de casamento, de longe o momento mais engraçado nesta produção. Ele também une momentaneamente seus amigos brigando: “Por que você se deixa fodido por todas essas mulheres?” Marc pergunta, enquanto Serge assente. Pelo menos Serge e Marc sempre terão misoginia.

O “arte” (o título de Reza foi originalmente destinado a aparecer em aspas) existe como um pretexto fino para as brigas do trio e, portanto, a peça opera em seu próprio nível de abstração leve. Na verdade, não devemos acreditar que as pessoas se comportam dessa maneira. Serge transporta sua supostamente dispendiosa de lona nos bastidores, claramente não está preocupada com o fato de ele ter um quadro de porta. (É um suporte, e Harris o trata como um suporte.) As instruções de estágio de Reza exigem um cenário o mais “despojado e neutro possível”, que o designer, David Rockwell, interpretou como uma antecâmara sarteira cinza e branda. (O inferno está descobrindo o que seus amigos dizem sobre você.) A pintura se torna uma tela metafórica na qual a peça pode projetar sua crítica ao gosto como um significante de identidade, virtude e poder. Marc, por exemplo, sempre acreditou que ele é o cão alfa do trio, mas esse status é ameaçado quando ele não consegue intimidar os outros à submissão. “Você nunca deve deixar seus amigos sem papa”, diz ele. Eles podem formar suas próprias opiniões.

De acordo com um perfil de Judith Thurman nesta revista, Reza terminou “arte” em seis semanas porque escreve “improvisando à medida que eu avança, não pensando muito”. Isso às vezes é aparente. A peça cresce repetitiva, e temos tempo para concluir que, se fosse uma situação real, alguém certamente deixaria uma batalha tão cansativa Royale. Para manter o corpo a corpo, Reza deve jogar continuamente seus personagens um para o outro, como uma caça de galinha empurrando seus pássaros de volta para o ringue. Harris e Cannavale são mais planos e menos confiantes aqui do que eu já os vi. Apenas Corden, cuja última apresentação em Nova York foi no hipercinético Richard Bean Commedia Dell’arte Adaptação “One Man, Two Guvnors”, tem as costeletas de palhaço para realizar o que, em seus ossos, é uma farsa. A certa altura, Yvan decide que ele deveria sair, mas ele não tem certeza se quiser, e Corden o coloca em um giro hilariante indeciso, como se Yvan estivesse preso em uma porta giratória invisível.

Em 1994, Reza estava fazendo Hay a partir da idéia de que não há eu inerente e pré-social que realmente “gosta” de um objeto. Ela estava escrevendo em uma atmosfera intelectual profundamente influenciada pelo crítico literário René Girard, que propôs a teoria do desejo mimético. “O homem é a criatura que não sabe o que desejar, e ele se vira para os outros para se decidir”, observou Girard. No entanto, ela poderia facilmente compor “arte” hoje, olhando para sua página branca sob o brilho duro do Panopticon da Internet. Online, você ouve ecos constantes da suspeita de Marc de que a opinião é apenas mais uma moeda para obter status. Gostar ou não gostar? Talvez você possa dizer que eu não gostei muito de “arte”, mas fiquei intrigado, pelo menos, pelo sentimento de que Reza e sua peça espetacular não se importariam.

Disque o relógio para trás mais cem anos e mais ou menos e encontrará o NE Plus Ultra em usar o teatro como um anel de boxe: Henrik Ibsen, o pai do realismo teatral e o jogo de idéias, que caíram paradigmas adversários em seus dramas para ver o que venceria. Em “A Doll’s House”, ele estabeleceu o dever de uma mulher com a família dela contra as necessidades de seu espírito irrestrito; Em “um inimigo do povo”, ele apresentou o dever de um médico para a saúde pública contra o conforto econômico de uma comunidade. Nessas duas peças bem conhecidas, Ibsen favoreceu os indivíduos sobre a sociedade e, portanto, pensamos nele como o criador de heróis verdadeiros e intransigentes, perfurando a hipocrisia da Noruega do século XIX.

Mas Ibsen nunca se estabeleceu em uma única tese. Em “The Wild Duck”, de 1884, ele fez o personagem verdadeiro e intransigente no monstro da peça. Esse monstro é Gregers Werle (Alexander Hurt), que retorna à sua cidade natal apenas para descobrir que seu amigo de infância, Hjalmar Ekdal (um cômico Nick Westrate), vive no paraíso de um tolo. A esposa de Hjalmar, Gina (Melanie Field), há muito tempo esconde um emaranhado passado com o pai rico de Werle, Håkon (Robert Stanton), cuja revelação destruiria seu casamento. Sua adoradora filha de quatorze anos, Hedvig (Maaike Laanstra-Corn), acredita que seu pai leigo de ser um grande inventor, mas isso também é uma mentira reconfortante. Ibsen aqui pinta um de seus retratos mais bonitos (e estranhos) de uma casa ilusória, mas profundamente amorosa. Dentro de uma sala em seu apartamento, Hjalmar, seu pai (David Patrick Kelly) e Hedvig construíram um simulacro sombrio e sombrio de The Northern Woods para um pato selvagem com uma asa danificada. Este Éden escondido satisfaz todos eles – pelo menos até que os Gregers do Zealot, com a intenção de expor as ilusões de Hjalmar, deslizam.

A produção, dirigida por Simon Godwin de uma versão de David Eldridge, leva um tempo para se encontrar, talvez porque Ibsen despeja uma exposição em uma primeira cena insuportavelmente desajeitada ou porque a peça não apresenta seu coração, Hedvig, por quase meia hora. A criança, é claro, será a pessoa que paga o preço pela verdade de Gregers, enquanto destrói a base do relacionamento de seus pais. O surpreendente Laanstra-Corn não toca Hedvig puramente como inocente; Há algo tão perigoso e emocionalmente lábil em seu rosto chocado quanto nas explosões explosivas de Gregers. No entanto, apenas o público parece ser capaz de ver como a toxicidade dos adultos está se acumulando dentro de sua mente e como – já que ela não odiará seu pai – ela está vindo se odiar.

Os teatros não realizam “The Wild Duck” tanto quanto, digamos, “uma casa de boneca”, talvez porque seja terrivelmente, terrivelmente triste. Para mim, porém, é a mais honesta das peças de Ibsen. Aqui, o grande defensor teatral do argumento da sabedoria admite que o próprio argumento tem ramificações traiçoeiras. O corte e o impulso do debate podem ser facilmente incompreendidos pelos jovens, diz Ibsen – especialmente por aqueles que vêm sua violência.