A retrospectiva de Yoko Ono convida os espectadores a participar de seu mundo radical

© Yoko Ono. Foto de e © Clay Perry

“Acenda um fósforo e observe até que se apague.”

Esse imperativo de nove palavras compreende um dos Yoko Ono’Das primeiras obras de arte maduras, uma “Instrução” digitada em papel comum. Intitulada Lighting Piece e datada de “outono de 1955”, ajudou a iniciar uma prática que, durante o resto do século XX e boa parte do século XXI, giraria em torno do espectador assumir o papel de participante essencial na conclusão de uma obra de arte.

Antes de Sol LeWitt abandonar o ato físico de fazer pinturas em favor de desenhá-las e deixar que outros manuseiem os pincéis, antes de Tino Sehgal criar “Situações Construídas” que existem apenas como encontros entre espectadores e facilitadores, antes de Yayoi Kusama convidar as pessoas a cobrir todas as superfícies de uma sala toda branca com adesivos de cores vivas, havia Ono.

Embora a sua arte tenha sido ofuscada durante mais de meio século pelo seu estatuto de ícone da cultura pop, a artista multidisciplinar de 93 anos tem sido objecto de uma reavaliação crescente nos últimos anos, culminando numa retrospectiva itinerante, Yoko Ono: Music of the Mind, que abriu recentemente naquela que é provavelmente a sua última paragem, o Broad em Los Angeles, e que explora os seus temas de coletividade e conectividade ao longo da vida.

Para as inúmeras multidões que ainda ouvem “Yoko Ono” e pensam “John Lennon”, a exposição é uma revelação. Como Sarah Loyer, curadora e gerente de exposições do Broad, observa sobre a exibição cronológica: “Você não encontra John Lennon até a metade da exposição. Ela fez muito mais de uma década antes de eles se conhecerem.

Tanto, na verdade, que os visitantes podem sair sem perguntar: “Será que Yoko Ono terminou o Beatles?” mas sim, “John Lennon atrapalhou a prática artística de Ono?”

Quando o casal se conheceu – numa exposição de 1966 das suas “Pinturas de Instrução” na Indica Gallery em Londres – Ono tinha-se tornado uma figura chave no Fluxus, um movimento que procurava confundir as linhas entre disciplinas como a música e as artes visuais, bem como entre a arte e a vida. Ela estava totalmente envolvida nas cenas de vanguarda de Nova York e de sua cidade natal, Tóquio.

Seus trabalhos de “Instrução” lançaram as sementes da arte conceitual, e sua arte performática, como a famosa Cut Piece, influenciaria gerações de feministas. Naquela obra de 1964, Ono estava sentada imóvel no palco, com uma tesoura ao lado, enquanto o público se revezava para cortar suas roupas. A maioria cortou pequenos pedaços de sua saia e suéter, mas em uma versão notória em Nova York, preservada em filme, um homem cortou alegremente a parte do torso de sua combinação e depois cortou as alças de seu sutiã, deixando-a passar os braços protetoramente em volta dos seios.

“Ela realmente questiona e incentiva um relacionamento diferente entre o público e o artista desde o início de sua prática”, diz Loyer. “O público não observa passivamente. Eles são participantes ativos, estão implicados no trabalho e as decisões que tomam determinam o rumo da apresentação.”

A retrospectiva, que teve origem na Tate Modern em Londres, leva o título de To the Wesleyan People (1966), de Ono, no qual ela escreveu: “O único som que existe para mim é o som da mente. Meus trabalhos servem apenas para induzir a música da mente nas pessoas.”

Os instintos transgressores de Ono ficam evidentes logo no início da exposição, com Painting to be Stepped On (1960), que, fiel ao seu nome, é um pedaço de tela espalhado no chão como um capacho. “É um compromisso simples – pisar na tela – mas mesmo nisso há um gesto radical”, diz Loyer. “Normalmente você não deveria tocar [an art object]. Isso parece um pouco desviante.

O espectador também é convidado a apertar a mão de um estranho através de um buraco em uma tela e pregar um prego em outra. Uma obra muito mais sombria, produzida décadas após o assassinato de Lennon em 1980, apresenta um painel de vidro perfurado por um buraco de bala; os espectadores podem ficar de qualquer lado, assumindo o ponto de vista do atirador ou da vítima.

Ono também deixou a sua marca como activista pela paz, e o seu humanitarismo está presente em toda a sua obra. Todas as peças do jogo White Chess Set (1966), por exemplo, são da mesma cor, levando os jogadores a confundir quem é quem – e negando a possibilidade de guerra.

Seus trabalhos posteriores, como Wish Trees, em que os espectadores escrevem suas esperanças em etiquetas e as amarram em galhos, e My Mommy Is Beautiful, uma sala onde as pessoas podem afixar pensamentos sobre a maternidade nas quatro paredes, podem parecer enjoativos para alguns, mas Loyer diz que as obras e as contribuições dos frequentadores do museu são mais sutis do que se poderia esperar. Ela também observa o humor de Ono: O teto acima de My Mommy é uma grade de seios e vaginas.

Loyer vê uma ligação entre essas obras e remonta à infância de Ono em Tóquio, quando ela foi evacuada para o campo durante a brutal campanha de bombardeio dos EUA em 1945. “Existe um sentimento partilhado de humanidade que é realmente poderoso”, diz ela. “Ele se baseia na experiência da exposição, desde gestos mais lúdicos até gestos mais contemplativos.”

Ela aponta para Helmets (Pieces of Sky), uma instalação de 2001 de capacetes militares alemães pendurados no teto como baldes e segurando peças de quebra-cabeças que formam imagens dos céus; os espectadores são instruídos a pegar um pedaço. “Claro que é uma metáfora”, diz Loyer. “Isso está nos dizendo que somos todos parte disso juntos, que todos precisamos reparar o mundo coletivamente.”

Apareceu originalmente em Resumo Arquitetônico

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