Barbra Streisand completa 84 anos: 10 papéis que a fizeram brilhar ao longo dos anos

Há carreiras que se desdobram e há aquelas que parecem se recompor com o tempo. Aos 84, Barbara Streisand permanece como uma das raras figuras cuja presença mudou perfeitamente dos palcos da Broadway para os sets de Hollywood sem perder sua voz distinta.

Seu avanço em Garota Engraçada (1968)reprisando seu papel original na Broadway, não apenas a apresentou ao público de cinema – ela lhe rendeu um Oscar de Melhor Atriz e redefiniu a aparência de uma estrela principal na época, desafiando as expectativas da indústria em relação à imagem e ao desempenho.

O que se seguiu não foi uma repetição do sucesso, mas uma expansão do mesmo. Seu trabalho por trás das câmeras em Yentl (1983) marcou um passo histórico – tornando-se a primeira mulher a escrever, produzir, dirigir e estrelar um grande filme de estúdio, ganhando um Globo de Ouro de Melhor Diretor no processo.

Garota Engraçada (1968)

O salto de Barbra Streisand para o cinema com Funny Girl não parecia uma estreia – parecia uma chegada já em andamento. Tendo originado o papel de Fanny Brice na Broadway, ela fez a transição para o cinema com uma autoridade incomum para uma atriz estreante, carregando tanto o peso emocional quanto o ritmo cômico da personagem quase instintivamente.

A atuação lhe rendeu o Oscar de Melhor Atriz, marcando uma das estreias cinematográficas mais icônicas da história de Hollywood e consolidando seu status como uma estrela capaz de remodelar o gênero musical por dentro.

Além do prêmio, Funny Girl se tornou uma marca cultural. Músicas como “Don’t Rain on My Parade” evoluíram para declarações definidoras de sua identidade artística, misturando vulnerabilidade com desafio de uma forma que se tornaria sua assinatura.

O papel também redefiniu o que uma mulher protagonista poderia incorporar na tela – fantasia menos polida, mais força impulsionada pela personalidade – dando o tom para uma carreira baseada em controle, presença e precisão emocional.

Olá, Dolly! (1969)

Chegando apenas um ano após sua descoberta, Olá, Dolly! colocou Streisand dentro de uma luxuosa produção de Gene Kelly projetada para celebrar o clássico espetáculo musical de Hollywood. Ela interpretou Dolly Levi, uma casamenteira espirituosa que navegava no romance e na ambição na Nova York da virada do século.

O filme se baseou fortemente na tradição dos grandes estúdios – grandes cenários, sequências coreografadas e escala teatral destinadas a ecoar a era de ouro dos musicais. No entanto, a recepção marcou uma complexidade inicial na trajetória cinematográfica de Streisand.

Embora seu desempenho vocal e carisma na tela fossem amplamente reconhecidos, o próprio filme tornou-se emblemático da mudança nos gostos do público no final dos anos 1960, quando os musicais tradicionais começavam a perder o domínio cultural.

Ainda assim, sua presença ancorou a produção, e sua interpretação de Dolly reforçou sua imagem como uma performer capaz de comandar até mesmo os ambientes cinematográficos mais extravagantes.

Como éramos (1973)

Em The Way We Were, Streisand mudou-se para um território com camadas mais políticas e emocionais como Katie Morosky, uma ativista apaixonada que navegava no amor e no conflito ideológico na América de meados do século.

Ao lado de Robert Redford, sua personagem se torna um retrato de convicção e contradição – alguém cujos ideais pessoais colidem constantemente com possibilidades românticas. O impacto duradouro do filme deve muito à capacidade de Streisand de ancorar a tensão emocional sem simplificar demais a intensidade do personagem.

A história se desenrola em épocas políticas em constante mudança, mas é a sua atuação que lhe confere coesão, transformando a memória pessoal em algo quase mítico. A música tema, interpretada pela própria Streisand, ampliou o alcance emocional do filme e ajudou a transformá-lo em um dos dramas românticos mais reconhecidos da década.

Nasce uma estrela (1976)

O papel de Streisand como Esther Hoffman em A Star Is Born reformulou uma conhecida narrativa de Hollywood através das lentes da cultura musical dos anos 1970. Tendo como cenário a ascensão do estrelato do rock, o filme acompanha a relação entre um cantor emergente e uma estrela em declínio, interpretada por Kris Kristofferson.

A dinâmica permitiu a Streisand fundir atuação e performance musical de uma forma que poucos papéis em filmes haviam permitido anteriormente. A sua interpretação de Esther centra-se na independência criativa e na resiliência emocional, retratando uma mulher cuja carreira ascende mesmo quando a do seu parceiro declina.

A trilha sonora do filme, especialmente “Evergreen”, que ganhou o Oscar de Melhor Canção Original, reforçou sua dupla identidade como atriz e cantora. O papel acabou por posicioná-la na intersecção de duas indústrias – cinema e música – sem subordinar uma à outra.

E aí, doutor? (1972)

Com What’s Up, Doc?, Streisand entrou na comédia maluca com uma atuação definida pelo timing, caos e imprevisibilidade controlada. No papel de Judy Maxwell, ela conduz a narrativa acelerada do filme sobre identidades trocadas, confusão romântica e comédia física, ao lado de Ryan O’Neal em uma história que ecoa deliberadamente a clássica farsa de Hollywood.

O filme se destaca pela facilidade com que ela navega pela escalada cômica – transformando diálogos rápidos e situações absurdas em um ritmo estruturado em vez de desordem.

Também ajudou a reavivar o interesse pelo gênero maluco durante a década de 1970, provando que seu alcance se estendia muito além de musicais e dramas. Judy Maxwell se tornou uma de suas personas mais dinâmicas na tela, baseada na espontaneidade, mas executada com precisão.

O Príncipe das Marés (1991)

Com O Príncipe das Marés, Streisand mudou para um território mais contido e emocionalmente fundamentado. Ela interpretou a Dra. Susan Lowenstein, uma psiquiatra que trata de um homem que lida com um trauma de infância, interpretada por Nick Nolte.

A história se desenrola por meio de sessões de terapia que expõem gradativamente a dor familiar enterrada, mesclando drama psicológico com estudo íntimo do personagem. O que torna este filme especialmente significativo é o duplo papel de Streisand como atriz principal e diretora.

Sua direção se concentra no ritmo emocional e não no espetáculo, permitindo que o silêncio e o diálogo tenham peso. O filme recebeu várias indicações ao Oscar, incluindo Melhor Filme, e marcou um de seus esforços mais respeitados por trás das câmeras, mostrando sua evolução de performer a autora criativa completa.

O espelho tem duas faces (1996)

Em O espelho tem duas faces, Streisand voltou ao gênero drama romântico com uma história centrada na autoimagem, no amor e na transformação. Ela interpretou Rose Morgan, uma professora de literatura que inicia um casamento baseado mais no companheirismo do que na atração física, ao lado de Jeff Bridges.

O filme explora a insegurança emocional e o idealismo romântico através de uma narrativa deliberadamente estilizada. Como diretor, Streisand transformou o filme em um romance clássico inspirado em Hollywood, enfatizando a clareza emocional e a elegância visual.

Os críticos da época ficaram divididos, mas muitos notaram o forte desempenho do filme e sua ambiciosa tentativa de revisitar a narrativa romântica antiquada através de lentes modernas. Também se destaca como um de seus projetos de direção mais pessoais, refletindo temas recorrentes em sua carreira: identidade, percepção e autoestima.

A Coruja e a Gatinha (1970)

Em A Coruja e a Gatinha, Streisand abraçou a comédia contemporânea, interpretando Doris, uma mulher ousada e franca cuja personalidade caótica esbarra na de um escritor reservado, interpretado por George Segal.

Ao contrário de seus papéis musicais anteriores, este filme se baseou fortemente no humor baseado em diálogos e no realismo urbano, refletindo uma mudança na narrativa de Hollywood da época. A química entre os protagonistas tornou-se a força motriz do filme, que explorou relações improváveis ​​com forte tensão cômica.

A atuação de Streisand se destacou por sua energia improvisada e entrega destemida, provando que ela poderia ir além dos musicais e entrar na comédia romântica moderna com facilidade. O filme se tornou um sucesso comercial e ajudou a expandir sua versatilidade no início de sua carreira no cinema.

Nozes (1987)

Nuts apresentou Streisand em um de seus papéis dramáticos mais intensos como Claudia Draper, uma trabalhadora do sexo de alta classe acusada de matar um cliente. A narrativa se desenrola em grande parte dentro de um tribunal e de um ambiente de avaliação psiquiátrica, onde sua personagem luta para provar sua sanidade e evitar a institucionalização.

O papel exigia volatilidade emocional e pressão dramática sustentada. Streisand também assumiu o controle criativo como produtora, moldando o tom do filme em torno da tensão psicológica e do drama jurídico.

Embora o filme tenha recebido recepção crítica mista, seu desempenho foi amplamente conhecido por sua intensidade e comprometimento. Isso reforçou sua disposição de assumir personagens complexos e muitas vezes desconfortáveis, que desafiam as percepções de feminilidade, poder e controle.

Conheça os pais (2000)

No início dos anos 2000, Barbra Streisand voltou a Hollywood com um tipo de papel muito diferente em Meet the Fockers, a sequência de Meet the Parents. Ela interpretou Roz Focker, a mãe abertamente expressiva e pouco convencional de Greg Focker, juntando-se a um elenco que incluía Robert De Niro, Ben Stiller, Dustin Hoffman e Blythe Danner.

O filme inclinou-se fortemente para o contraste geracional e cultural, com o personagem de Streisand representando uma mudança ousada de tom em relação à dinâmica mais rígida e tradicional da família Byrnes. O que fez sua presença se destacar foi o forte contraste com seus papéis anteriores que definiram sua carreira.

Roz é uma terapeuta sexual, confiante e desinibida, muitas vezes usada como contrapeso cômico à tensão entre as duas famílias. O papel marcou o retorno de Streisand às telonas depois de anos longe de atuar, e a apresentou a uma nova geração de público por meio da comédia convencional, em vez de projetos musicais ou dramáticos de prestígio.

Com o tempo, a performance se tornou uma de suas aparições mais reconhecidas no final de sua carreira, não porque definisse seu auge artístico, mas porque mostrava sua capacidade de mudar completamente de registro.

Em Meet the Fockers, Streisand não estava interpretando mito ou ícone – ela estava interpretando ritmo, timing e caos dentro de uma comédia moderna, provando que sua presença na tela poderia se adaptar até mesmo aos cantos mais comerciais de Hollywood.