Celebridades não podem salvar a ópera. O financiamento público pode.

Timothée Chalamet foi um dos mais comentados Oscar esnobes esta semana. Durante meses, desde o lançamento do filme, os críticos celebraram sua atuação em Marty Supreme como o trabalho de um jovem ator a caminho da grandeza. Chalamet fez todos os possíveis, tanto na promoção do filme quanto na liderança de sua campanha para o Oscar. O filme em si recebeu críticas estelares e arrecadou US$ 180 milhões em todo o mundo, recebendo nove indicações ao Oscar. No entanto, voltou para casa de mãos vazias.

Apesar de tudo isso, a maioria dos comentaristas afirma que Chalamet merece ser desprezado. Não porque ele não tenha sido ótimo no filme, mas por causa de seus comentários recentes sobre ópera e balé.

Chalamet se viu em apuros graças a um agora viral entrevista onde ele brincou que “ninguém se importa mais” com essas duas formas de arte. O incidente agora está sendo citado como mais uma prova de que o jovem ator deixou a fama vá para a cabeça dele.

O comentário provocou uma série de respostas desdentadas de celebridades como Whoopi Goldberg e Nathan Lane bem como reações feridas de pessoas que têm lutado incansavelmente para preservar estas veneráveis ​​tradições.

Muitos golpes em Chalamet focaram em sua incapacidade competir com o puro talento artístico de dançarinos e cantores, enquanto outros insistiam no poder duradouro das artes cênicas clássicas.

Essas objeções perdem o foco. A ópera e o balé estão em verdadeira crise financeira e cultural, e a anêmica celebridade dos cavaleiros brancos pouco faz para expandir seu público.

No entanto, muitos dos críticos de Chalamet ignoram o papel da infra-estrutura pública na vida moderna das artes do espectáculo. Já no século XX, a ópera e a dança preservaram o seu apelo de massa mesmo com o surgimento de novos paradigmas – incluindo o cinema. Especialmente na Europa, fizeram-no com base em ambiciosos programas de propriedade estatal e financiamento público.

A verdadeira questão não é se alguém se importa com ópera e balé – é quem pagará para mantê-los vivos. O que estas formas de arte precisam não é de defensores de celebridades, mas de um compromisso renovado com o tipo de apoio público ambicioso que preservou a sua relevância no século passado.

A polêmica com Chalamet começou em fevereiro, quando o ator sentou-se com Matthew McConaughey durante o Variety & celebridade.land Town Hall. Durante a conversa, McConaughey perguntou a Chalamet se ele temia que o cinema estivesse morrendo como resultado do declínio períodos de atenção.

Chalamet reconheceu a preocupação, dizendo: “Não quero trabalhar com balé ou ópera, ou coisas como: ‘Ei, mantenha essa coisa viva, mesmo que ninguém se importe mais com isso’”.

Com uma risada, ele rapidamente tentou acrescentar uma advertência, comentando: “Todo respeito ao pessoal do balé e da ópera. Acabei de perder quatorze centavos em audiência. Droga, acabei de tirar fotos sem motivo”.

O drama continuou até meados de março, especialmente depois de um Postagem no TikTok ressurgiu uma aparição em 2019 onde Chalamet chamou a ópera e o balé de formas de arte moribundas.

O que separa o panorama artístico europeu do dos EUA é o nível mais elevado de propriedade pública e de financiamento para formas de arte como a ópera e o ballet.

Nas últimas duas semanas, houve uma onda de comentários de celebridades como Jimmy Kimmel, Juliette Binochee Justine Bateman. (Doja Cat também entrou na briga, mas mais tarde retraído seus comentários depois de admitir que nunca tinha visto uma apresentação de balé ou ópera ao vivo.)

Os comentários de Chalamet também suscitaram respostas de instituições e personalidades mundiais das artes cênicas, incluindo atores/dançarinos Zach McNallyex-dançarino principal do American Ballet Theatre Misty Copelande dançarina principal do New York City Ballet Jovani Furlan. O Hawaii Opera Theatre e o Seattle Opera até introduziram códigos de desconto referenciando o incidente, alegando que trouxeram receita adicional devido à polêmica.

A história se tornou uma peça central do recente Oscar. No início de sua monólogo de aberturao apresentador Conan O’Brien brincou: “A segurança está extremamente rígida esta noite. Disseram-me que há preocupações sobre ataques das comunidades de ópera e balé.”

Quando Copeland dançou no palco junto com membros do Pecadores elenco realizando seu golpe “Eu menti para você”, Chalamet tentou fazer as pazes dando-lhe um ovação entusiasmada.

Mas a essa altura, vários artigos de reflexão já estavam em andamento, com um artigo do New York Times artigo de opinião dizendo que a masculinidade tóxica de Chalamet traiu sua promessa anterior de ser um “novo tipo de protagonista”.

Um refrão comum era que o ator não tinha talento para competir contra estrelas da ópera e do balé. A réplica de Furlan, por exemplo, veio acompanhada de um vídeo demonstração de sua técnica impressionante, onde ele se equilibrou em uma bola BOSU, uma clara tentativa de flexibilizar a relativa falta de habilidade física de Chalamet.

Outros críticos apontaram a hipocrisia de Chalamet, visto que ele anteriormente se gabava sobre ter avó, mãe e irmã formada em dança. Como ele afirmou: “Sou como um diagrama de Venn das melhores influências culturais do século XXI e do século XX”.

Outros ainda rejeitaram a premissa básica de que a ópera e o balé eram culturalmente irrelevantes. Ao falar no SXSW na semana passada, o diretor Steven Spielberg insistiu que a magia do cinema e dos concertos também era partilhada pelo ballet e pela ópera. Reconhecendo o riso da multidão, ele comentou: “E queremos que isso seja sustentado. Queremos que isso dure para sempre”.

Certamente, os comentários de Chalamet foram estúpidos. Mas esses argumentos erram o alvo. Como um membro da indústria coloque“Aqueles que fingem indignação podem começar a provar seu apoio postando uma foto do último ingresso que compraram para uma apresentação de balé ou ópera.”

Na verdade, se Spielberg acredita tão fortemente na magia transformadora do teatro musical, nós, fãs de ópera, receberíamos com satisfação a sua adaptação cinematográfica de Parsifal.

Ainda assim, há uma questão mais profunda em jogo. Os comentadores na discussão centraram-se frequentemente no apelo orgânico da ópera e do ballet, nos seus méritos intrínsecos como formas de arte.

Fazer isso ignora o papel do apoio público na promoção do interesse pelas artes performativas clássicas – e como a redução de financiamento tem sido catastrófica para as organizações artísticas.

Os dados são nada menos que alarmantes. UM Estudo de 2025 da ópera dos EUA durante o período de 2005 a 2023 descobriu que as receitas de bilheteria e as doações privadas diminuíram, mesmo com o aumento das despesas administrativas. Os dados da pesquisa coletados pelo National Endowment of the Arts (NEA) também mostram uma declínio precipitado assistiram a apresentações de ópera e balé desde que começaram a coletar dados em 1982.

Uma situação representativa é vista no caso do Metropolitan Opera de Nova York, que publicou seu próprio Chalamet palmas no Instagram. Depois de anos de desafios financeiroso Met começou a esgotar sua dotação, anunciou demissõese disse que estava aberto à venda dos dois icônicos Marc Chagall murais que adornam sua grande escadaria.

Um modelo de financiamento público é o que torna a ópera e o balé acessíveis às pessoas comuns.

Um factor-chave foi o declínio do financiamento público limitado para as artes. A NEA, já em apuros agência de financiamento federal, viu uma nova rodada de desfinanciamento durante a segunda presidência de Trump, colocando em risco organizações artísticas já precárias.

Alguns críticos de Chalamet questionaram a exatidão de sua afirmação, apontando para a popularidade relativa da ópera e do balé na Europa. Certamente estas tradições gozam de mais apoio público, parte do qual pode ser atribuído ao orgulho cívico que rodeia estas formas de arte locais.

No entanto, o que separa o panorama artístico europeu do dos Estados Unidos é o nível mais elevado de propriedade pública e de financiamento para formas de arte como a ópera e o ballet.

Alemanha, um dos maiores países per capita gastadores na cultura, investe dinheiro significativo no subsídio à arte. Muitos dos seus conjuntos mais aclamados, incluindo o Balé Estatal de Berlim e a Ópera Estatal da Baviera, são de propriedade pública. Na verdade, várias dessas instituições alemãs são antigos conjuntos judiciais que foram transformados em entidades públicas após a Revolução Alemã.

Uma situação semelhante é vista na França. Em 2019, antes da compressão de audiência da era COVID, as companhias de ópera francesas receberam mais de duas vezes tanto das suas receitas provenientes de financiamento governamental como da venda de bilhetes.

Este modelo de financiamento público é o que torna a ópera e o balé acessíveis às pessoas comuns. Graças ao apoio público, a Ópera de Paris (fundada em 1669 por Luís XIV) é capaz de oferecer ingressos tão baratos quanto 10€, incluindo bilhetes com grandes descontos para jovens, idosos e desempregados.

São estes tipos de disposições e modelos institucionais que são decisivos para impulsionar o envolvimento público – e terão de fazer parte de qualquer esforço para salvar a ópera e o ballet de uma hipotética morte futura.

No final das contas, o interesse pelas artes cênicas não tem a ver com puro apelo intrínseco. E o seu destino não será selado pelos comentários de Chalamet ou pelas heróicas intervenções mediáticas dos seus críticos.

A cultura é definida por valores partilhados e pelas instituições que tornam a arte acessível às pessoas comuns. Quer as formas de arte vivam ou morram é uma escolha colectiva e não deve ser deixada aos caprichos do mercado.

Esta é, na verdade, uma lição que foi exposta em 2019, quando Emmanuel Macron ameaçou retirar as pensões dos músicos e dançarinos da Ópera de Paris – um sistema de apoio que também começou sob Luís XIV. Esses artistas foram em greve com outros trabalhadores do sector público, lutando para preservar o seu património cultural e os seus direitos como trabalhadores. No final, eles venceram.

Aqueles de nós interessados ​​em salvar as artes do espectáculo fariam bem em liderar esta lição, reconhecendo o nosso interesse comum com os trabalhadores – como trabalhadores e consumidores de arte.