Como Sanju Surendran equilibra amor, luta e realismo em ‘If on a Winter’s Night’

Sanju Surendran é um daqueles cineastas que remodelam silenciosamente a forma como olhamos o mundo. Seu último filme, Se numa Noite de Inverno, move-se com um ritmo calmo, quase frágil, mas contém o peso da luta cotidiana, do amor jovem e das vidas incertas que as pessoas constroem em uma cidade que nunca para de mudar. O que mais me impressionou ao conversar com ele foi a honestidade com que ele aborda seu ofício. Nada é exagerado, nada é romantizado. A ternura em seu filme – aqueles pequenos momentos de canto, riso e silêncio – fica bem ao lado da realidade da precariedade, e ele permite que ambos existam sem forçar o significado.

Em conversa exclusiva com a TV SQUAD, Sanju falou abertamente sobre os desafios de moldar o filme na edição, a confiança que construiu com seus atores e a orientação atenciosa que recebeu de Payal Kapadia. Ele também refletiu sobre a emoção de vencer em Busan e a luta contínua para levar o cinema independente ao público. Acima de tudo, ele falou sobre o cinema como uma exploração – que só permanece viva quando ele ousa correr riscos.

O filme captura lindamente momentos de resiliência – como o casal cantando em malaiala ou rindo em seu quartinho. Como você equilibrou esses momentos de ternura com a narrativa mais ampla da precariedade, sem romantizar a pobreza ou a luta?

Sanju: Eu não queria porque quando vejo alguns filmes sobre Delhi – ou certos filmes – podemos ver que a pobreza foi usada como uma espécie de narrativa, você sabe, eu diria um tipo de coisa poderosa. Mas eu… mas havia maneiras de navegar nisso. Eu diria que pensei que, como quando se trata de um jovem casal em Delhi, eles teriam acesso ao Mercado Sarojini, onde conseguiriam roupas baratas, mas elegantes. Então, com um pouco de design e para que eles pudessem realmente ficar bonitos. No sentido de que gosto de digressões no cinema, sabe. Então, junto com a narrativa ampla, essas digressões, na verdade, eu gosto muito, mas é muito difícil equilibrar a coisa toda – a narrativa principal e as digressões – para fazer com que as duas se movam perfeitamente.

Então, assim como na mesa de edição, trabalhamos muito. Eu diria que levamos muito tempo para editar o filme. Durante as filmagens, nós… tivemos uma quantidade enorme de filmagens. Foi muito difícil para o montador conseguir essa forma do filme, sabe, porque eu sinto que subtração é criação, sabe. Então eu era um editor muito impiedoso. Tive que cortar muitas coisas para conseguir o ritmo correto. Com a personagem de Gopika, tivemos cerca de três ou quatro casos em que ela conseguiu encontros online, e eles chegaram a um lugar e tiveram um encontro. Então, tudo isso nós tivemos que tirar. Temos que equilibrar isso e, na mesa de edição, poderíamos encontrar um bom ritmo para isso. A edição foi muito difícil. Na verdade, parece um filme muito simples de fazer, de assistir, mas na verdade foi muito difícil. Primeiro de tudo, filmar em Delhi foi muito difícil, você sabe. Delhi é muito difícil de filmar, conseguir permissão ou lidar com as coisas, mas felizmente conseguimos um espaço muito legal na Niv Art, e todos nós estávamos lá, e você sabe, a equipe foi muito forte, muito solidária. Então poderíamos conseguir.

Sabe, demorou muito para conseguir a edição, o ritmo correto, porque tínhamos muitas filmagens e tudo parecia muito bom. Então não sabemos onde cortar, assim.

Com tanto material de alta qualidade, a decisão do que cortar deve ser angustiante. Qual é o seu processo específico para filtrar essa filmagem? Você prioriza o impulso narrativo em detrimento da beleza visual ou é um ritmo mais intuitivo que você está perseguindo?

Sanju: Então, Praveen MK foi o editor do filme. Hum, então temos, eu diria, um bom relacionamento, você sabe. Então ele realmente fazia um primeiro corte ou coisas assim, e eu realmente olhava para isso e via como trabalhar nisso ou, você sabe, tentava ver o que funciona ou o que não funciona. Sinto que, digamos, sequenciamento é poder – a forma como as sequências são organizadas. É como as cores, você sabe. No sentido de que se você tivesse vermelho com verde, daria uma sensação. Ao mesmo tempo, vermelho com branco daria um toque diferente. Então isso é o mesmo que sequenciamento, você sabe. Então você tem que colocar esse sequenciamento na ordem correta, para que todas as sequências estejam lá. Então eu estava apenas olhando principalmente para a estrutura ampla do filme, como estruturá-lo. Além disso, essas tomadas, a duração das tomadas, como fazer isso, o que, você sabe, planejar. Porque algumas cenas, mesmo lindas, podem não combinar com a narrativa, e tivemos que retirá-las sem piedade, sabe.

Os seus atores, Bhanu Priyamvada e Roshan Abdul Rahoof, operam num registo bastante naturalista. Qual foi o seu processo de preparação para performances que dependem tanto do silêncio, das pausas e do peso emocional tácito?

Sanju: Foi um processo muito interessante. Depois do instituto, durante muito tempo, não trabalhei com atores; Eu estava fazendo principalmente filmes, animações ou documentários exclusivos. Mais tarde, voltei ao instituto para fazer um curta chamado Garass, onde fomos convidados a trabalhar com um lindo grupo de cinco atores. Traduzi uma história em malaiala para o inglês e ensaiamos com eles para conhecer o filme. Isso me deu uma visão profunda sobre como trabalhar com atores. Normalmente os cineastas são obcecados pela imagem e pela composição, por isso tendemos a esquecer que os atores são muito importantes. Você tem que conquistar a confiança deles e dar-lhes uma plataforma para atuar. Roshan embarcou cedo, então fizemos um pequeno workshop só para conhecer o personagem. Com Bhanu foi diferente. Fizemos testes com muitas atrizes, mas a maioria desistiu – algumas conseguiram séries na web, outras acharam que as cenas de intimidade eram demais. Bhanu chegou no último minuto, mas foi muito rápida em entender o roteiro.

Roshan e Bhanu tiveram uma ótima química. Filmamos primeiro os exteriores – foi mais uma filmagem de guerrilha, o que acho que os ajudou a construir uma amizade. Quando chegamos às cenas interiores, que eram muito mais difíceis devido à intimidade, eles estavam muito maduros e entregaram resultados fantásticos. Eu queria que a câmera fosse não intrusiva, muito tátil e fluida, capturando tudo em movimento. Depois houve Aarathi, que interpretou Gopika. Ela estudou design de som em Whistling Woods. Ela é uma personagem muito interessante. Às vezes você não conhece o poder do ator durante a filmagem, mas depois vê esse enigma ou presença que ele permite na tela. Muitas pessoas disseram que ela era simplesmente fantástica. E finalmente, Jithesh. Seu segmento é muito sutil, discreto e bonito. Ele foi meu aluno no Instituto KR Narayanan, então esteve lá durante as filmagens. Isso ajudou a criar uma amizade geral entre todos esses personagens que vieram de origens diferentes, e essa conexão se traduziu na tela.

Com a entrada de Payal Kapadia como produtor, você adicionou um peso pesado do cinema independente à sua equipe. De que forma sua orientação ou feedback alteraram tangivelmente o filme? Houve momentos específicos em que o conselho dela conduziu a narrativa para uma nova direção?

Sanju: Sim, exatamente. Assim que a versão preliminar do filme foi concluída, mostramos uma tela para Payal Kapadia e tivemos uma longa reunião online. Ela simplesmente adorou o filme e deu muitas sugestões; foi uma conversa muito interessante. Estávamos encontrando maneiras de colaborar e Payal sugeriu ingressar como produtor executivo. Foi muito gentil da parte dela e deu ao filme todo um tipo diferente de energia. As sugestões de Paayal são muito interessantes – ela tem observações muito clínicas sobre cinema.

A batida final na porta é uma das imagens mais perturbadoras do filme. Recusa o encerramento. Como você chegou a esse final e que emoções ou ideias você esperava que esse momento aberto deixasse no público?

Sanju: Acho que este mundo é um mundo muito louco, muito louco. Não há um encerramento adequado para muitas coisas. Principalmente na vida contemporânea de hoje, tudo é muito aleatório, caótico, imprevisível e louco. Eu queria trazer um pouco dessa loucura para o filme. Eu queria saber como terminar isso. A certa altura, consideramos uma resolução adequada, mas essa ideia sempre esteve em minha mente, mesmo durante a escrita do roteiro – não apenas deixá-la passar, mas mostrá-la como uma espécie de ciclo, como se estivesse acontecendo tudo de novo. Durante a filmagem principal, não pudemos filmar esta última sequência. Mais tarde, tínhamos outra programação em Kerala, onde filmamos essa parte. No final das contas, acho que foi apenas para trazer um pouco da loucura da vida para o filme. Isso é tudo que eu pretendia.

Vencer em Busan é uma validação enorme, mas a realidade do mercado está muitas vezes desligada da aclamação da crítica. Você sentiu uma mudança imediata na forma como os distribuidores ou a indústria perceberam o filme após a premiação, ou a luta para garantir um lançamento nos cinemas continuou sendo uma batalha difícil?

Sanju: Estou tentando encontrar um distribuidor para o filme, mas é muito difícil. O principal desafio é encontrar um público ou canal adequado para distribuição. Atualmente estou tentando descobrir uma maneira de me conectar com as pessoas certas. Dito isto, o Festival de Cinema de Busan apoia enormemente o cinema independente. Recebemos o Asian Cinema Fund para pós-produção, para que pudéssemos concluir o filme em Seul. Foi uma experiência linda. Nosso classificador de cores trabalha com nomes como Christopher Doyle, e eles pensam de maneira muito diferente: eles se concentram fortemente na textura e na cor da moldura. A sensação invernal do filme é tudo graças a ele. Também fizemos a mixagem final do som lá. Acabou sendo cerca de 3 decibéis abaixo de uma mixagem normal. Não percebemos isso no início, mas aquela mistura suave acabou sendo muito eficaz. Colaborar com diferentes pessoas através deste fundo ajudou muito o filme. Embora a distribuição seja um desafio, hoje em dia estão sendo lançados muitos filmes independentes, o que é muito bom.

Finalmente, o que você espera que os jovens cineastas e estudantes de cinema tirem de If on a Winter’s Night, especialmente em termos de como o cinema pode representar a precariedade, a intimidade e o cotidiano sem se apoiar no espetáculo ou na estrutura dramática convencional?

Sanju: Para mim, todo filme é uma aventura porque estamos constantemente tentando explorar coisas novas. Meu primeiro filme, Aedan, teve uma sensação totalmente diferente – foi rodado em Kerala. Este filme foi rodado em Delhi; é mais urbano e trata das relações contemporâneas. A cada filme tento não me imitar. Quero explorar algo novo e arriscar na narrativa para que um novo tipo de cinema seja produzido. Essas são as ideias que impulsionam meu cinema. Só espero que as pessoas recebam o filme com o espírito correto.

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