Crítica do C2C Festival New York 2026: Avant-Pop Showcase retorna ao Knockdown Center no Queens

Sexta-feira, o Club 2 Club Festival voltou a Nova York pelo segundo ano consecutivo. Fundado em Turim em 2002, o festival de música se aventurou na América do Norte com um evento de um dia no Knockdown Center, no Queens, na primavera passada, reprisado este ano no mesmo local, antes da edição do 25º aniversário do principal evento italiano do C2C neste outono.

C2C se autodenomina uma vitrine tanto de formadores de opinião estabelecidos quanto de favoritos emergentes da crítica no reino do pop experimental e da música club. Esses marcadores de gênero, é claro, já são tênues, como a maioria dos marcadores de gênero – não sei a quais clubes as pessoas vão, onde os DJs tocam Elias Rønnenfelt e Los Thuthanaka – mas a imprecisão de termos como “avant-pop” (que C2C usa em sua cópia promocional) não deixa sua formação parecendo vaga ou incoesa. Em vez disso, confere ao festival uma nota de expansão curatorial. Além disso, sei que sou tendencioso, mas se um efeito colateral é que o festival parece um acampamento de verão de críticos musicais, estou bem com isso, especialmente em comparação com o acampamento de verão de influenciadores, que parece ser a vibração padrão dos festivais contemporâneos de música de alto orçamento.

Não creio que alguém pensaria em descrever o Titanic – o projeto colaborativo guatemalteco-venezuelano da vocalista e violoncelista Mabe Fratti e do guitarrista I. La Catolica – como club music. Mas quando cheguei para o show deles (o primeiro da noite), a atmosfera era nebulosa, sombria e parecida com uma pista de dança, as pessoas balançando ao som da rocha muscular no pátio de concreto, iluminado por luzes roxas.

Tecnicamente, este não foi meu primeiro evento C2C do dia. Naquela tarde, parei na principal estação de rádio independente do Brooklyn, a Lot Radio, onde a C2C assumiu o controle das ondas com DJs de vários artistas de sua programação. Mas quando cheguei, no meio da aquisição, o Lot estava suspeitamente morto – talvez devido aos sublinhados pop-up que o DJ estava prestes a começar a apenas algumas paradas do trem L de distância, e por isso abandonei rapidamente o Lot, colocando um alfinete no C2C até a noite.

No momento em que me deparei com a barricada do palco das “ruínas” do Knockdown, cujo nome vem das estruturas de laje de concreto parcialmente cobertas que o cercam, o céu começou a escurecer. Fiquei chocado com a vastidão do som ao vivo do Titanic, como as faixas são HAGEN – um álbum denso e empilhado – parecia se desfazer no palco, balançando mais forte do que suas emocionantes, mas simplificadas, interpretações gravadas. A voz de Fratti elevou-se e reverberou pelas ruínas; com que rapidez ela conseguia transformar seu violoncelo dedilhado e percussivo. Nas versões ao vivo de faixas como “Lágrima del sol” e “Gotera”, suas cordas e as de I. La Catolica se fundiram de uma maneira que penetra em seu coração e faz tremer cada veia.

Seguiu-se o set de Elias Rønnenfelt. Embora eu tenha gostado do trabalho solo do artista dinamarquês no passado – particularmente do álbum do ano passado, Fale Adagase seu single único produzido por Dean Blunt e Vegyn, “rasgos em seus anéis e correntes” – sempre preferi seu trabalho com Iceage, e presumi que um set de Rønnenfelt sem Iceage poderia ser mais suave do que as estridentes performances ao vivo da banda punk. Basta dizer que me provaram maravilhosamente errado. Quase todas as músicas da discografia de Rønnenfelt, que é notavelmente mais tonta e folclórica do que seu trabalho em Iceage, foram lançadas na velocidade 1,5 ou mais rápida ao vivo, resultando em algumas interpretações selvagens de “USA Baby”, “Mona Lisa” e “Blunt Force Trauma”. Independentemente do projeto, a presença de palco de Rønnenfelt é maníaca, tátil e imprevisível. Sua voz e cordas estalam como faíscas de fogo, nunca assumindo a mesma forma duas vezes.

Os headfuck-punks locais YHWH Nailgun fecharam o palco ao ar livre com um set de 11 minutos – sim, você leu certo. Eu parei no “Champagne Room” do Knockdown Center antes do show para aproveitar o open bar prestes a fechar, lembrei que um amigo me avisou sobre o microset de YHWH e prontamente voltei para as ruínas para ter os únicos tímpanos que Deus me deu martelados por quase 10 minutos de material YHWH inteiramente novo.

O novo material provou ser ainda mais contundente e arrítmico do que o de 2025 45 librasum disco que adorei pela forma como ultrapassa os limites da dançabilidade e pelo que é um “gancho”. Como uma banda ao vivo, YHWH está em incrível sintonia entre si, exibindo uma certa cacofonia e caos que só vem de uma precisão imensa e aparentemente contra-intuitiva. Quando Zach Borzone e companhia deixaram o palco, ouvi algumas pessoas na plateia se perguntando em voz alta se poderiam voltar para um encore e tocar algumas músicas antigas. Infelizmente, não houve encore. Quando disseram 11 minutos, queriam dizer 11 minutos limpos, nem um segundo a mais.

Quando a parte das ruínas do festival chegou ao fim, meus amigos e eu migramos para dentro de casa para assistir a um set da produtora eletrônica inglesa Aya, uma artista cuja música eu me conectei mais em um ambiente ao vivo (e isso não é só porque eu não consigo olhar para o Enfeitiçado! arte do álbum sem sentir que vou vomitar). De certa forma, sua sonoridade industrial é ainda mais abrasiva em um ambiente ao vivo, incorporando seus ganchos sob a pele. Em seus registros, a sensação de pavor é crescente; ao vivo, já chegou.

Eu perdi a noção do tempo vagando pelo pátio e conversando com amigos (de novo, acampamento de verão de crítico musical), o que infelizmente me fez perder quase todo o set de Avalon Emerson – uma pena, já que o último álbum do cantor, compositor, produtor e DJ nova-iorquino, Escrito em mudançasé um trabalho verdadeiramente adorável de dreampop terreno. Eu estava, no entanto, na barricada de Los Thuthanaka, a dupla de irmãos de Chuquimamani Condori e Joshua Chuquimia-Crampton, que se tornou uma das histórias de sucesso crítico mais inovadoras de 2025 com seu álbum autointitulado e não masterizado.

Eu tinha visto Los Thuthanaka ao vivo no final do ano passado, o que realmente solidificou sua magia para mim. Há algo na música deles que parece indescritível da mesma forma que o próprio tempo é. Como você explicaria como é passar uma hora, um dia ou um mês? Da mesma forma, sempre que vejo Los Thuthanaka ao vivo, acho fácil me juntar a eles tocando o que parece ser o mesmo riff repetidas vezes, imutável no momento, apenas para sentir que, em sua repetição, tudo mudou. É a música que te deixa em transe e te faz pensar como você chegou quase exatamente onde começou.

Antes do C2C, a primeira vez que vi Nourished by Time foi há quase três anos, no extinto Pitchfork Music Festival. Após o lançamento de seu disco de 2023 Probiótico Erótico 2o artista de Baltimore tocou um set no início da tarde que parecia singular, quase chique, mas também me pareceu um sinal de seu poder de estrela em ascensão. Assistindo Marcus Brown abrir um festival, pude imaginar um futuro onde ele os fecharia. Avancemos para a última sexta-feira, o palco principal do Knockdown Center depois da meia-noite, e seu R&B retro-futurista encheu o local cavernoso, lançando seu som brilhante por toda a multidão como os pontos lançados por uma bola de discoteca. Ele abriu com o soco duplo de “Automatic Love” e “Idiot In The Park”, duas das minhas favoritas do ano passado. Os Apaixonados. No entanto, o verdadeiro momento de círculo completo para mim foi “Shed That Fear”, a música que primeiro me fez apaixonar pela música de Brown. Seu refrão e baixo estrondoso pareciam estar tocando em um alto-falante dentro da minha cabeça; se eu fechasse os olhos, a sala se tornaria uma discoteca silenciosa e de fazer tremer o cérebro.

Descer do alto do set transcendente de Nourished By Time não foi fácil. A essa altura, já passava da meia-noite e eu estava de pé há quase 12 horas, cheio de adrenalina, tequila de pêssego, toranja, Redbulls e baforadas do vaporizador de um amigo que foi comprado do atendente do banheiro por US $ 20 e tinha gosto de alguém que chupou uma melancia Jolly Rancher e depois cuspiu na sua boca. Morto como estava, eu estava determinado a assistir ao show de Arca como atração principal. Sua introdução instrumental foi quase tão longa quanto toda a performance de YHWH Nailgun – linhas de baixo guturais e quebradiças rolando pela sala como uma tempestade se formando. Foi uma introdução merecidamente estridente para o pioneiro eletrônico experimental venezuelano, cuja presença no palco é tão arrebatadora quanto eu esperava.

“Boa noite, Nova York!” ela gritou, com o que só posso presumir que foi uma piscadela. “Eu amo vocês, divirtam-se!” Na sua deixa, as luzes da casa diminuíram e a sala ficou pontilhada com colunas de holofotes roxos e uma batida nociva rompeu a multidão, textural e variando em pressão. O clima do set de Arca pode mudar de “rave de fábrica abandonada” para “semana de moda em cavernas de morcegos” e “e se houvesse uma casa mal-assombrada no clube?” — um verdadeiro encapsulamento da maleabilidade musical do festival. Seu set, indicativo de toda a experiência C2C, foi um lembrete de que a música pop pode ser o que você quiser.