Filmes dos anos 70 que todo mundo precisa assistir pelo menos uma vez

A década de 1970 foi uma época de turbulência e transformação no cinema. Dado o estado do mundo, como poderiam não ser? Os Estados Unidos estavam a desestabilizar diligentemente o mundo, travando uma guerra inútil no Vietname e apoiando ditadores em países como o Chile e o Irão. O escândalo Watergate tirou o presidente Richard M. Nixon do cargo. Houve uma crise energética. Elvis Presley morreu.

Houve também uma troca de guarda cinematográfica em andamento. Os maestros da era de ouro de Hollywood estavam passando o bastão para novos talentos ousados, como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese e Steven Spielberg, enquanto os espectadores que foram criados no meio de amadurecimento estavam famintos por entretenimento que destruísse as convenções. Isso significou que houve, ainda que brevemente, espaço para diretores convencionais e dissidentes. Este último venceu, é claro, mas conseguimos alguns filmes inacreditavelmente excelentes.

Você já conhece os imperdíveis: “O Poderoso Chefão”, “Tubarão”, “Motorista de Táxi”, “Rede”, “O Exorcista” e assim por diante. Mas se você está curioso sobre esta época, há muitas joias que são tão essenciais quanto os clássicos mencionados. Esses filmes são 100% dirigidos pelo autor; eles resistem às fórmulas estabelecidas para explorar os tipos de histórias excêntricas e personagens idiossincráticos que Hollywood normalmente ignora. Eu poderia recitar recomendações o dia todo, mas aqui estão cinco filmes desta década tumultuada que você precisa em sua vida.

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Espantalho (1973)

Al Pacino como Leão pega carona com Gene Hackman como Max em Espantalho – Warner Bros.

Al Pacino e Gene Hackman trabalharam juntos apenas uma vez (e, de acordo com o primeiro, dadas as abordagens muito diferentes em seu ofício, não foi uma experiência fácil), mas eles fizeram sua única colaboração contar na história desgrenhada de Jerry Schatzberg sobre dois vagabundos temperamentalmente opostos indo da Califórnia para Pittsburgh, onde esperam iniciar um negócio de lavagem de carros. O leão barulhento de Pacino inicialmente irrita Max de Hackman, mas ele é gradualmente conquistado pelo idiota insinuante, ele próprio determinado a reiniciar sua vida com sua esposa e seu filho de cinco anos (de quem ele foi separado enquanto trabalhava como marinheiro).

Nada sai como planejado. Os dois acabam em um campo de trabalho prisional por um mês, o que muda drasticamente a dinâmica de seu relacionamento. Quanto mais tempo passamos com Lion, mais suspeitamos que ele não está sendo honesto sobre suas circunstâncias. Max finalmente percebe que Lion estaria perdido sem ele e baixa a guarda severa como um meio de levar seu frágil amigo recém-descoberto para Pittsburgh o mais próximo possível.

O filme é um eco fascinante e despojado de A provocação de Dennis Hopper em Nova Hollywood, “Easy Rider”; Max e Lion estão percorrendo o país em estilo zero, em busca de uma fatia modesta do sonho americano. Eles não são acompanhados por uma trilha sonora carregada de banger, nem pretendem alterar sua consciência com drogas alucinógenas. Schatzberg e o diretor de fotografia Vilmos Zsigmond colocam os personagens em um local decadente após o outro, deixando-nos imaginando como qualquer um desses desajustados encontrará seu lugar. O roteiro melancólico de Garry Michael White não oferece muita esperança, mas dá a dois dos maiores atores de todos os tempos amplo espaço para encarnar dois homens esquecidos.

Oi, mãe (1970)

Robert De Niro sorri como Jon Ruben em Hi, Mom – MGM

Antes de Brian De Palma se tornar um fornecedor de cinema puro com obras-primas como “Sisters”, “Carrie” e “The Fury” (todas obrigatórias para visualização na década de 1970), ele apareceu como um satírico lançador de bombas com a dupla indisciplinada de “Greetings” e “Hi, Mom!” Ambos os filmes baseados em vinhetas apresentam Robert De Niro antes do estrelato como o cineasta experimental Jon Ruben, um voyeur ultra-assustador que, no último filme, desajeitadamente tenta fazer um filme pornográfico. Mas enquanto “Oi, mãe!” foi presciente ao antecipar a tendência do cinema adulto que tomaria conta do país dois anos depois com o lançamento de “Garganta Profunda”, o filme ganha vida quando Ruben se junta a uma trupe de teatro negro trabalhando em uma produção teatral de guerrilha chamada “Be Black, Baby!”

Quando vi “Oi, mãe!” numa retrospetiva de De Palma, há 24 anos, este segmento, em que os atores negros vestem rosto branco e obrigam os espectadores brancos a usar rosto preto, foi recebido com espanto. Mostrei este filme a amigos e conhecidos várias vezes ao longo dos anos e a reação é sempre a mesma. A atuação da trupe torna-se agressiva; eles pretendem traumatizar seu público branco de uma forma que salta com vara. De Palma aumenta a intensidade a um grau insuportável até que, finalmente, ficamos com uma piada causticamente hilariante. Enquanto a maioria dos cineastas brancos estava fazendo besteiras autocongratulatórias, do tipo “nós resolvemos o racismo”, no molde “Adivinhe quem vem para o jantar”, De Palma foi nuclear nessa mentalidade ingênua. Infelizmente, “Seja negro, baby!” bate com a mesma força hoje. É uma experiência escaldante.

Uma Mulher Sob a Influência (1974)

Gena Rowlands levanta os calcanhares e fuma um cigarro como Mabel em A Woman Under the Influence – Faces Distribution

“Uma Mulher Sob a Influência”, de John Cassavetes, não é uma joia subestimada, mas tenho a sensação de que é um filme que a maioria das pessoas evitou devido à sua duração de 147 minutos e à reputação de ser uma representação angustiante de doenças mentais. Querido Deus, arrisque-se. A interpretação de Mabel por Gena Rowlandsa esposa do estúpido capataz de construção Nick (Peter Falk), vai deixar seu coração em chamas. Você experimentará uma gama de emoções que não são acessíveis a nós, meros mortais não-Rowlands. E isso ocorre porque Cassavetes e Rowlands, marido e mulher na vida real, estão se comunicando diretamente, lidando com a merda e enfrentando o amor verdadeiro como uma fuga de instabilidade.

Até a extravagante deixa musical final, “A Woman Under the Influence” soa como um estudo sobre o desastre conjugal. Mabel está perdendo o contato com a realidade, e parece que Nick, o tipo de idiota que, depois de perder um encontro noturno com a esposa, traz toda a sua equipe de trabalho para casa pela manhã para um jantar de espaguete. Mabel é extremamente complacente, mas também é sedutora, o que irrita Nick. Ela está em uma espiral, mas até que ponto Nick é responsável por isso? Essa tensão aumenta cada vez mais até explodir em um momento em que a iluminação parece piscar em resposta às performances sobrecarregadas de Rowlands e Falk. Rowlands nunca foi melhor, mas, novamente, nenhum ator realmente foi melhor. Quer testemunhar uma atuação vulcanicamente excelente? Assista “Uma mulher sob a influência”.

Corte Principal (1972)

Gene Hackman como Mary Ann enfrenta Lee Marvin como Nick Devlin em Prime Cut – Paramount Pictures

Depois de fazer sua estreia na direção em 1969 com o temperamental filme de esqui “Downhill Racer”, Michael Ritchie entrou na década de 1970 com uma série de clássicos díspares. Ele compartilhou a abordagem chapada e hesitante de Robert Altman à comédia com “Smile” e “The Bad News Bears”, mas também era um satirista perspicaz, como evidenciado por “The Candidate”, liderado por Robert Redford. Se você nunca viu esses filmes, vá logo. E quando você os tiver eliminado da fila, mime-se com “Prime Cut”, de 1972, um filme policial sui generis que mostra o mafioso Nick Devlin (Lee Marvin) enfrentando um açougueiro sádico chamado Mary Ann (Gene Hackman).

Quanto menos você souber sobre o lançamento do “Prime Cut”, melhor. Foi o primeiro filme de Hackman depois de ganhar o Oscar de Melhor Ator por “The French Connection” e, através da dupla de Marvin, provavelmente teve apelo comercial para a Paramount. Infelizmente, o filme foi um fracasso e rapidamente se tornou uma nota de rodapé nas filmografias de todos os envolvidos. Surpreendentemente, apesar de sua estranheza convincente (Mary Ann tem uma queda por transformar seus inimigos em salsicha) e sequências de ação fantásticas (incluindo uma perseguição que Buzz Kulik descaradamente roubou Último filme de Steve McQueen, “O Caçador”), não adquiriu muitos seguidores cult nos últimos 53 anos. É um filme sensacional que merece melhor.

Martinho (1977)

John Amplas enquanto Martin Mathias se prepara para drogar sua próxima vítima em Martin – Libra Films

George A. Romero é o padrinho indiscutível do filme de zumbimas seu melhor trabalho como cineasta é o filme de vampiro mais inventivo que você já viu. Feito por insignificantes US$ 250 mil em Pittsburgh, “Martin” é estrelado por John Amplas como um jovem que droga e estupra mulheres antes de se banquetear com seu sangue. Martin é um verdadeiro vampiro ou um psicopata? O primo católico lituano de Martin, Tata Cuda (Lincoln Maazel), acredita que sim e dá ao jovem problemático alojamento e alimentação para ficar de olho nele, prometendo que se Martin matar alguém em seu subúrbio de Pittsburgh, ele irá cravar uma estaca em seu coração.

Romero fez este filme um ano antes de marcar uma bonança de bilheteria com “Dawn of the Dead”, e marcou o fim de uma série cativante e desconexa de filmes de terror inebriantes que incluíam “Season of the Witch” e “The Crazies”. Há uma desprezibilidade siderúrgica em “Martin” que penetra em seus ossos; tudo parece barato e sujo, e essa estética é ainda mais degradada pela abordagem grosseira de Martin ao vampirismo. Há uma sensação de doença predominante e de revirar o estômago pairando sobre o filme. E há o vício de Martin no rádio: todas as noites, ele liga para um show de DJ local para compartilhar sua mania. O apresentador o chama de “O Conde” e o transforma em uma celebridade cult. Romero atinge muitas bases com “Martin”.

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Leia o artigo original no SlashFilm.