No Festival de Stratford, uma ‘Annie’ invertida e o hilariante ‘Dirty Rotten Scoundrels’

Quando cheguei ao Festival de Stratford, em Ontário, este ano, havia neve no chão e guirlandas nas portas.

No final de setembro.

Mas não foi por causa da geada prematura do Canadá e da exuberante alegria do feriado. Não, um filme de Natal estava sendo filmado na encantadora cidade que possui encenações excepcionais de Shakespeare, peças modernas e musicais a cerca de 90 minutos de Toronto.

“Feliz Natal!”, cumprimentou-me um garçom do restaurante. Ah, Canadá.

Durante esta temporada extraordinariamente longa na instituição teatral de 72 anos, porém, o público provavelmente testemunhará algumas agitações reais eventualmente.

O renascimento de “Annie” no venerável festival acontece até dezembro – uma das temporadas mais longas de primavera e verão de Stratford. Então o sol vai sair amanhã, embora por menos horas.

Dirigida por Donna Feore, a rainha dos musicais de Stratford, a alegre produção que vai até 14 de dezembro encontra um equilíbrio vencedor entre nostalgia e novidade.

As crianças de hoje continuam a desejar a Annie (a inocente Harper Rae Asch) e sua vida difícil, mas elas não têm ideia de que alguma vez foi uma história em quadrinhos. Ou, por falar nisso, o que é uma história em quadrinhos. Todo avivamento tem que lidar com o fato de que a trama da pobreza à riqueza, cada vez mais bizarra, é fundamentalmente bidimensional.

A versão simpática de Feore ocupa um meio-termo confortável.

Os trajes e perucas, muitas vezes de desenho animado, são mais realistas e desgastados; menos cereja Starburst.

No entanto, é importante que não seja tão sombrio como alguns revivals recentes do programa de Charles Strouse, Thomas Meehan e Martin Charnin foram. Como pode ser? Com personagens do tamanho de um balão da Macy’s Parade, como a malvada Miss Hannigan – interpretada com amargura de última chamada por Laura Condlin – Daddy Warbucks (mestre do disfarce, Dan Chameroy) e um deus ex machina na forma de Franklin Delano Roosevelt, você não pode muito bem tratar a saudável “Annie” como se fosse “Anna Karenina”.

Feore, que mostrou em “Billy Elliot” e “The Sound of Music” do festival que é uma gênio com crianças, anima o espírito com um conjunto sensacional de jovens atores como os órfãos. É como se você tivesse entrado em uma competição de ginástica cantando – Backflips: The Musical! As meninas também são comediantes iniciantes.

Há, é claro, um risco em apresentar “Annie” no palco do Festival Theatre de Stratford. Os amantes de cães, perigosamente próximos da ação, vão querer correr e roubar os adoráveis ​​​​filhotes peludos que interpretam a perdida Sandy.

A quinze minutos de caminhada, há outro casal de cachorros em “Dirty Rotten Scoundrels”, a comédia musical delirantemente engraçada que será exibida no Avon Theatre até 23 de novembro.

Só que eles são humanos: Lawrence Jameson e Freddy Benson, os desprezíveis duelistas vigaristas que foram interpretados no filme por Michael Caine e Steve Martin.

Lawrence é um britânico sinuoso em um terno elegante usado pelo ator Jonathan Goad, que é um profissional em ser elegante e sombrio. E Freddy é o jovem arrivista que está invadindo seu território. Estão tentando enganar a mesma mulher no sul da França.

Freddy geralmente é interpretado por Liam Tobin, mas vi seu substituto, Henry Firmston. Eu já havia assistido o ator uma vez em o “Algo Podre” do festival (retornando no próximo ano) na temporada passada. Sua energia única e travessa – mais uma reprise de “Friends” do que “pisar, chutar, chutar, pular, chutar, tocar” – realmente impressiona cada show do qual ele faz parte.

Batidas histéricas do compositor David Yazbek, como “Great Big Stuff” e “Ruprect”, faziam meus abdominais parecerem que tinham acabado de fazer abdominais.

Os musicais apresentados no proscênio Avon diminuíram visualmente nos últimos anos. Isso ainda vale para “Dirty Rotten”, dirigido por Tracey Flye. O cenário é básico e um pouco plano. Quando se trata de gargalhadas, no entanto: grandes coisas.

Nesta temporada, o espetáculo naquele teatro foi entregue ao Sr. “Macbeth”, sedento de poder e feliz com facadas.

Na versão gigante de gás de Robert Lepage da tragédia de Shakespeare, até 22 de novembro, você verá tritões e dedos de sapo, Motel Six e gangues de porcos.

Sim, o diretor – cujo trabalho o público de Nova York conhecerá no “Ring Cycle” do Met em 2010 – transformou Mackers, Lady M, Banquo e o resto em motociclistas sujos. Infernos MacAngels.

Esteticamente, é tão emocionante quanto qualquer peça que você verá na Broadway. Ultimamente, um pouco mais. Um enorme motel rodoviário gira com travessuras tortuosas – assassinatos sangrentos, despindo-se – acontecendo em vários quartos. Motocicletas rolam pelo palco. E espelhos bidirecionais são usados ​​para dar um efeito assustador.

No entanto, no que diz respeito às estruturas de poder e às regras básicas das facções em conflito, surge algo desconcertante neste sentido.

“Macbeth” é sempre uma tragédia complicada. Ambição, bruxaria e desafio à ordem natural (matar um rei) estão todos fundidos em um cara muito complicado. Jaquetas de couro e trapos confundem a situação mais do que contribuem com qualquer coisa substantiva. E o conceito das bruxas parece particularmente pouco sério.

O talento de Lepage para a reinvenção funcionou muito melhor quando ele moveu a ação de “Corilanus” para uma reconhecível Washington DC alguns anos atrás. O clima de suspense político de “House of Cards” deu ao público uma maneira de entrar naquela peça que “Macbeth” não gosta especialmente.

Dito isto: no que diz respeito a Macbeths e Lady Macbeths, você não pode fazer muito melhor do que Tom McCamus, com a voz de um apresentador de rádio da meia-noite e a carranca de um assassino brutal, e Lucy Peacock, cuja eletrificada Lady M tem um prazer especial na destruição.

Talvez ainda mais ambicioso do que aquele casal de escalada foi um dos ingressos mais interessantes que vi – “Forgiveness”, uma nova peça emocionante e expansiva no Tom Patterson Theatre sobre a situação dos nipo-canadenses durante a Segunda Guerra Mundial que abrange quatro décadas.

Tudo começa em 1968, com o filho de Mitsue trazendo para casa a mãe de sua namorada, Phyllis (Jacklyn Francis) e o pai, Ralph, para jantar. As preocupações habituais sobre os namorados se encontrarem pela primeira vez – o que fazer, o que vestir – são agravadas pelas histórias traumáticas dos “aluguéis”, que se desenrolam dolorosamente à medida que retrocedemos até à década de 1930.

Mitsue (Yoshie Bancroft, empático e maravilhoso) e sua família vivenciam o racismo em Vancouver e acabam sendo colocados em um campo de internamento após o ataque a Pearl Harbor. Ao mesmo tempo, Ralph (Jeff Lillico, uma cápsula do tempo de carne e osso) luta no exterior pelo Canadá e se torna um dos prisioneiros de guerra do Japão.

No final, surge uma compreensão mútua afirmativa e profundamente comovente que sugere que uma oportunidade de cura está sempre disponível.

Baseado nas memórias de Mark Sakamoto, o dramaturgo Hiro Kanagawa ocasionalmente sobrecarrega o diálogo com clichês e frases grandiosas. Mas, no geral, “Forgiveness” é um feito impressionante. O grande número de locais e eventos são habilmente interligados e encenados com abrangência e intimidade por Stafford Arima.

O drama familiar e a longa passagem do tempo também impulsionam o melhor espetáculo do festival na lista de 2025, “The Winter’s Tale”, de Shakespeare, dirigido por Antoni Cimolino.

O excelente romance exemplifica por que não sei como sair de Stratford, para onde tenho permanecido arrastado há 18 anos. Os itens imperdíveis costumam ser peculiares – um “Conto de Inverno” ou um “Cimbelino”, em vez de um “Hamlet” ou “Romeu e Julieta”. E a companhia rotineiramente faz o Bardo melhor do que qualquer teatro em Nova York, tanto quanto se aproxima, certamente incluindo as produções mais ou menos de Shakespeare no Parque do Público ultimamente.

King Leontes, da Abadia de Graham, um elenco brilhante, está entre as melhores performances de Shakespeare que já gostei. À medida que o gregário natural do alegre ator se desfaz para revelar o ciúme distorcido e infundado de seu personagem por sua esposa Hermione (Sara Topham) e seu melhor amigo Polixenes (André Sills), o público extasiado olha para ele enojado e devastado.

Suspeito que mais do que alguns se relacionam.

Leontes sozinho implode a vida dele mesmo, de sua esposa grávida e de seu pobre filho Mammillus por causa de um palpite de sangue quente.

O que é estranho e adorável – sujo e justo, se você preferir – em “The Winter’s Tale” é que grande parte da segunda metade, 16 anos depois daqueles horrores reais, é uma brincadeira deliciosa.

Há danças alegres e um par de palhaços fabulosos – o mal-humorado favorito Geraint Wyn Davies como Autolycus e o maluco Christo Graham como o jovem Shepard. Graham, aliás, é o Alfredo do “Ratatouille” da Pixar que ganha vida.

Não se deixe enganar totalmente pela alegria. A cena final entre Hermione, Leontes e a excelente Paulina de Yanna McIntosh é mais comovente e comovente do que você jamais viu antes.

E então, justamente quando pensamos que Leontes conquistou uma segunda chance na velhice, Abbey e Cimolino nos lembram poderosamente que algumas escolhas não podem ser desfeitas.

Este extraordinário “Conto de Inverno” é uma combinação de tragédia e euforia em mais de um sentido.

Que trágico que já esteja fechado!

E que bom que foi filmado profissionalmente para lançamento nos cinemas e eventual streaming.

Enquanto isso, há muitos programas para assistir antes do final da temporada – mesmo que você saia, perseguido por uma nevasca.