Runway City: Revolução do salão de Nova York

Antes de Madonna votou, antes de Rupaul ser um nome familiar, antes de Beyoncé construir um Renascença, havia rainhas arrancando espaço em uma cidade que não tinha para eles.

A cultura do salão estava viva e pulsava nos clubes subterrâneos, porões e armazéns de Nova York muito antes do realidade do drag atingiu a TV. E não, não estamos falando de dança quadrada clássica. Para a comunidade queer, o salão de baile é uma subcultura construída sobre a liberdade, de acordo com Livro de moda CR. Liberdade das normas sociais, da opressão e da invisibilidade.

A cultura do salão de baile representa um grande ecossistema social construído em torno de eventos competitivos conhecidos como bolas. O Drag é uma parte do salão de baile, mas também inclui voga, caminhada na passarela, modelagem e uma ampla gama de categorias julgadas de tudo, desde moda a carisma e “realidade”.

O arrasto é uma forma de arte, projetada pelo LGBTQ+, onde os artistas usam roupas, maquiagem e atitude para incorporar um gênero, persona ou caráter. Eles geralmente exageram feminilidade ou masculinidade para desafiar as normas, expressar identidade e divertir. Os shows de arrasto podem variar de performances íntimas de sincronização labial em barras a bolas em larga escala, com performances animadas e centenas de fãs torcendo. Mas para muitos não é apenas desempenho. É sobrevivência, resistência e brilho diante de um mundo que se recusou a ver pessoas queer, especialmente as de cor.

História inicial

As raízes da cultura do salão voltam às vibrantes cenas sociais do Harlem, muito antes de o fenômeno ser trazido à consciência convencional através de programas como Pose e recursos em revistas como Voga e O nova -iorquino. O Harlem Renaissance Das anos 1920 e 30, lançou as bases, alimentando a expressão artística e cultural negra em uma América segregada. Um dos locais mais antigos e mais influentes foi o Hamilton Lodge 710localizado na West 142nd Street, no Harlem. Tornou -se um marco na comunidade para sediar bolas regulares que atraíram artistas e espectadores negros e latinos, ajudando a formalizar as tradições competitivas e criativas que definiriam a cultura do salão por décadas.

As décadas do pós-guerra permitiram que a cena do salão começasse a tomar forma como a conhecemos hoje. Bolas de arrasto foram eventos subterrâneos em que os participantes competiram por troféus, respeito e fama. No final da década de 1960, quando o movimento moderno dos direitos LGBTQ+ começou a ganhar impulso, seguindo eventos como os tumultos de Stonewall, as comunidades queer negras e latinas eram frequentemente excluídas dos espaços mainstream gays e lésbicas. Em resposta, eles expandiram a cena do salão, criando casas e eventos onde poderiam encontrar aceitação, orientação e comunidade.

No final dos anos 1960, o Black Drag Queens Crystal e a Lottie Labeija estabeleceram o Casa de Labeija No Harlem, a primeira casa formal na cultura moderna do salão de baile. Eles começaram a hospedar bolas próprias, devido ao racismo na comunidade LGBTQ+ na época. Drag queen, Paris Dupreemuitas vezes chamado de “Mãe do salão”, ajudou a formalizar o sistema da casa. Essas redes de parentesco funcionavam como famílias, oferecendo apoio emocional, orientação e abrigo para os jovens LGBTQ+ rejeitados por suas famílias biológicas.

Essas casas se tornaram a espinha dorsal da cena do salão, fornecendo estrutura e concorrência feroz. As categorias são imaginativas e amplas, cada uma de um estilo de teste, habilidade e criatividade de testes de desafio único. Alguns se concentram na aparência, como beleza, moda e sexo; Outros testam as habilidades de desempenho, como vogagem, pista ou atuação. “Realness”, por exemplo, é uma categoria em que os artistas incorporam de forma convincente o gênero de sua persona de acordo com os ideais sociais, e os juízes votam em quem eles acreditam que “passariam” com mais sucesso como homem ou mulher no mundo atual. Essas competições servem não apenas como entretenimento, mas também como uma maneira de marginalizar as pessoas negras e latinas LGBTQ+ afirmarem identidade, reivindicar visibilidade e sobreviver em uma sociedade que geralmente as exclui.

Momentos definindo

As décadas de 1980 e 1990 marcaram um ponto de virada para a cultura do salão, ao passar de eventos dispersos para uma cena organizada e intensamente competitiva, construída em torno de “Casas”, geralmente lideradas por uma “mãe” ou “pai”. Casas como Labeija, Xtravaganza e a Lendária Casa de Ninja tornaram -se nomes sinônimos de excelência e criatividade. A cena saiu do Harlem, com sua rica história cultural negra, e se espalhou para Manhattan e Brooklyn, onde comunidades esquisitas vibrantes proporcionavam espaço para executar, competir e construir famílias escolhidas.

A era do final do século XX também nasceu Voguing, um estilo de dança inspirado nas poses dos modelos de moda, mas desde então evoluiu muito mais. A forma original de vogagem consistia em posar nítidas com influência de Revista Vogue e hieróglifos egípcios. Desbotando os anos 90, os movimentos fluidos surgiram com maneiras mais complexas e novas de impressionar os juízes. Em formas modernas, como “Vogue Fem”, os artistas refletem histórias mais profundas com movimentos misturando jazz, dança moderna, balé e hip-hop. Os artistas de arrasto usam técnicas precisas de mão e braço e uma mistura de movimentos sensuais rápidos, angulares ou mais lentos para ofuscar a competição. Os movimentos icônicos que vazaram da comunidade incluem o pato Walk e o Dip. Willi Ninja, conhecido como padrinho de Voguing, foi central para a evolução inicial de Voguing, chamando -a de uma forma de crítica e resistência no chão do salão de baile.

A trilha sonora desse movimento é igualmente única com o objetivo de criar um som original para a comunidade emergente. A música de salão de baile cresceu de influências de casa, eletrônica e disco, com sons modernos agora incorporando hip-hop, funk e R&B. No entanto, o som exclusivo da música de salão de salão vem do “Ha-Crash”, que é um sucesso percussivo na quarta batida, sinalizando dançarinos para fazer uma pose.

Salão de baile convencional

Quando Madonna lançou seu hit single “Voga” Em 1990, ela trouxe elementos da cultura do salão para o público global, levantando o Voguing diretamente do Harlem e para os holofotes. Para muitos, foi a primeira vez que eles viram a forma de dança. Os ícones de salão de baile como José e Luis Xtravaganza apareceram em seus vídeos e em turnê.

Nesse mesmo ano, documentário de Jennie Livingston “Paris está queimando” Abriu uma rara janela para o mundo do salão de baile, destacando a vida de lendas como Pepper LaBeija, Dorian Corey e Angie Xtravaganza, e capturando o areia, glamour e desgosto da cena. O filme também provocou controvérsia, pois muitos questionaram se o cineasta havia lucrado com as lutas de pessoas queer e trans de cor sem retribuir totalmente à comunidade que ela retratou. Então veio Rupaul com “Supermodel (é melhor você trabalhar) ”em 1992. RuPaul trouxe o arrasto para as salas de estar via Mtvtornando -se a drag queen mais visível do mundo. Além disso, seu show, Rupaul’s Drag Race Introduziu termos de salão de baile como “Shade”, “Reading” e “Realness” para um público mais amplo, pois muitas dessas palavras estavam na linguagem do salão há décadas. A seguir, foi o popular HBO original Lendário em 2020.

Essa onda de visibilidade foi complicada. Por um lado, ajudou a cultura queer a invadir o mainstream. Por outro lado, muitas vezes apaga as raízes negras e latinas do salão de baile, achatando uma subcultura construída sobre a sobrevivência em frases de efeito e tendências da moda.

No entanto, a influência do salão de baile permanece forte, a moda, a linguagem e a atitude, todos moldaram a cultura pop de maneiras que muitas pessoas não percebem. Enquanto o público convencional estava alcançando, o salão de baile continuava em seus próprios termos, se espalhando do Harlem. Seu legado está enraizado nas ruas e palcos de Nova York e continua a moldar a cultura pop hoje.

Salão de baile hoje

O salão de baile nunca desapareceu, evoluiu. Na cidade de Nova York de hoje, sua energia pulsa através da música queer e da vida noturna.

Pessoas como Mike Q, Liv Lux Miyake-Mugler, Yasha Labeija, Leggoh Johvera e mais levaram o legado para a frente com movimentos e sons que são sem desculpas e inconfundivelmente Nova York. Suas músicas e arrasto canalizam o espírito do salão: feroz, liberdade, estilo e resiliência.

Os artistas de hoje não se encontram confinados a nenhum gênero ou estética. Como os fundadores do salão de baile, eles misturam e remixam, puxando de variedade para construir energia que reflete a complexidade da identidade. As casas permanecem vitais como famílias escolhidas e coletivos criativos, oferecendo orientação, competindo em bolas e criando plataformas para novos artistas e dançarinos. Casas como LaBeija e Xtravaganza ainda mantêm influência, enquanto grupos mais novos como Mizrahi, Lanvin, West, Gucci, lindos Gucci e mais salão de baile no futuro.

Vivendo em legado

Em Nova York, o salão de baile tem sido muitas coisas. Um protesto. Uma festa. Uma linha de vida. De salões de baile do Harlem a armazéns do Brooklyn e a tela do telefone, a cultura sempre encontrou uma maneira de continuar se movendo, mesmo quando ninguém estava assistindo. Clubes e locais em Nova York, incluindo Casa de sim e Webster Hallcontinue a receber esta arte e comunidade.

A cultura do salão ainda se move hoje no ritmo de uma pista da casa, em uma pista perfeita em uma multidão gritando; O salão de baile não é apenas ser visto, é garantir que ninguém desvie o olhar. Nascido da exclusão em grupos marginalizados, o salão de baile construiu uma casa para quem não se encaixa nas exigências da sociedade dos rótulos.

Assim como o salão de baile, a cidade de Nova York está sempre comemorando, dançando e evoluindo. Você pode acompanhar isso em nosso Metro de Nova York seção.