SNL costumava legitimar estrelas pop. Agora é o contrário?

Percorra a ampla lista de convidados musicais que agraciaram “Saturday Night Live” na história de 50 anos do programa e você verá uma amplitude impossível da cultura pop passando por um pinhole. Então, novamente, meio século é muito tempo. Durante tudo isso, o SNL se transformou em um fabricante musical de formulação e corretor de poder, adaptando -se a inúmeras mudanças tectônicas na música popular ao longo do caminho. Mas agora, olhando para cinco décadas de música televisionada nas noites de sábado, parece haver um arco geral. Nas primeiras 30 temporadas do programa, conseguir um ponto de convidado confirmou o status de um músico estrela na imaginação popular. Mais recentemente, porém, o equilíbrio de credibilidade parece ser cansativo, com atos pop agora dando ao programa injeções necessárias de legitimidade cultural. Aqui está uma rápida olhada nessa transformação, década por década.

Se você assistiu ao recente documentário da NBC da Questlove “Senhoras e senhores … 50 anos de música SNL”Você sabe que o tecladista Billy Preston O primeiro convidado musical foi aparecer no “Saturday Night Live” em 11 de outubro de 1975. Por que Preston? Porque as pessoas que fazem SNL gostaram dele. A admiração genuína parecia ser o ponto cardinal mais brilhante do programa em sua curadoria musical inicial – e é assim que você consegue Paul Simon, um amigo do produtor Lorne Michaels, cantando “Still Crazy depois de todos esses anos” em um traje de peru em novembro de 1976. explica como inúmeros americanos desavisados ​​foram introduzidos no prog que gira o cérebro de Frank Zappa Algumas semanas depois, sem mencionar as visões de jazz de Keith Jarrett e Sun Ra na primavera de 1978, e Ornette Coleman Em 1979. Jazz ao vivo na televisão ao vivo. Que hora. Claramente, o SNL ainda não estava preocupado em capitalizar as tendências no zeitgeist nacional. Estava apenas tentando refletir a realidade imediata das pessoas que fizeram o programa. “Em 1975, ’76, ’77, [New York] era uma espécie de cidade de vanguarda ”, diz o produtor de música Hal Willner, do falecido SNL, no documentário de Questlove. “Este foi um show de vanguarda.”

Esse espírito musical temerário continuou até os anos 80. Capitão Beefheart e sua banda mágica em 1980. Miles Davis em 1981. Herbie Hancock em 1984. Philip Glass com seu conjunto em 1986. Quando Debbie Harry, de Blondie Time Rap Music apareceu na televisão nacional. Como o hip-hop, o som do punk hardcore americano também estava fomentando naquele ano, levando a uma das reservas mais sensacionais da história do SNL. Tudo começou quando o ex -membro do elenco John Belushi, programado para uma participação especial no episódio de Halloween 1981, convenceu Michaels a sediar o Los Angeles Punk Band Fear. Para dar à performance uma sensação de autenticidade, Belushi e Michaels queriam convidar alguns dançarinos de slam para o set; portanto, por recomendação do documentarista punk Penelope Spheeris, eles telefonaram para Washington, DC, pioneiro hardcore Ian Mackaye e perguntou a ele para trazer uma equipe para Nova York. Ao contrário das reportagens da época, nenhuma câmeras caras foram danificadas pelos zelosos moshers – mas o desempenho conseguiu criar ondas de choque culturais que desde então invadiram uma tradição conjunta. Punk se infiltrou nas ondas de rádio enquanto o SNL havia entrado na energia da televisão ao vivo de uma maneira que parece inimaginável hoje.

Depois de 15 anos, “Saturday Night Live” estava lentamente se tornando menos uma máquina de fazer estrelas e mais uma máquina de confirmação de estrelas. Nos anos 90, os convidados musicais do programa pareciam ecoar o antigo Clube de Records da Columbia House (lembra -se deles?) Que antes apareceu em revistas de música (lembra -se disso?). Mas se o programa não estivesse interessado em otimizar o fio vivo que estava segurando todo fim de semana, talvez os músicos pudessem tentar. O Public Enemy levou seu Hip-Hop AgitProp ao show em 1991 sem muito problemas. A raiva contra a máquina, no entanto, foi frustrada em 1996, quando a banda tentou enviar um sinal de angústia televisionado, colocando bandeiras americanas de cabeça para baixo de seus amplificadores. Infelizmente, a equipe de palco do programa os removeu antes que as câmeras fossem ao ar. E foram quatro longos anos depois Sinéad O’Connor fez história em outubro de 1992, protestando contra os abusos na Igreja Católica por rasgando uma fotografia do papa João Paulo II enquanto cantava uma versão de cappella da “guerra” de Bob Marley. Instantaneamente, esse foi um dos gestos mais radicais de protesto na história da música pop, todos possíveis pela televisão ao vivo. “Isso meio que quebra o espírito da noite”, disse Michaels sobre a apresentação em uma entrevista de 1993 com spin. No recente documentário de “senhoras e senhores”, Michaels diz: “Havia uma parte de mim que apenas admirava a bravura do que ela havia feito e também a sinceridade absoluta disso”.

“Saturday Night Live” pode ser um exercício de fabricação de legado para quase todos os hóspedes musicais que aparecem no programa. Mas nem sempre é o planejado – como foi o caso da cantora pop Ashlee Simpson, cuja visita de outubro de 2004 provavelmente será a aparência musical mais infame da história do SNL. Durante a segunda apresentação de Simpson na transmissão, a faixa vocal da música que ela havia tocada anteriormente, “Pieces of Me”, começou a tocar, deixando claro que ela estava sincronizando os lábios. Em retrospectiva, as consequências parecem estranhas. A reputação de Simpson no mundo da música foi rapidamente destruída. Enquanto isso, “Saturday Night Live” – ​​um show que promete a palavra “Live” em seu título – marcharam, ilesos e desprezados.

Onde os músicos realmente se apresentam no SNL? Sabemos que eles estão na 30 Rockefeller Plaza, dentro do estúdio 8H. Mas o cenário deveria parecer uma estação de trem? Um armazém? Um sonho em mudança feito de tijolos e aço? Por muitos anos, sabíamos que estávamos assistindo SNL sempre que encontramos a estrela pop mais colorida do momento dançando entre os tons de bege marcantes. Kanye West decidiu mudar tudo isso, batendo na frente de telas de vídeo piscando em 2013 e um belo cenário pastel-cromo em 2016-com convidados musicais subsequentes exigindo sets personalizados desde então. Essa mudança no poder criativo parecia culminar em setembro de 2019 com Billie Eilish apresentando “Bad Guy” Dentro de uma caixa rotativa Isso permitiu que o jovem fenômeno pop parecesse que ela estava dançando no teto. E enquanto acrobacias de retina como essas ajudam a maximizar a viralidade no YouTube, elas chegaram às custas da intimidade, história e senso de lugar do programa. Não estamos mais no 8H. Não estamos nem em um lugar onde a gravidade existe.

Por 50 anos, o mito predominante é que o “Saturday Night Live” concede seus convidados musicais com significado cultural – mas sempre foi fácil argumentar que funciona ao contrário. Tão importante quanto o SNL tem sido para o nosso envolvimento em massa com a música popular, se o programa saísse do ar amanhã, o mundo da música continuaria agitando sem piscar. Isso parece agudo hoje em dia. Quando uma estrela pop da Media Social-Media, como Charli XCX, hospeda o SNL, a confirmação da fama parece uma formalidade da velha escola. O SNL parece sucar mais credibilidade da transação do que Charli também. Mas ainda há espaço para travessuras sem script neste programa – algo que o compositor Phoebe Bridgers nos lembrou enquanto esmagando seu violão No ar em fevereiro de 2021. E se os convidados musicais da SNL pudessem se dar ao luxo de ser mais arriscado, os produtores do programa poderiam, que sempre têm a oportunidade de se reconectar com os gostos de sua equipe e a vibração de sua cidade. Quando a SNL celebra seu 75º aniversário, ele terá sediado o equivalente do século XXI de Sun Ra? Comemorar 50 anos de quão grande “Saturday Night Live” já deve servir como um lembrete de quão maior ainda poderia ser.