Combinando ressonâncias: a nova série LATEworks do ChatterPDX • Oregon ArtsWatch

Em 17 de abril, Chatter PDX estreou sua série LATEworks. O conjunto foi ao estúdio Hallowed Halls para apresentar músicas de Steve Reich, Andy Akiho, Kaija Saariaho, John Luther Adams e o codiretor artístico do ChatterPDX, James Shields. Eles também estrearam Escorregar por Kimberly Osberg, uma das três compositoras residentes do Chatter, que escreveu a peça em apenas quarenta e oito horas.

O ChatterPDX passou os últimos anos construindo uma audiência para seus programas de domingo de manhã no centro da cidade. Agora o grupo está se ramificando, assim como o conjunto mãe em Albuquerque. O ChatterABQ tem seu próprio espaço de atuação no centro de Albuquerque, que usa para todos os tipos de projetos além de suas séries de domingo de manhã. A série Lateworks do Chatter é, portanto, única com suas apresentações na Gordon House nos arredores de Silverton, onde o grupo está explorando novos espaços, novo repertório e novos conjuntos.

A apresentação fez parte da Orquestra Sinfônica de Oregon Bang It! festival de música de percussão. Os percussionistas da Oregon Symphony Sergio Carreno, Stephen Kehner, Jon Greeney e Michael Roberts (bem como membro do grupo Portland Percussion e coordenador da área de percussão da PSU Chris Whyte) juntou-se a Shields, seu colega codiretor artístico Trevor Fitzpatrick e o resto da equipe do Chatter. Por sua associação com a Oregon Symphony’s Bata festival, não havia muita música de percussão no programa. O que conseguimos, no entanto, foi ótimo: Música para pedaços de madeira por Reich, Karakurenai por Akiho, e Vento Negro por Adams.

Salões Sagradoscomo muitos estúdios de gravação e locais de apresentação, não começou como um só. O prédio fica perto do cruzamento da Foster com a 64th. Foi inaugurada como uma biblioteca Carnegie em 1919 antes de ser comprada pela cidade em 1972. Em seu site: “o estúdio foi fundado como um estúdio de gravação por Greg Allen em 2015 para homenagear o legado de sua mãe, Susan Joyce Linowes Allen, uma musicista e musicoterapeuta apaixonada, que morreu de câncer quando ele era criança”. Justin Phelps é o engenheiro-chefe do local agora e tem experiência trabalhando em estúdios semelhantes, como o Tiny Telephone em São Francisco. É um espaço polivalente, que acolhe eventos, sessões de gravação e ensaios para digressões.

Encontram-se espalhados pelos corredores cartazes e adesivos de bandas que já passaram. Um canto do prédio é decorado como um salão tiki, com sofás, banquetas e um esqueleto de pirata escondido acima das falsas folhas de bambu. Antes do início do concerto, a compositora Rośsa Crean organizou uma “amizade rápida” no salão. Foi bastante solto, com a intenção de combinar pessoas com potenciais colaboradores, e as conversas pareciam animadas, mas teremos que ver se alguma colaboração resultará disso. Talvez tenha sido um teste para amizades futuras e maiores dentro da comunidade musical de Portland.

À medida que os convidados continuavam a entrar, o compositor do Oregon, Ryan Francis, começou sua apresentação pré-show de seu Quarteto para Sintetizadores. Francis realmente gosta de trabalhar dentro das limitações texturais: o que ele pode fazer com um sintetizador de quatro vozes e um sequenciador? O quarteto estava em constante evolução; o timbre e a textura nunca permaneceram estáticos por muito tempo. Um filtro estava sempre abrindo ou fechando, uma nova frase melódica entrava, um elemento surgia ou recuava na mixagem. Cada movimento tinha um caráter distinto, enfatizando arpejos, acordes inchados, portamentos ou polirritmos, tudo no tom suave do sintetizador com um ataque suave. Enquanto o público batia palmas entre os movimentos, Francis espiava com um pequeno sorriso antes de voltar a mexer nos faders e botões.

O set propriamente dito abriu com percussionistas da Orquestra Sinfônica de Oregon tocando a música de Steve Reich Música para pedaços de madeira e Andy Akiho Karakurenai. Música para pedaços de madeira é composto para um conjunto de claves. Greeney manteve as semínimas pressionadas o tempo todo, mas ainda sorria e dançava com a música. Os outros quatro percussionistas construíram camadas de polirritmos nota por nota, cada nova entrada marcando o lento processo que se desenrolava antes de desaparecer na textura de fundo para permitir que o próximo percussionista construísse sua parte.

Carreno descreveu a música de Akiho como um “quebra-cabeça, como um cubo de Rubik”, em referência aos seus grooves polimétricos. Através de tudo KarakurenaiNos agrupamentos de três, quatro e cinco, pode-se seguir um pulso consistente com uma batida sólida. A peça combina instrumentos de marreta afinados tocando ostinati melódicos com instrumentos não afinados, proporcionando o sulco fundamental em torno do qual os polímeros giram. Os percussionistas estavam tensos, balançando ao ritmo. Após a apresentação, Shields disse com seu humor habitual para quebrar o gelo: “para um festival chamado Bang-it, vocês têm muita delicadeza”.

O título de Saariaho Oi Kuu significa “para a lua” ou “para a lua” em seu finlandês nativo. Shields no clarinete baixo e Trevor Fitzpatrick no violoncelo tinham muitos movimentos de chamada e resposta com reverberação abundante para criar uma enorme sensação de escopo. Os multifônicos do clarinete rosnavam como o chamado de animais distantes na noite. A dupla extraiu gestos da atmosfera nebulosa que se acumulou ao longo da peça. Como o melhor trabalho de Saariaho, Oi Kuu é estranho, mas evocativo. A peça tinha apenas cinco minutos de duração, mas parecia que você estava ouvindo os ecos de uma caverna subterrânea profunda, onde sua noção de tempo é distorcida.

Kimberly Osberg compôs Escorregar em quarenta e oito horas como um desafio do Chatter. Ela explorou múltiplos significados da palavra, todos girando em torno da essência do mundo – coisas seguindo caminhos inesperados. Com tão pouco tempo para compor, a música tinha um imediatismo e uma crueza – é pouco polida, o que se adapta muito bem ao tema. A peça abre com um coral multitimbral que perde o equilíbrio, enquanto a seção principal alterna entre diferentes sensações rítmicas rapidamente. Havia pintura sonora abundante, por exemplo, usando glissandi microtonais para representar uma longa queda. O conjunto de Shields, Fitzpatrick, Will Pyle e David Felberg trocaram ideias musicais de maneira divertida. Eu adoraria ouvi-lo novamente para ouvir mais sobre as sutilezas que Osberg trouxe para Escorregar.

Combinando ressonâncias

James Shields descreveu o método composicional de John Luther Adams como uma “mescla de ressonâncias”. Para realmente aproveitar é preciso ouvir as notas que ficam acima das notas. O clarinete baixo se insinua sob os acordes do piano tocando no registro grave, seguido pelo vibrafone e pela marimba também tocando acordes de tremolo crescendo-decrescendo. A execução do piano de Maria Garcia extraiu notas da sujeira do registro grave. A peça era longa, mas atrai você com seu mundo sonoro expansivo de dissonâncias pulsantes escondidas nesses acordes culminantes.

Após um intervalo, o conjunto voltou a interpretar duas peças de James Shields. Dele Dupla não. 7 também é atrevidamente chamado de “Music in Twelfths”, como uma referência a Philip Glass’ Música em quintas. A música era uma enxurrada de frases ascendentes em compassos irregulares. Você pode ouvir Shields respirando rapidamente entre essas frases, já que ele admite que não deixou nenhum lugar para respirar a música. Shields e David Feldberg tocaram um ao outro muito bem durante a peça, mesmo com as notas indo e vindo.

Para Moderado, giratórioa pianista Monica Ohuchi juntou-se ao Shields. A peça era sombria, encharcada de melancolia. Alguns momentos apresentavam toques lentos e repetidos de acordes densos; outros pareciam mais prismáticos, com notas únicas vagando pelo espaço de ressonância do piano. A coisa toda dançava em torno de um tom menor, com as texturas abertas dando tempo para respirar nesses momentos, incluindo o que Shields chamou de “passagem super emo, falso-barroca” que parecia uma peça com o resto do mundo sonoro sombrio da música.

Como todas as apresentações do Chatter, também houve poesia. John Beer escolheu ler um poema que combinasse com a peça final do programa, Steve Reich’s Fase do violinointerpretada por Feldberg. Seu poema tinha apenas duas palavras, “gotejamento” e “gota”, permutadas em novas ordens. Você para de ouvir um significado tradicional e passa a ouvir a cadência natural dessas duas palavras que sobem e descem como uma melodia. Fase do violinoda mesma forma, era uma frase pentatônica simples que se repetia e se transformava tanto que se tornava uma textura.

O programa se bifurca em dois tipos de música: peças percussivas pós-minimalistas construídas a partir de uma torrente de notas e música noturna espaçosa. Para um show chamado LATEworks, ambos pareceram apropriados, regulando o fluxo de energia durante a noite.