Entrevista com músico: George Steel sobre o lançamento de uma nova série de quinta-feira à noite no Gardner Museum com o marco de Steve Reich “Música para 18 músicos”

Por Larry Hardesty

“Eu diria Música para 18 músicos foi provavelmente a peça mais influente da música de concerto americana do último quartel do século XX. Você poderia concebivelmente estender isso para a peça musical de concerto americana mais influente desde que foi escrita.”

George Steel é um compositor que ganhou o prêmio BMI Jerry Harrington por realizações criativas excepcionais em teatro musical e cujo trabalho encomendado Os Três Reis tornou-se um marco nos concertos de Natal do Museu Guggenheim. É também maestro, que reabriu o Park Avenue Armory em Nova Iorque com programas de Mahler e Stravinsky e realizou cerca de 100 concertos de polifonia renascentista com o grupo coral que fundou, o Vox Vocal Ensemble.

Por mais de 30 anos, ele também foi produtor profissional de concertos e óperas. Em 2018, depois de passagens pela 92nd Street Y em Nova York, pelo Miller Theatre de Columbia e pela New York City Opera, Steel ingressou no Museu Isabella Stewart Gardner como Curador de Música Abrams.

O Gardner já hospeda o que Steel chama de “a mais antiga série de concertos em museus dos Estados Unidos”, uma série de concertos nas tardes de domingo que apresenta entre 25 e 30 apresentações por ano. Mas no dia 26 de fevereiro de 2026 é inaugurada uma nova série de concertos nas noites de quinta-feira com uma rara performance profissional na área de Boston da peça minimalista seminal de Steve Reich Música para 18 músicos. O site do Gardner declara que “os concertos de música de quinta à noite são com assentos abertos, apresentações individuais sem intervalo”. A entrada nas galerias do museu está incluída no ingresso do concerto.

Steel concordou em responder algumas perguntas sobre a nova série para o Fusível de artes.

O fusível das artes: Qual é a premissa por trás da nova série de concertos?

Retrato de 1903 de John Singer Sargent do compositor Charles Martin Loeffler. Foto: WikiMedia

George Aço: A música é parte integrante do que é o Museu Jardineiro. A música foi o primeiro amor de Isabella, eu acho. Ela abriu o museu em 1903 com um concerto do BSO. Ela construiu uma sala de música perfeita e concebeu a execução de música clássica como algo central na vida do museu.

O primeiro concerto que ela deu foi principalmente de música antiga, e o segundo concerto que ela apresentou foi todo de música de seu amigo Charles Martin Loeffler, o compositor. Um concerto de retratos de um compositor vivo foi a segunda coisa que ela fez. Portanto, este equilíbrio entre celebrar grandes obras do passado e apoiar e celebrar a música de compositores vivos é algo que existe desde sempre.

Nossa série principal é uma série de concertos aos domingos às 13h30. Mas há muita música no mundo que eu pessoalmente não quero ouvir no domingo à 13h30. Parece música noturna, e há diferentes públicos que podem comparecer à noite. Abrimos apenas uma noite por semana, que é quinta à noite, então estou trabalhando há algum tempo para tentar desenvolver uma série musical nas quintas à noite.

E estamos lançando este ano, com essa incrível atuação profissional de Música para 18 músicos. É do Steve [Reich’s] 90º aniversário, é o 50º aniversário da peça e, claro, é o 250º aniversário dos EUA. E eu diria Música para 18 foi provavelmente a peça mais influente da música de concerto americana do último quartel do século XX. Você poderia concebivelmente estender isso para a peça musical de concerto americana mais influente desde que foi escrita.

AF: Onde você vê essa influência?

Aço: Bem, quero dizer, toda vez que você liga a televisão, você ouve a influência do minimalismo, mas particularmente do minimalismo colorido por Música para 18 músicos. Estranhamente, as pessoas não pensam na orquestração, mas a orquestração de Steve é ​​incrível. Essa ideia de quatro pianos e todos esses instrumentos de marreta, ondulando no tempo – é totalmente invenção dele. E está em todo lugar. Você não pode escapar disso.

Está também na forma como a música de concerto americana é recebida no exterior, especialmente na Europa. Há uma longa história de ser uma espécie de versão aquosa da música europeia – Arthur Foote, que Deus o abençoe, é uma espécie de Brahms leve.

Compositor Steve Reich. Foto: Jennifer Taylor

Mas a América produz constantemente estes dissidentes – estes malucos, na falta de uma palavra melhor – que fazem as suas próprias coisas que não se parecem em nada com a música de concerto europeia. Freqüentemente, é uma música que abrange todo tipo de música vernácula. Charles Ives é um exemplo óbvio, ou Conlon Nancarrow, que escreveu para pianolas, ou Ruth Crawford Seeger, nesse caso.

Steve passou muito tempo estudando bateria da África Ocidental e adotou um vocabulário harmônico inspirado no rock and roll e no jazz. E a sua música foi calorosamente abraçada por compositores europeus de vanguarda que nunca, num milhão de anos, teriam sonhado algo parecido.

Música para 18 representa um momento para ele em que conseguiu reunir duas coisas nas quais estava trabalhando. Ele fala sobre isso livremente, não é minha opinião, mas uma delas é o phasing, que é algo que se desenvolveu a partir dos seus estudos de música da África Ocidental. O exemplo mais óbvio é Música de palmasque é um compasso de música e é um palíndromo: três pulsações, uma pausa, duas pulsações, uma pausa, uma pulsação, uma pausa, duas pulsações, uma pausa,

Essa é a peça completa, exceto que é tocada por dois jogadores. Eles batem palmas em sincronia pelo tempo que quiserem e, em algum momento, um deles muda para uma colcheia. Então, a mesma peça chega até você de forma assíncrona, e então o músico passa por outra colcheia e continua a fazer isso até voltar a um uníssono no final. Ou há uma peça chamada Fase Pianoonde dois pianos estão absolutamente sincronizados, e então um dos pianos acelera infinitamente até chegar a uma semicolcheia, um momento em que você tem esse moiré, e é incrível. Em Música para 18você tem essa máquina rítmica configurada e ela entra e sai gradualmente.

A outra coisa em que ele estava trabalhando era a música baseada na respiração. Então em Música para 18os clarinetes baixos e os cantores fazem um grande crescendo e recuam à medida que ficam sem fôlego. É a grade e a onda, a rede com seus padrões moiré em movimento e a onda em colisão.

E toda a peça é baseada em uma sequência de 11 saborosos acordes de jazz, e percorre-os. Mas o que é incrível para mim é – você sabe, há muito minimalismo que é mínimo. Há muito pouco material e muda muito lentamente. Mas cada iteração em Música para 18 ao longo de uma hora ou mais é delicioso. Eles têm groove e melodia, e a orquestração é muito variada.

Devo mencionar que David Bowie escreveu um artigo sobre seus 25 álbuns favoritos de todos os tempos e incluiu Música para 18que ele tinha visto em um loft em Nova York. E essa é a outra coisa da peça: é um conjunto muito incomum, dominado por percussionistas, o que provavelmente reflete a música de gamelão que Steve estudava na época. Não era música de sala de concertos; surgiu do que estava acontecendo no centro de Nova York nos anos 70.

Conjunto Sinal em ação. Foto: Stephanie Berger

AF: O anúncio do show diz que os shows de quinta à noite serão apresentações de uma única peça, sem intervalo.

Aço: Um dos problemas que temos no nosso salão é que quando colocamos os ingressos à venda, eles esgotam imediatamente, com meses de antecedência. Os mais jovens tendem a comprar ingressos mais perto do espetáculo, e os ingressos acabam. Então estamos experimentando colocar os ingressos à venda bem mais perto do evento, e a ideia é apresentar algo que você não precisa descrever detalhadamente. É como, “Estamos fazendo Música para 18“, e isso é tudo que você precisa saber. É uma experiência.

AF: Esse conceito se relaciona de alguma forma com o ambiente do museu?

Aço: Nossos shows são muito – as pessoas usam esse termo de maneira bastante vaga – mas eles são selecionados. Tem um modelo de curadoria onde você fala: “Vamos passar uma tarde com esse artista”, e com certeza eu mesmo faço isso. Mas Isabella deixou sua coleção e seu museu “para educação e diversão do público para sempre”. Portanto, estou focado na educação e na diversão – e na descoberta. Quando você está em um museu, você percorre a coleção no seu próprio ritmo e sempre descobre algo novo. Quero capturar essa curiosidade, energia, entusiasmo, diversão – e exposição a um ponto de vista forte, o que você certamente acontece quando é exposto às escolhas específicas de Isabella.

Larry Hardesty é o vocalista e compositor da banda Hopeful Monsters, cuja música “O Oeste Inesgotável do Coração” apresenta um retrato de três linhas de Brian Wilson. Ele ganha a vida como escritor e editor científico.