‘Estereofônico’ no Pantages cai por terra: revisão

“Stereophonic”, o famoso drama de David Adjmi que ganhou cinco prêmios Tony, incluindo melhor peça, está pronto para seu close-up em Los Angeles.

A primeira produção da turnê nacional, que estreou quarta-feira no Hollywood Pantages Theatre, parece estar em casa na capital mundial da música. A peça sobre uma banda de rock dos anos 1970 à beira do estrelato acontece em estúdios de gravação em Sausalito e Los Angeles, onde a vibração do Laurel Canyon nunca sai de vista.

A nitidez visual desta estreia em Los Angeles ajuda muito a dissipar as dúvidas de que Pantages seja o local errado para este drama conjunto. Se há um problema, não é a cavernosidade do teatro. A produção, brilhando com detalhes de época em um cenário de David Zinn que nos dá uma visão clara das salas de som e de controle, habita confortavelmente o espaço da performance, pelo menos da perspectiva de um assento decente da orquestra.

A peça, que inclui música original de Will Butler, o artista vencedor do Grammy e ex-integrante do Arcade Fire, tem um som tão robusto quanto um dos musicais de grande sucesso que passa regularmente pelo Pantages. As músicas, esmagadas pelos atores no volume máximo, são a recriação indie rock de Butler de faixas para uma banda parte britânica e parte americana que tem uma semelhança tão marcante com o Fleetwood Mac que um ação judicial trazido por um ex-engenheiro de som e produtor do grupo acabou sendo resolvido.

Adjmi, como Shakespeare, busca inspiração onde a encontra. E como o Bardo, ele faz suas próprias fontes, alquimizando o material para fins de romance.

Desdobrando-se em 1976 e 1977, “Stereophonic” oferece uma perspectiva panorâmica de uma banda em uma encruzilhada. Ao gravar um novo álbum cheio de expectativas, o grupo é vítima de conflitos românticos e espirais autodestrutivas, de ciúmes tóxicos e inseguranças fervilhantes. A perspectiva da fama amplia patologias que vêm se intensificando ao longo do tempo.

Diana (Claire DeJean) é a Stevie Nicks da banda. Linda, dolorosamente vulnerável e repleta de talento lírico, ela está envolvida em um relacionamento com Peter (Denver Milord), o Lindsey Buckingham do grupo, que busca a perfeição musical a qualquer custo.

A conexão deles é tão enriquecedora profissionalmente quanto pessoalmente destrutiva. A ambição de Diana é acompanhada por suas dúvidas. Ela é suscetível a um Svengali, mas não quer que ninguém lhe diga como escrever suas músicas.

Peter, extremamente competitivo, não consegue deixar de se ressentir da facilidade natural do talento de Diana, mesmo sendo a música do primeiro álbum que colocou a banda novamente no centro das atenções. O gênio dele é ferozmente exigente, enquanto o dela parece brotar naturalmente de sua alma.

Artisticamente eles dependem um do outro, mas a tensão entre eles é insustentável. E como a peça deixa claro, não há como manter suas vidas pessoais fora do estúdio.

DeJean e Milord são os artistas mais cativantes do conjunto. Os outros atores são sólidos, mas esta produção em turnê deixa claro o quão importante o elenco original foi para o sucesso da peça.

A produção de Daniel Aukin, que estreou em Nova York no Horizontes dos dramaturgos em 2023, antes de se mudar para a Broadway no ano seguinte, não perdeu seu fluxo confiante. A narrativa é apresentada com lucidez. Mas as peculiaridades tentadoras dos personagens foram reduzidas.

Os membros da banda britânica sofrem o pior. Holly, de Emilie Kouatchou, afasta a personagem da referência óbvia a Christine McVie, mas seu papel se tornou mais vago e menos central. Simon, interpretado por Cornelius McMoyler, o baterista e empresário cansado, preenche o projeto em todos os aspectos, menos na seriedade, que deve existir para que o confronto final do personagem com Peter tenha a recompensa necessária.

Ninguém poderia competir com Will Brill, que ganhou um Tony por sua interpretação de Reg, um inocente perturbado cujos vícios e disfunções criam um caos ridículo para a banda. Christopher Mowod não consegue dotar esse “homem triste em um cobertor”, como Simon chama seu companheiro de banda, com o mesmo nível de loucura estranha que Brill foi capaz de fornecer de forma divertida.

Estas diferenças de elenco não seriam dignas de nota se não fosse pelo seu impacto numa peça que se distingue pelo seu detalhe observacional. Tudo é um pouco mais óbvio, incluindo os dois caras do som americanos suportando o peso dos temperamentos artísticos que correm soltos no estúdio.

Grover, de Jack Barrett, o engenheiro de som que mentiu sobre sua formação para conseguir o emprego, elimina algumas das arestas do personagem em uma versão mais atraente do personagem do que a interpretação estimulante de Eli Gelb em Nova York. Charlie, de Steven Lee Johnson, o idiota assistente de engenheiro de som, é um esquisitão amigável, embora eu tenha sentido falta da maneira como Andrew R. Butler o interpretou quase como um alienígena espacial em Nova York.

A peça foi editada, mas ainda é um teste de resistência. A arte não é fácil para os personagens ou para nós. Mas o esforço não é em vão.

Os diálogos sobrepostos e os silêncios escancarados de Adjmi, orquestrados num estilo neo-Chekhoviano, tornam visível o processo artístico invisível. No final da peça, o tumultuoso drama humano por trás do brilho criativo emerge em uma glória comovente e transcendente.