As novas vozes radicais da música australiana das primeiras nações

RELATÓRIO DE CENA

As novas vozes radicais da música australiana das primeiras nações

Por

Jimmy Lixo

·
03 de novembro de 2025

No final de 2018, o rapper, dançarino, artista e ator aborígine australiano Neil Morris, também conhecido como DRMNGAGORAfoi a primeira pessoa a ocupar o cargo de Gerente de Negócios do Primeiro Povo no Victorian Music Development Office. Para ele, seu objetivo era simples: “Eu estava tentando quebrar barreiras em torno dos artistas indígenas”, diz ele. “[Labels] não obteremos nenhum benefício econômico com eles – são empresas multimilionárias que querem ganhar 200 mil por ano para cada artista. Em vez disso, queria criar um espaço para que eles criassem um valor cultural intrínseco.”

Mesmo a rápida olhada na história dos artistas indígenas nas paradas da Billboard australiana revela quão grande era essa necessidade. Da década de 1980 até a séria ascensão do hip-hop das Primeiras Nações na década de 2010, Os artistas das Primeiras Nações parecem receber um impulso da indústria apenas uma vez a cada cinco anos ou mais – o hit dançante de 1991 de Yothu Yindi “Tratado”; Cristina Anu em 1995; Shakaya e Gins duros no início dos anos 2000; Jessica Mauboy plataforma no Australian Idol em 2006. E isso é apenas música pop mainstream. Dado este apoio fugaz à música acessível, como poderiam os artistas aborígines nos campos do punk, lo-fi, música de vanguarda ou ruído esperar ganhar força?

“Houve muito trabalho em torno disso”, diz Morris. “Fiz um programa de desenvolvimento artístico que [sought to answer] perguntas como: ‘Como você pega um artista que, antes de 2015, não conseguia nem conseguir um show em Melbourne, e oferece a ele os melhores [press] fotógrafos? Como você consegue que algumas das principais empresas de relações públicas da cidade trabalhem com eles? Como você garante que a Melbourne Music Week programe esses tipos de artistas? eu estava conversando com [Australia’s youth-focused radio station] Triple J sobre por que eles deveriam ter um programa dedicado às Primeiras Nações, e eles passou a fazer isso.”

Nos últimos anos, estes tipos de medidas positivas ajudaram a destacar a riqueza das vozes indígenas que trabalham em novos géneros musicais. Em 2022, Kaldor Public Art Projects, em colaboração com a Art Gallery of New South Wales, organizou um evento celebrando a admiração do artista americano Sol LeWitt pelos artistas Anmatyerr da Austrália Central Emily Kame Kngwarreye e Glória Tamerre Petyarre. A exposição promoveu três colaborações distintas entre músicos aborígenes australianos e músicos americanos—JWPATON com Chuck Johnson, Tahlia Palmer – também conhecida como Amby Downs – com Steve Gunne A piscina de peixes com Claire Rousay. Esta série foi lançada pela lendária (selo extinta) Edições longas para o sucesso crítico.

Várias outras gravadoras e instituições australianas também dedicaram recursos para promover novos artistas aborígines e do Estreito de Torres – significativamente, a gravadora de Sydney TrilhaLawrence Inglês Quarto 40e Stu Buchananformador de opinião por trás da iniciativa pioneira de música experimental Nova Austrália Estranha. Após sua promoção a chefe de tela da Sydney Opera House, Buchanan usou sua posição para elevar muitos artistas indígenas, como o remixer de campo dubby Sallvagem e o artista audiovisual anticolonial de ruído ambiente Amby Downs, que apresentou o trabalho de colagem sonora e cinematográfica Olhe Intruso (2024), que confrontou a identidade nacional australiana do ponto de vista de uma pessoa das Primeiras Nações. O facto de ter sido transmitido directamente a partir de um dos marcos turísticos mais proeminentes da Austrália teria sido impensável no clima político dos anos anteriores.

Antes de mergulhar nesta incrível amostra de ruído, punk, lo-fi e hip-hop da nova geração de músicos australianos das Primeiras Nações, é importante prestar atenção a estas palavras de Morris: “Ainda é uma maneira muito ocidental, incluir apenas uma voz indígena [in our cultural activities]. Precisamos sempre pensar no tecido cultural e garantir que todas as vozes estejam representadas. Podemos incluir os Primeiros Povos nestes espaços até que as vacas voltem para casa, mas isso não levará a um futuro descolonizado e curado. Precisamos construir novos espaços a partir do zero.”

Para esses artistas, o simples fato de serem convidados para tocar é apenas o começo. O objetivo final são espaços e plataformas que pertencem, são promovidos e controlados por pessoas das Primeiras Nações. O que se segue é uma seleção de novas músicas de músicos que fundem suas próprias políticas, história e desejos na música que fazem.

Backhand
“Nada muda”

Punks lamacentos e agressivos Backhand fazem parte de um forte contingente de bandas de hardcore oriundas de Eora Nation/Sydney, movimento que também inclui Maldições e Saudoso. “Em meio a todo o desespero e guerra no mundo, me vejo agarrado a pequenos momentos de esperança”, diz a vocalista Kristy Preston. “Não apenas através das lentes de alguém na cena punk, mas como mãe, parceira e humana. Eu gosto de estar em uma banda – essa criatividade por si só me afasta das minhas próprias lutas do dia-a-dia – mas é bom quando alguém chega e me diz que ficou arrepiado com o nosso show, ou quando algum punk grande, careca e durão da velha escola diz que quase chorou durante uma de nossas músicas.” “Nothing Ever Changes” é um hino desesperado, desviando a raiva característica do punk do tédio suburbano para as causas das Primeiras Nações.

Mulher local
“Mudança para Melbourne”

“Para qualquer artista que tente liderar com integridade cultural no centro de seu trabalho”, diz Mulher localtambém conhecido como Murwillumbah, Kalyani Ellis de Nova Gales do Sul, “é difícil nesta indústria. É difícil estar em um mundo que não reconhece inerentemente a sacralidade da música. Mas se você puder proteger sua música, que é seu coração, sua espiritualidade e sua história, isso é a coisa mais gratificante.” Ela explora as ramificações emocionais dessa afirmação em “Moving to Melbourne”, seu primeiro single e uma obra-prima do punk de quarto. “A música é um hino emo eletrônico para perseguir seus sonhos e o que você tem que deixar para trás no processo”, diz Ellis. “A garota por quem você se apaixonou e que ninguém conhecia, porque você ainda não tinha saído. Todos os pedaços do seu coração que se partem quando você é alguém que quer alcançar ‘coisas maiores’.”

e piscina de peixes
“mothgirl1”

As composições de E fishpool soam como versões cortadas e parafusadas das primeiras bandas industriais DIY, como SMERSH– áspero, mas com algo macio por dentro. “Acho que a maneira como minha música soa sempre refletiu o que está ao meu redor”, diz ela. “Sou muito vocal e geralmente invento músicas aleatórias para a trilha sonora do que estou fazendo. Não tenho formação profissional e não sei ler partituras, então é tudo muito interpretativo. Tudo vem dos sons na minha cabeça.” Seu novo álbum, Garota Mariposafoi escrito durante um período de luto por um amigo próximo: “Eu tinha muita energia e emoção reprimidas, e muito tempo sozinho em um lugar realmente especial em Gariwerd. Tudo meio que saiu ao mesmo tempo – alegria, tristeza e raiva.”

Abby Downs
“fogueira _______”

O trabalho de Palmer é intencionalmente conflituoso – mesmo quando é uma faixa acústica, como é “campfire_______”. A peça assombrosa e violenta foi composta ao lado de um Animação VR que, nas suas próprias palavras, pretende “invocar um sentimento de base durante uma época de invasão europeia precoce neste continente, um momento vivido pelas mulheres, um momento que veio antes da violência caótica dos homens à sua volta”.

“Para mim, o trabalho com ambiente/colagem é uma das melhores formas de comunicar as complexidades de conhecer as nossas histórias, o nosso passado e as nossas histórias”, continua ela, “bem como as dificuldades de não sabendo dessas coisas. Experimentar narrativas não lineares e não faladas foi fundamental em minha jornada pessoal de desaprender o pensamento ocidental branco e me reconectar com as formas indígenas de pensar e ser.

Sallvagem
“Resposta do Meridiano Sensorial Autoctônico”

Sallvagem começou a trabalhar nas cenas de baile de Warrang – como dançarino, DJ e produtor sob o nome de Guy Ruin – antes de vagar por um espaço conhecido como “futurismo indígena”. Suas peças eletrônicas, que são parcialmente compostas com IA, são vibrantes e desafiadoras, mas orgânicas e semelhantes a um transe, mergulhando o dedo do pé nas águas da folktrônica. “’Resposta Sensorial Meridiana Autoctônica’ resume muito do que eu sou”, explica ele. “Como artista, muito do meu trabalho tem uma sensação assombrada ou melancólica, que penso ser basicamente sobre viver no ‘pós-colonial’. Acho que há algo na tristeza e no trauma disso que se espalha em grande parte da música que faço, mesmo que a música em si seja reparadora.”

JWPaton
“Pôr do sol no oeste de Sydney”

JWPatonA carreira musical de foi precedida por trabalhos em design gráfico, o que faz sentido quando você ouve suas paisagens sonoras queimadas pelo sol. Sobre a faixa “West Sydney Sunset”, ele diz: “Isso me faz pensar em voltar para casa depois do trabalho. Estou indo em direção às Blue Mountains, o sol meio que surge no topo e tem um céu vermelho e rosa maluco. É super lindo, mas West Sydney não é tão glamoroso. Adoro essa tensão, entre um lugar que tem tantos problemas e beleza.”

Conduíte de soma
“Efervescer”

Conduíte de soma é uma dupla de improvisação incrivelmente tensa e de evolução dinâmica, composta pela vocalista Sonya Holowell e pelo sintetizador modular Ben Carey. O seu trabalho totalmente improvisado desliza entre o jazz e o novo clássico, com “Effervesce” sendo uma demonstração particularmente fenomenal do talento vocal de Sonya. Como improvisadora, Sonya está comprometida com a importância de ouvir profundamente o povo australiano das Primeiras Nações. “Cada apresentação está imbuída de informações do espaço em que você está, e isso inclui todas as entidades vivas que estão lá compartilhando aquele momento com você. [Deep listening] ajuda a constituir o sentido de quem você é e a quem você é responsável e conectado. Ajuda a formar sua identidade.”

T Breezy x Walkerboy
“Aplausos”

Trilha Label Head Utilitário de edição e mixagem neste Álbum T Breezy x Walkerboy atravessa toda a gama de sons do hip-hop, desde o imaculado grime inicial até o melhor Dirty South dos anos 2000. É mantido fresco com a incorporação de reviravoltas locais nas letras, e pela entrega dos dois homens Gamilaraay, que nasceram e foram criados na semi-rural Inverell e se uniram através da música. O resultado são estruturas líricas incrivelmente distintas. De acordo com as notas do álbum, a música “CLAP” está “canalizando uma postura semelhante de ‘Dirt Off Your Shoulder’ para os pessimistas como [the track of the same name on] Triunfante de Jay-Z O Álbum Negro”- que é uma maneira muito complicada de dizer: Essa música bate forte!

DRMNGAGORA
“Rezar”

“Pray” é o trabalho final do DRMNGNOW’s projeto Ngarwuque consiste em cinco peças audiovisuais lançadas ao longo de um ano. Estas canções de rap fortemente líricas, ambiciosas e poéticas, exploram temas de resiliência, cura e injustiça global através da narrativa carismática de Neil. O tom de confronto de seu primeiro hit, “Austrália não existe”, fica em segundo plano aqui enquanto canta em seu dialeto Yorta Yorta, com “a intenção de dar às pessoas algo que está conectado a milhares de anos de cultura”. Sua carreira anterior como cantor de R&B dá lugar a um estilo de palavra falada, projetado para ajudar “[non-Native Australians] ser nutridos pela consciência da sacralidade da terra em que se encontram.”